Matéria

Minicrônicas Discográficas #11

2012-02-17T10:47:00.001-03:00

Eli Keszler manipulando a instalação "Cold Pin"

Notas pré-carnavalescas

- Shows: Além da pá de shows que foram anunciados durante o mês de janeiro e fevereiro de 2012, podemos contar com o Masada de John Zorn, confirmado no Rio (Espaço Tom Jobim, 16/03, sexta-feira, dá uma olhada no Feicebuqui). Também confirmaram uma rapaziada nova (Bob Dylan, Crosby, Still & Nash, Joe Coker e Duran Duran), além de Japandroids, The Ting Tings, Morrisey, Arctic Monkeys, entre muitos outros – e lembrando novamente que ainda tem Sónar, Lolapalooza, etc.

- Hoje, eu e Marcelinho da Lua fazemos a penúltima participação na Rádio Oficial do Verão, com mais um Mundo da Lua. Desta vez, muito rock'n'soul com Rolling Stones, Curtis Mayfield e demais pepitas. Às 21h no dial.

- Para finalizar, três críticas das últimas semanas para três lançamentos bastante significativos, que foram para a FACT Magazine PT. São elas: Ital, Hive Mind; Kyoka, iSH e DJ Rashad & DJ Spinn/RP Boo, Meet Tshetsha Boys.

Voltamos na sexta que vem. Bom carnaval a todos.

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Boy Friend – Egyptian Wrinkle (2012; Hell, Yes! Records, EUA)

O Boy Friend foi um dos lances mais legais que surgiram em 2011, lançando uma série de EPs ao longo do ano. Formado por Christa Palazzolo (do projeto Sleep Over) e Sarah Brown, lançou no começo de fevereiro o debut LP Egyptian Wrinkle. Quem já conhece a proposta sonora do duo, já sabe o que esperar: doses massivas de sintetizadores, bateria minimal e slide-guitars de aspecto flutuante. Resumindo, chill-wave nebuloso com o pé no dream pop, acompanhado por cuidadosos arranjos vocais. Ouça "Bad Dreams" e a faixa -título no Bandcamp das meninas.

Modern Witch – Unknown Domain (2011; Laser Palace Records, EUA)

Apostando em drum machines vintage e sintetizadores gelados, o som do Modern Witch oscila entre o darkwave e o electropunk, influências comuns na nova cena drag/witch house. Minimal ao extremo, algumas músicas dão a impressão de ser mais extensas do que realmente são. Essa estranha alteração na percepção do tempo provocada pela Modern Witch faz com que, em certos momentos, a gente se desligue por completo da música – dúvidas como "quanto tempo faz que esse som tá rolando?" são comuns ao longo do álbum. Não se trata de um minimalismo chato, e sim uma hipnótica repetição capaz de provocar confusão mental. O clima claustrofóbico de Unknown Domain ganha maior intensidade graças à gravação de aspecto lo-fi. Lançamento em formato CD-R, limitado a 100 cópias. Ouça as músicas "Not the Only One", "Dead Boyz" e "A Forest".

Cold Cave – Cherish the Light Years (2011; Matador, EUA)

Cold Cave é o nome do projeto liderado por Wesley Eisold que, desde 2005, bebe da fonte da música eletrônica produzida nos anos 80, passando por diversas referências que vão do noise ao darkwave. Cherish the Light Years, lançado em 2011, é um disco dançante, bem diferente do clima introspectivo de obras como "The Trees Grew Emotions and Died" e "Painted Nails". O ponto central do album é o goth-pop, lembrando os trabalhos do Depeche Mode, Siouxsie and the Banshees e New Order em faixas como "Catacomb" e "Confetti". Em outros momentos, remete ao experimentalismo pop do Cure da fase Kiss me, Kiss me, Kiss me, como se pode notar no uso inusitado de trompetes na faixa "Alchemy Around You".

Thiago Miazzo

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Eli Keszler – Cold Pin (2011; Pan, Alemanha [EUA])

Com Steve Pyne, Eli Keszler responde pelo projeto Red Horse, resenhado em conjunto com o Cut Hands de William Bennett aqui no Matéria. Desta vez, Keszler apresenta Cold Pin, composição/instalação inusitada, criada pelo artista e multiinstrumentista americano. A maquinária consiste em 14 cordas de piano esticadas em alturas diferentes (de 1 a 7 metros), amarradas em uma parede curva de 15 x 40, ligadas a micro-controladores, pick-ups e cabos RCA. A harpa anômala é executada conforme o artista aciona os controladores. Não satisfeito, Keszler convidou alguns amigos para acompanhar a parafernália: Geoff Mullen (guitarra), Ashley Paul (clarinete e guitarra), Greg Kelley (trumpete), Reuben Son (“bassoon”) e Benjamin Nelson (violoncelo) improvisam minuciosas texturas, com os dois pés no pontilhismo abstrato, à semelhança do Limescale de Derek Bailey. Abaixo, o leitor pode conferir a empreitada:

eli keszler : cold pin from eli keszler on Vimeo.

Rene Hell – The Terminal Symphony (2011; Type, EUA)

Talvez este álbum não seja adequado para as Minicrônicas, pois lá se vai quase um ano desde seu lançamento. Trata-se do segundo álbum do prolífico músico americano Jeff Witscher sob o pseudônimo Rene Hell. Manipulando seus sintetizadores, sob uma série de pseudônimo e projetos, Witscher se tornou um dos representantes da tendência neo-synth que invadiu a seara da música eletrônica na última década. The Terminal Symphony, cuja capa traz uma imagem sugestiva, apresenta dez composições que primam pela variação contínua, desde a releitura da Komische music (“Baroque Ensemble Coda” e “Lighthouse Marvel” sobretudo), até tentativas de elaborar composições para cordas (na faixa de encerramento, “Adagio For String Portrait”), tudo soa saudavelmente pretensioso nesta “sinfonia” de um homem só.

Ouça The Terminal Symphony.

Andrew Pekler – Sentimental Favourites (2011; Dekorder, Alemanha)

Outro trabalho caracterizado por uma minuciosa arqueologia sonora e reconstituição criativa. Desta vez, o alemão Andrew Pekler (que integrou o Groupshow, trio que incluía Hanno Leichtmann e Jan Jelinek), retoma elementos da música dos anos 60 e 70, na intenção de recriar o “esforço do easy listening que marcou o final dos anos 60, início dos anos 70, que fundiu o sofisticado pathos de composição de Burt Bacharach, Jimmy Webb ou The Carpenters com uma atenção pós-psicodélica aos detalhes sonoros.” Sacou? Não? Pois saiba que o resultado varia entre hipóteses ainda mais vagas: algo como se o misterioso produtor inglês Patten deixasse as batidas de lado para concentrar-se exclusivamente sobre as texturas harmônicas, ou se o ambient primordial de Brian Eno assumisse de verdade a influência dos sintetizadores alemães.

Ouça uma prévia do álbum.

Bernardo Oliveira

(crítica – disco) Eliane Radigue – Transamorem–Transmortem (2011 [1973]; Important, EUA [França])

2012-02-15T11:45:00.000-03:00

Parece consensual a percepção de que algumas obras e artistas demandam um tempo determinado para germinar na consciência da época, em virtude de uma série de fatores, técnicos, estéticos, filosóficos. Richard Wagner costumava lidar com o fracasso, tantas foram as vezes que, em busca de “obra de arte total”, esbarrava em dificuldades técnicas ou financeiras. Há também os entraves contextuais, em virtude dos quais algumas obras descansam por anos, décadas e até séculos para encontrar seus interlocutores – ainda que nos dias de hoje não se possa avaliar como se dará essa peneiragem no futuro, diante do volume monumental de produção. Assim, vale sublinhar uma modalidade de reajuste técnico e estético que emergiu nos últimos anos a reboque da fragmentação da reprodução e do formato: a transliteração técnica do conceito de uma obra em outros modos de exposição, influindo decisivamente sobre o seu significado.

Desde 2004, o músico e pesquisador Emmanuel Holterbach organiza os arquivos da compositora francesa Eliane Radigue. Há mais de 40 anos, Radigue experimenta na seara da música eletrônica e eletroacústica, aprendiz e parceira de Pierre Schaeffer e Pierre Henry, e é uma dos grandes nomes a emergir do interesse arqueológico que reabilitou os pioneiros da produção musical eletro-eletrônica, como Catherine Christer Hennix, Daphne Oram, entre outros. O reconhecimento de seu pioneirismo lhe rendeu uma ampla retrospectiva em Londres, no ano passado.

Concebida em 1973, “Transamorem-Transmortem” foi apresentada uma única vez por Eliane Radigue em Nova Iorque, no ano de 1974. Acompanhando as instruções referentes à execução da peça, composta no sintetizador ARP 2500, uma digressão acerca da abertura de um “espaço interior”.

“Esta fita monofônica deve ser executada em 4 alto-falantes dispostos nos quatro cantos de uma sala vazia. Tapete no chão. A impressão de diferentes pontos de origem do som é produzido pela localização das várias zonas de frequências, e pelos deslocamentos produzidos por movimentos simples da cabeça dentro do espaço acústico da sala. Um baixo ponto de luz no teto, no centro da sala, produzido pela iluminação indireta. Vários projetores de luz branca de intensidade muito fraca cujos raios, vindo de ângulos diferentes, se encontram em um único ponto.” (Eliane Radigue, 1973)

Trata-se, portanto, de uma peça que explora a espacialidade em dois níveis. Primeiro, a espacialidade objetiva através da qual o som se propaga e cuja modulação propicia formas variadas de emissão das frequências. Mas também o “espaço interior”, que diz respeito não somente às alterações decorrentes dos deslocamentos do indivíduo no ambiente, como também aos efeitos subjetivos desses mesmos deslocamentos. A partir do release editado pelo site da Important Records, podemos perguntar: como escutar de forma remota uma obra composta para a apreciação in loco, constrangendo o ouvinte a seguir os limites impostos pelo formato-disco? Em outras palavras, como escutar uma obra com alto teor sinestésico como “Transamorem-Transmortem”, que implica em uma série de cuidados e prescrições, mas que se apresenta agora comprimida no formato-CD? Quando, em suma, uma obra elaborada para manifestar-se através de uma relevo sonoro acidentado e minucioso, além de portar uma grande abertura para o acaso, é transposta para o território limitado e aplainado do CD?

A transliteração – ou, em outros termos, a “licença poética” – que permite levar os pressupostos de “Transamorem-Transmortem” para o CD, diz respeito mais ao seu aspecto conceitual do que ao substrato propriamente sonoro. Não se pode acessar a mesma experiência através do CD, de modo que só podemos apreendê-la como uma outra experiência, que ainda assim, permanece batizada como “Transamorem–Transmortem”. E como se pode resumi-la, mesmo sem acessar suas prescrições primordiais? A julgar pela audição da peça, realizada com fone de ouvidos, arriscaria a hipótese de que a espacialidade subjetiva da obra “original” é ampliada pela compressão do formato-CD. Por mais que se perca o jogo com as frequências, produto do deslocamento do ouvinte no espaço, sublinha-se o caráter harmônico e letárgico da composição. Em uma hora e sete minutos de duração, Radigue explora a continuidade subjetiva mais do que o espaço objetivo, ainda que com pequenos movimentos de corpo – ou com o fone – sobressaiam as frequências mais agudas – experimente, por exemplo, levantar uma das abas do fone ou comprimi-lo ao ouvido.

Vale ressaltar que apenas com o advento do CD, que comporta longas durações de forma contínua, a obra de Eliane Radigue pôde ser devidamente registrada. Esta possibilidade nos revela o talento de uma artista que sabe manipular o conceito e a técnica no mesmo passo, além de revelar um talento poético e abstrato para talhar as sonoridades com talento de escultora. Mas, acima de tudo, “Transamorem–Transmortem” é uma experiência atordoante, testemunha do talento inominável de uma artista que chegou a hesitar em utilizar a palavra “música” para definir seu trabalho.

Bernardo Oliveira

Ouça "Transamorem-Transmortem".

(crítica – disco) The Vaselines - The Way of The Vaselines: A Complete History (1992; Sub Pop Records, Reino Unido)

2012-02-13T10:37:00.000-03:00

O Vaselines tinha tudo pra ser uma daquelas bandas obscuras do cenário indie-pop da década de 80, se não fosse a insistência de Kurt Cobain em citar Eugene Kelly e Frances Mckee em diversas entrevistas como "os melhores compositores do mundo". Afinal, que banda era essa que despertava tamanho fascínio no líder do Nirvana e era a autora das músicas "Son of a Gun", "Molly Lips" e "Jesus Doesn't Want Me for a Sunbeam" , regravadas pela banda nos albuns Incesticide e Unplugged in New York?

Musicalmente, os escoceses do Vaselines se diferem da maioria das bandas de twee/indie pop do seu tempo, passando longe das características mais irritantes do gênero: ternura, meiguice e inocência beirando a idiotice. Sobraram os vocais alternados boy/girl e a ênfase na melodia de guitarra, somadas às guitarras slide vindas diretamente do blues, distorções pesadas e uma boa dose de rock garageiro. Todo o material registrado pela banda ao longo da década de 80 pode ser encontrado em The Way of The Vaselines: os ep's Son of a Gun e Dying for it, o lp Dum Dum, além de três faixas até então inéditas, em ordem cronológica.

Os acordes manjados de "Son of a Gun" abrem o disco e não, não me importa se você acha que a versão do Nirvana é melhor que a original. "Rory Rides me Raw" se assemelha a uma músical infantil, com uma estrutura similar à das cantigas de acampamentos ou excursões escolares, exceto pela letra, cheias de referências sexuais. "You Think You're a Man" é um cover do Divine e transpira anos 80, com influências diretas da eurodance e do synth-pop, sem destoar do resto do album ou perder sua autenticidade. "Teenage Superstars" e "Dying for it" não escondem as influências garageiras/proto-punks da banda, assim como a distorcida "Sex Sux" ou o filhotinho de Stooges "Dum Dum".

"Slushy" é carregada de energia pop e abre espaço pro sing-along no refrão, já o blues anfetaminado de "Oliver Twisted" é uma das mais belas surpresas da discografia da banda. Outro destaque é a curtinha "The Day I Was a Horse", um rock sobre tranquilizantes pra cavalos (não necessariamente aplicado apenas em cavalos).

Muito mais do que "os queridinhos do Cobain", o Vaselines foi uma das bandas responsáveis por pensar em novas alternativas para um indie-rock cada vez mais saturado, repetitivo e inofensivo. A dor de cotovelo e os patéticos passeios de mãos dadas dão espaço pra sexo, drogas, uivos e gemidos. Muitas das músicas da dupla Eugene/Frances possuem uma carga deliciosa de tesão que, junto com a crua energia rockeira, tornaram o indie-rock uma experiência mais contestadora e divertida.

Só pra ser do contra, não vou indicar nenhuma música que o Nirvana fez cover. Saia da mesmisse e ouça agora mesmo as faixas "Oliver Twisted", "Slushy" e "The Day I Was a Horse".

Thiago Miazzo

Minicrônicas Discográficas #10

2012-02-10T14:07:00.001-03:00

Boas notícias

Confirmado Acoustic Masada no Rio de Janeiro, dia 16 de março no Espaço Tom Jobim (mais informações em breve)/Sónar soma mais 15 nomes esta semana (Squarepusher entre eles)/Promessa de novos álbuns de Neil Young Crazy Horse, Missy Elliot produzida por Timbaland, mixtape do OFWGKTA e uma tonelada de lançamentos nacionais/Sobre a Máquina, Dorgas, Chinese Cookie Poets, Beach Combers e outras bandas cariocas legais também tem lançamentos previstos/Estão dizendo por aí que tUnE-YarDs também se apresenta no Rio, será?/Caetano Veloso libera música (grande notícia, não?)/E por falar em Caetano, tem vídeo do Chico Buarque na rede.../Carnaval tá chegando: "Há uns que vão pra mata, pra cachoeira ou pro mar, mas eu que sou do samba, vou pro terreiro sambar...". E tenho dito.

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The Raveonettes – Raven in the Grave (2011; Vice Records, Dinamarca)

Pegando carona no bonde das duplas, liderado pelo White Stripes e o The Kills, o The Raveonettes foi formado na Dinamarca no ano de 2001. Ao longo de onze anos de carreira, o som do duo passou por transformações. Sem qualquer sinal do garage-rock e do rock'n’roll dos seus primeiros discos, Raven in the Grave (quinto álbum do grupo) soa como uma pastilha shoegaze dissolvida em um copo d'água. As influências de bandas como Adorable, Slowdive e Jesus & Mary Chain são visíveis ao longo do disco. As guitarras barulhentas de "Recharge & Revolt" abrem o disco, mas é em faixas com uma atmosfera dream-pop como "Forget That you're Young" ou no goth-rock de "Ignite" que o disco atinge o seu ápice. Sou uma pessoa resistente a mudanças, mas discos como Raven in the Grave me botam um sorriso na cara e me fazem pensar que nem todas as mudanças são pra pior.

Tearist – Living: 2009 - Present (2011; Thin Wrist Recordings, EUA)

O Tearist iniciou suas atividades em 2009 e é formado por Yasmine Kittles e William Stangeland Menchaca. O primeiro full-lenght do duo, Living: 2009 - Present é uma compilação de gravações ao vivo registradas entre 2009 e 2011. Quem já viu alguma apresentação da banda (se você nunca viu, veja agora), já sabe o que pode esperar: performances intensas, um moog obeso fazendo o baixo da música, outro sintetizador berrando no saw, vocais carregados de delay, peças de metal, instrumentos ready-made e outras referências à música industrial. O som da banda se enquadra nos subgêneros drag/witch-house, mas as influências de synth-pop e demais estilos originários dos anos oitenta aparecem na música do Tearist de uma forma bem menos diluída do que nas dos demais artistas ligados à cena witch. Destaques: "Headless" e "Lo v".

Raspberry Bulbs - Nature Tries Again (2011; Hospital Productions, EUA)

Dentre todas as bandas que adotam a proposta do primitive black metal, o RB é a minha favorita. Formada pelo multi-instrumentista "He Who Crushes Teeth" (que também toca bateria no Bone Awl), conta com apenas um álbum lançado, além de um punhado de demos. "Face in the Cave" e "What is it Between us?" remetem aos primeiros discos do Venom, enquanto "Will I Ever Speak the Truth?" lembra a banda punk Urinals. Essa é a fórmula utilizada ao longo de Nature Tries Again: estrutura musical simples, distorção feiosa de guitarra, influências metal/punk, gravação de aspecto caseiro e, mesmo assim, é um disco que cativa logo na primeira audição.

Thiago Miazzo

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Kyoka – iSH (2012; Raster-Noton, Alemanha [Japão])

Como parte da série Ununpentum, ligado ao selo Unun, a Raster-Noton pôs no mercado um mini-álbum (ou EP, já nem sei mais…) com cinco faixas produzidas pela artista japonesa Kyoka. Desenvolvendo vertiginosas colagens pop, a lembrar algo do drill’n’bass da década de 90, Kyoka produziu sua série batizada como ufunfunfufu, em 3 volumes lançados entre 2008 e 2010. Produzido pelo parceiro Frank Bretschneider, iSH traz uma concepção mais elegante e econômica, sem abrir mão dos timbres de ferro velho, glitches e demais traquitanas que caracterizam seu trabalho.

Ouça o Soundcloud da artista.

Rogelio Sosa – Raudales (2011; Sub Rosa, Bélgica [México])

A capa de Raudales já diz muito a respeito de seu conteúdo: uma corredeira de vísceras desaba sobre o precipício, simbolizando o substrato das experiência sonoras do mexicano Rogelio Sosa. De fato, seu trabalho se vale de um material passível de comparação com aquilo que se considera "os restos", elementos que não perseveram no discurso musical convencional e que são conhecidos por nomes pouco recomendáveis como “barulho”, “ruído”, e até mesmo por uma categoria experimental, o noise. Compreendendo trabalhos que vão de 2003 a 2009, Raudales traz desde experiências com softwares, eletroacústica, conversão de sons orgânicos em sons sintéticos, e vice versa. Tudo isso na intenção de levar ao ouvinte algumas centelhas sonoras do mal estar gerado pela capa.

Ouça “Rutina de Rupulsión”.

Leonard Cohen – Old Ideas (2012; Columbia, EUA)

Eis um artista que não tem nenhuma necesidade de se misturar aos artistas mais jovens, como fizeram Bowie, Cash e Caetano. Com “misturar” eu quero dizer: dar à sua própria música uma roupagem que de alguma forma se relacione com a música de artistas mais recentes, como meio de atualização, mas também por concepção. Mesmo considerando que o Tindersticks nem sequer existiria se não houvesse álbuns como Songs of Love And Hate ou Death of a Ladies’ Man, dificilmente se poderá objetar o fato de que, pelo menos desta vez, o pupilo fez um trabalho mais desafiador do que o de seu preceptor. Também parece difícil negar a sensatez clarividente do título: sim, estamos diante de “velhas idéias”. Ouçam “Show me the place” e “Darkness” e saboreiem a voz cada vez mais grave e soturna, as canções simples com letras profundas e a roupagem deliciosamente antiquada. Embora as Minicrônicas sejam direcionadas a uma análise ligeira de bons álbuns recentes, não se espante o leitor se, até o fim do ano, esse disco ganhar uma resenha própria.

Ouça “Show me the place”

Bernardo Oliveira

(crítica – disco) Studio One Rockers (2001; Soul Jazz Records; Reino Unid)

2012-02-09T12:03:00.000-03:00

O selo jamaicano Studio One é um dos mais tradicionais de early reggae e ska. Fundado por Clement "Coxsone" Dodd em 1954, o Studio One lançou os artistas mais legais que rolavam na ilha: Bob Marley and The Wailers, Toots and The Maytals, Prince Buster, só pra citar alguns exemplos. Essa compilação realizada por Stuart Baker, dono da Soul Jazz Records reúne o melhor que a Studio One produziu entre as décadas de 60 e 70. "Real Rock", a faixa que abre a compilação, é um early reggae de primeira qualidade, com uma cozinha pesada como é esperado do gênero. Se destacando entre os demais instrumentos, o orgão hammond e as três notas tocadas por Jackie Mittoo foram relembradas por uma série de artistas ao longo dos anos.

"Feel Like Jumpin'" é o meu novo som pra ouvir de manhã no ônibus, a caminho do trabalho. Sei que se eu ouvir alguma coisa triste, desisto e volto pra cama, por isso, escolhi algo animado. Com uma bela melodia vocal e um uhu-huuu pegajoso, esse rocksteady faz das primeiras horas do meu dia uma experiência mais fácil de suportar. Os falsetes de Horace Andy parecem derreter em "Skylarking", dando um aspecto narcótico ao roots reggae que a banda toca. Definitivamente, um estilo de vocal pouco comum ao gênero, mas que se mostra uma bela surpresa. Em "Village Soul", o vibrafone tocado pelo habilidoso Lennie Hibbert é o instrumento principal ao longo dessa música que é uma das mais relaxantes do disco.

Clement "Coxsone" Dodd

O dancehall não foi esquecido nessa compilação, alguns clássicos do estilo podem ser encontrados: "Crabwalking", interpretada por Prince Jazzbo (na verdade, uma dj-version da já citada "Skylarking"), "Eye of Danger" por Michigan & Smiley e a grudenta "Bobby Babylon" na voz de Freddie McGregor. O groove do funk/soul também se faz presente em "Greedy G", do Brentfort All-Stars e o jazz dá o ar da graça nos belíssimos arranjos da guitarra tocada por Ernest Ranglin em "Surfin". O hi-bop ska de "Phoenix City", do lendário Skatalites anima o album e o hammond de Jackie Mittoo reaparece em "Hot Milk".

"You Don't Love me (No No No)" - apresentada em sua versão original, tem um baixo retão, guitarra seca e uma interpretação inspirada de Dawn Penn, bem melhor do que a regravação dos anos 90. Do rocksteady ao jazz, Studio One Rockers relembra alguns clássicos dos quais a maioria das compilações se esquecem.

Thiago Miazzo

Ouça a seguir as músicas:

Dawn Penn - "You Don't Love me (No, No, No)"

Marcia Griffiths - "Feel Like Jumping"

Horace Andy - "Skylarking"

Minicrônicas Discográficas #9

2012-02-03T12:16:00.000-03:00

A originalidade dos indisciplinados

“Como quase tudo isso são defeitos, devemos convir que somos um caso feio, tamanhas seriam as carências de que padecemos. Seria assim? Temo muito que não. Muito pior para nós teria sido, talvez, e Sérgio o reconhece, o contrário de nossos defeitos, tais como, o servilismo, a humildade, a rigidez, o espírito de ordem, o sentido de dever, o gosto pela rotina, a gravidade, a sisudez. Elas bem poderiam nos ser ainda mais nefastas porque nos teriam tirado a criatividade do aventureiro, a adaptabilidade de quem não é rígido mas flexível, a vitalidade de quem enfrenta, ousado, azares e fortunas, a originalidade dos indisciplinados." [Darcy Ribeiro, O povo brasileiro: a formação e o sentido do Brasil, p. 51]

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No final do ano passado, saiu pelo selo alemão Shitkatapult um dos discos mais inusitados dos últimos tempos – ao lado da sinfonia de 1-Bit de Tristan Perich. Trata-se de OvalDNA, último rebento da imaginação metódica e delirante de Markus Popp, que assina seus trabalhos como Oval e Microstoria. O pacote, que inclui CD, DVD e livreto assinado por David Toop, faz valer uma antiga promessa de Popp, que consiste em disponibilizar arquivos de seus trabalhos para livre manipulação do ouvinte. Questões estéticas de lado – tratadas em texto para a FACT Magazine – vale notar que em tempos de capitalismo obscurantista, a atitude de Popp transcende a generosidade: é política mesmo.

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Hoje no programa Mundo da Lua, eu e o DJ Marcelinho da Lua apresentaremos um programa inteiramente dedicado a alguns selos que fizeram e ainda fazem a história da música. Stax/Volt, Fania, Stones Throw, Joe Gibbs Music, Copacabana e Equipe compreendem mais de 50 anos de música original, revelando artistas como Otis Redding, Isaac Hayes, Jonnhy Pacheco, Celia Cruz, J Dilla, Madlib, Elza Soares, Oswaldo Nunes, Noriel Vilela, Mighty Diamond, Black Uhuru, entre outros. A partir das 21h na Rádio Verão, 102.9 no seu dial, também na internet.

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Earth – Angels of Darkness, Demons of Light I (2011; Southern Lord, EUA)

Com mais de vinte anos de existência, o Earth (liderado por Dylan Carlson) nasceu em Seattle em meio à explosão do grunge. Em 1991, enquanto o mundo inteiro estava ocupado demais ouvindo o Nevermind ou o Black Album – ou ainda os chatíssimos Use Your Illusion 1 & 2 –, o Earth lançou seu primeiro álbum, um EP chamado Extra-Capsular Extraction. Contando com a participação de Kurt Cobain nos vocais, o Earth apresentou ao mundo um doom metal minimalista nunca antes explorado que, muitos anos depois, ganharia o nome de drone-doom e seria citado como influência por bandas do quilate de Sunn O))), Boris e Melvins. Ao longo de sua carreira, a banda deixou de lado as influências de Doom Metal, abrindo espaço para novos instrumentos e referências. Angels of Darkness, Demons of Light I, lançado em 2011 pela Southern Lord Records, traz fortes influências de post-rock e country/folk, somado ao até então inédito uso do violoncelo na música da banda. A estrutura minimalista permanece, mas de maneira alguma isso deve ser encarado como algo negativo, os riffs principais e suas variações não tornam a audição enjoativa. Ouça as excelentes "Old Black" e "Descent to the Zenith" e tire suas próprias conclusões. A saber: Angels of Darkness, Demons of Light II tem data de lançamento marcada para o dia 14 desse mês.

SBTRKT – SBTRKT (2011; Young Turks, Reino Unido)

O DJ Aaron Jerome meteu uma máscara africana na cara e resolveu fazer música pop com elementos bass culture, pegando uma carona nessa onda do post-dubstep. Apesar disso, o dubstep é apenas uma das tantas vertentes encontradas nesse disco. Partindo do uk garage e do 2 step, o álbum segue uma louca viagem em que cada música ganha seu próprio jeito, de modo que nenhuma se parece com a outra. Em momentos como "Hold on", o disco faz referências ao R'n'B mais tristonho, sem medo de soar pop. Já "Sanctuary" tem timbres mais sujos e influências de miami bass e old school rave. SBTRKT, lançado em 2011, tem como um de seus pontos mais fortes o baixo, sempre preciso, em alguns momentos grooveado e que não se limita ao woobwoobwoobwoob de algumas músicas do estilo.

Jesu – Ascension (2011; Caldo Verde Recordings, Reino Unido)

Aos 13 anos de idade, Justin Broadrick fundou o Final e, ainda na adolescência, tocou guitarra no primeiro (e histórico) disco do Napalm Death. Anos depois, fundou o Godflesh e, mais uma vez, deixou seu nome marcado definitivamente após o lançamento do influente Streetcleaner em 1989. Pouco tempo depois de o Godflesh anunciar o seu fim, Justin Broadrick criou o Jesu, projeto que desde 2004 tem lançado uma quantidade significativa de albuns, Eps, splits e remixes. Ao longo de sua carreira, a banda manteve o foco no post-metal, enquanto a agressividade dos primeiros albuns deu lugar a um clima introspectivo, flertando com a música eletrônica, o shoegaze e o post-rock. Ascension é o quarto disco de estudio e um dos mais fáceis de digerir. Não tem o aspecto claustrofóbico e hostil de outrora, mas conserva o aspecto triste – uma constante em toda a sua discografia. Só Jesu expulsa a felicidade das pessoas. Destaques: "Black Lies" e "King of Kings".

Thiago Miazzo

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Zammuto – Idiom Wind (2012; Make Mine, Reino Unido [EUA])

Com o aparente encerramento das atividades do The Books, Nick Zammuto partiu para uma nova empreitada. Trata-se do quarteto batizado oportunamente como Zammuto, e que debutou este ano com o single Idiom Wind, composto por três faixas: “Idiom Wind”, “F U C-3PO” e “Weird Ceiling”. Logo na faixa-título, a senha: “we can put a name on it, but it’s not the real name”. Com este trabalho, Zammuto sustenta o interesse na dimensão de jogo e no aspecto fragmentário de poesia sonora que marcaram os melhores trabalhos do Books. O tom de aleatoriedade programada se mantém, na maioria das vezes através de estruturas de composição que se valem da apropriação irônica de variadas formas de manifestação musical: canção, sampler de discos inusitados, música sequenciada, música concreta, etc. A faixa mais interessante é a delirante “Weird Ceilling”, cujo formato, embora não fuja à comparação com o Books, indica um caminho mais “musical” em sentido estrito, com sua estrutura de arranjo que se vale de guitarras e percussões. O mesmo se pode dizer do refrão folk-rock de “F U C-3PO”. Sem dúvida, um (re)começo promissor.

Distal – Eel (2012; Seclusiasis, Reino Unido)

Os americanos estão botando a mão na massa quando o assunto é música eletrônica de matriz inglesa, particularmente ligada ao dubstep e suas ramificações. Com o aparecimento do juke/footwork de Chicago, esta apropriação se tornou ainda mais particular, o que para os ouvintes é motivo de comemoração. Ao lado de Machinedrum e FaltyDL, Michael Rathburn, mais conhecido como Distal, vem se destacando como um dos produtores mais originais do ramo. Eel é o tipo de EP que de tão interessante acaba por superar os remixes que o completam – realizados por BD1982, DS1, Thrills e pelo próprio Travis Stewart aka Machinedrum. Valendo-se do peso das percussões e de repetições massivas, o EP conta com três faixas: a batucada tribal em “Eel”, o funky serra elétrica de “Kurgan” e o juke obsessivo “Hut”. Hibridismo radical, timbragens enérgicas e rascantes, fazem de Eel o EP mais instigante deste início de ano.

Ouça algumas faixas antigas assinadas por Distal.

Vários Artistas – Pop Ambient 2012 (2012; Kompakt, Alemanha)

Desde 2001, o alemão Kompakt, situado em Colônia, lança esta compilação de faixas, contemplando os lançamentos ambient ligados ao selo. Capitaneado por três nomes importantes da cena eletrônica germânica dos últimos 20 anos (Wolfgang Voigt, Michael Mayer e Jürgen Paape), o Kompakt tem moral para tanto: é um dos prepostos fundamentais quando o assunto é música eletrônica de caráter experimental, casa de artistas como The Field, Orb, Pantha Du Prince, Gui Boratto, Superpitcher, entre outros. Este ano a compilação gira em torno de uma novidade digna de nota: “Manifesto” pertence ao novo projeto de Jörg Burger e Wolfgang Voigt, que antes formavam a dupla Burger & Voigt, rebatizado como Mohn. A faixa soa como a manipulação das modulações de um acorde de solto, realizado por guitarra elétrica distorcida. O resultado é sombrio e vale acompanhar os próximos passos de Voigt e Burger. Abaixo, o player da Kompakt.

Bernardo Oliveira

(crítica – disco) Siba – Avante (2012; s/g, Brasil)

2012-02-01T12:30:00.000-03:00

São muitas as virtudes que fazem o grande artista, e muitas são as perspectivas quando se trata de arte. Porém, pelo menos em nossa era, o grande artista é aquele que consegue, a partir de um material dado, dar à luz um recorte singular, seja referindo-se, seja desprendendo-se daquilo que lhe é legado. O debate acerca da possibilidade de emergência do “novo”, que se arrasta durante todo o século XX e invade o XXI sem pedir licença, resta carente de argumentos, pois não existe outra possibilidade para definir a criação humana que não se dê a partir de uma tensão entre o que já se passou e o que virá:

“Na descompressão do grito

De liberdade e revolta

Se abriram os portões pesados

Um touro bravo se solta

Quem parte berrando: avante!

Pode cair mas não voltar” (“Avante”)

Em Avante, Siba fornece mais argumentos para se inscrever com folga no rol dos artistas que conseguem parir o “novo”. Como no trabalho anterior, Toda vez que eu dou um passo o mundo sai do lugar (sem contar a parceria com Roberto Corrêa), o “cantautor” se destaca por obter conceitos e sonoridades próprios, sobretudo em relação ao substrato de suas canções, referente a gêneros nordestinos como a toada, o coco, o maracatu, o galope, entre outros. E o que é então esse “novo”? Ele se resume ao grito de “avante!” que batiza o álbum? Ou se refere à reabilitação dos gêneros abordados, prescritos aos guetos folcloristas? Trata-se portanto de uma motivação? De uma pesquisa? De uma inspiração sem maiores consequências? Reflexo de uma história pessoal? Todos os itens acima? A resposta vem sob a forma de poesia: o turbilhão dos acontecimentos pode ser representado pela imagem de um touro que se desprende, e a criação humana como esses indivíduos que partem berrando “avante!”, e que podem cair, mas não voltam…

Conceitualmente, seu trabalho se constitui a partir de dois movimentos, e isto se pode afirmar tanto de Avante, como dos discos anteriores. Primeiro, apropriar-se dos gêneros listados acima com naturalidade, tal como se trabalha com o rock, o samba e o reggae, compondo canções com temáticas variadas. Em segundo, experimentar na roupagem sonora, modificando-a conforme o conceito do álbum. Se no disco anterior, o grupo regional se mostrava adequado, desta vez Siba escalou Leo Gervázio, integrante da Fuloresta, na tuba, Samuel Fraga na bateria e Antônio Loureiro no vibrafone e teclados, além de tocar guitarra e viola. Produzido por pelo compositor, instrumentista e produtor Fernando Catatau (Cidadão Instigado), Avante se destaca pela inserção de vibrafone, tuba e guitarra nos arranjos, que resulta em uma sonoridade coesa, porém multifacetada. Tal combinação suscita nexos com a música pernambucana dos anos 70, o rock’n’roll dos 60, a jovem guarda, Cidadão Instigado e até mesmo hardcore (em "Canoa Furada"), mas guarda também a singularidade do diálogo instrumental, como se pode ouvir na sensacional combinação de guitarra distorcida e vibrafone na faixa-título, e na simbiose de afrobeat e maracatu na lírica de “Qasida”. Destaque para a vinheta “Mute/Um Verso Preso”, cuja textura demonstra as habilidades instrumentais de Siba, capaz de sintetizar rock’n’roll e viola nordestina nas guitarras – habilidade também perceptível nos pontuamentos "guitarrísticos" em “Avante”.

"Siba - Nos Balés da Tormenta" from DobleChapa on Vimeo.

Envolvendo essa dupla característica, a sensibilidade excepcional de poeta, capaz de exprimir humor e plasticidade em versos como os de “Canoa Furada” (“E a canoa velha deixou/Muita água minar/Eu nunca aprendi a nadar/Será que essa água é molhada ?”), melancolia, como em “Brisa” (“A brisa, por ser carinhosa, é quem mais tem castigado”), e delírio, como em “Preparando o Salto”:

“Não vejo nada que não tenha desabado

Nem mesmo entendo como estou de pé

Olhando um outro num espelho estilhaçado

Que reconheço mas não sei quem é”

O exercício original da métrica e da rima, muitas vezes organizadas em formato entrelaçado, como em “Qasida”, “Canto de Ciranda na Beira do Mar” e “Ariana”, reforça a temática cotidiana, reiterando a visão particular do autor. Constituída por imagens oníricas, que contraditoriamente se desprendem do caráter aparentemente coloquial dos versos, a poesia de Siba manifesta a consciência ao mesmo tempo trágica e ferina de poetas nordestinos como Jorge de Lima ou Patativa do Assaré. Mas aqui, o trágico não se configura como sinônimo de tragédia ou mau agouro, mas uma compreensão do infinito, para além do bem e do mal…

“Imagens são balões presos

Por um cordão que se tora

Porque poesia é presença

De um vulto que não demora

O canto espalha no vento

E o tempo desfaz na hora.”

… e que também opera na seara do nonsense, criando impagáveis gags visuais como em “A Bagaceira”:

“No fim da bagaceira

Minha vista escureceu

Se alguém souber meu nome

Diga pra mim quem sou eu

Vou dormir na calçada

Abraçado a um cachorro

Pra uma alma sebosa

Me levar carteira e gorro

E ainda se dá mal

Pois não tem um real

Pode acabar-se o mundo

Vou brincar meu carnaval”

À vontade entre a previsibilidade e a diferença, Avante confirma o talento de “cantautor”, apto a transfigurar o legado riquíssimo, deixado de lado pelas bandas “sudestinas”. Por fim, vale retomar a questão do primeiro parágrafo: o novo não é algo que irrompeu em tempos imemoriais para nunca mais voltar, mas, consequência inevitável, que surge no trabalho de alguns indivíduos que conseguem enxergar para além do horizonte de expectativa da grande maioria. Um desses indíviduos é Siba e Avante é mais um documento que atesta sua visão privilegiada.

Bernardo Oliveira

Ouça “Qasida” e “Avante”

(crítica - disco) Nuggets: Original Artyfacts from the First Psychedelic Era, 1965–1968 (1972 [1998]; Rhino Records; EUA)

2012-01-30T00:00:00.000-03:00

Em 1965, Alexey Leonov subiu ao espaço a bordo da Voskhod 2 e foi o primeiro homem a dar um rolê do lado de fora de uma nave espacial. Enquanto isso, na Terra, os Estados Unidos entravam oficialmente na Guerra do Vietnã, Malcom X era assassinado, os Beatles lançavam o filme Help!, Jimi Hendrix assinava contrato com uma gravadora e bandas como Pink Floyd, The Doors, Jefferson Airplane e The Velvet Underground iniciavam suas carreiras. Em uma época marcada por viagens espaciais, guerras, ditaduras militares, insatisfação política, ascenção de movimentos sociais, drogas e bandas de rock alcançando sucesso nas rádios, uma quantidade incalculável de bandas tocavam furiosamente em garagens, incomodando os vizinhos e muito distantes do grande público. A maioria delas não chegou a gravar nada, outras lançaram apenas um compacto de baixíssima tiragem que não emplacou e hoje é disputado a socos por colecionadores. Sem falar em um pequeno número de bandas que conseguiram assinar um contrato e lançar um ou dois LP's – caso de Electric Prunes, The Seeds, 13th Floor Elevators, The Sonics e outras que, mesmo lançando ótimos discos, não conseguiram alcançar um nível significativo de sucesso.

Entre 1965 e 1975, muitos compactos de garage punk, freakbeat e rock psicodélico foram lançados. Muitas bandas permanecem no mais completo anonimato, outras tiveram suas músicas incluídas em uma das centenas de coletâneas especializadas no estilo, resultado do trabalho árduo de pesquisadores e amantes desse período tão fascinante e obscuro da música. Pebbles, Rubble, Back From The Grave, só pra citar alguns exemplos. No meio de tantas séries e coletâneas, a que alcançou maior destaque foi a série Nuggets, que virou sinônimo de psicodelia garageira e apresentou a muitas pessoas o que havia de mais fino no estilo. Uma das maiores (senão a maior) coletânea da história do rock, foi um disco fundamental em festas nos anos 70 e uma influência inegável para as bandas punks que surgiram nessa década.

Nuggets: Original Artyfacts from the First Psychedelic Era, 1965–1968 foi lançado originalmente em 1972 e compilada por Jac Holzman (o chefão da Elektra Records) e Lenny Kaye, que posteriormente tocou guitarra na banda da Patti Smith. Originalmente lançada em LP duplo e contando com 27 faixas, anos depois foi relançada em um box de quatro CD's, totalizando 118 músicas. Através da Nuggets, muita gente (e eu me incluo nesse bonde) teve o seu primeiro contato com clássicos do lado-b do rock sessentista estadunidense. Vale destacar o Chocolate Watchband, Strawberry Alarm Clock, Shadows of Knight, The Sonics, The Turles, além dos já citados Electric Prunes, The Seeds e 13th Floor Elevators, bandas que, se hoje alcançaram o status de cult, devem muito à Nuggets. Sem falar em bandas ainda mais obscuras, como The Magic Mushrooms, The Lollipop Shope, The Rationals, The Barbarians, Rare Breed e Nazz, que também dão o ar da graça em Nuggets, uma peça fundamental para compreender o nascimento do punk e um ponto de partida para pesquisadores e curiosos sobre obscuridades do rock dos anos sessenta.

Thiago Miazzo

Ouça "Pushin' Too Hard", "It's-a-Happening", "Let's Talk About Girls", "Incense and Peppermints" e "Psycho"

Minicrônicas Discográficas #8

2012-01-27T08:57:00.000-03:00

Para surfar sobre as ondas das diversas culturas contemporâneas, convém acostumar-se ao paradoxo – afirmava o geógrafo baiano Milton Santos. Sob esse ponto de vista, não se pode negar o caráter mundial dos paradoxos do século XXI, pois além de compartilhados ampla e aceleradamente através da internet, indicam um futuro de conflitos culturais cada vez mais acirrados. A disputa pelo território, pelos recursos naturais, pela informação e pelas patentes constituirá o pano de fundo destes conflitos, trazendo ainda mais instabilidade para as relações internacionais. Algum pensador alemão teria dito: os grandes momentos da cultura são momentos de “grande corrupção”… O que virá pela frente? E o que a música tem a ver com isso?

Quando se afirma que a noção de propriedade intelectual se alterou com a internet, a tendência do debate é polarizar com os seguintes argumentos. De um lado, afirma-se plenamente a irreversibilidade das mudanças, mas esta visão se ressente da ausência de leis correlatas, e, sobretudo, de uma massa crítica independente, capaz de aprofundar e desenvolver as potencialidades da rede. De outro lado, reivindica-se a sobrevivência da indústria e o sustento do autor, contra a flexibilização da lei e as novas possibilidades comerciais. De um ponto de vista teórico, a questão incide sobre o âmbito legal, uns professando a mudança da lei, outros advogando em seu favor. Sim, e é mais do que necessário atender a esse aspecto. Mas não é à toa que os magistrados se reúnem em torno dos debates doutrinários, pois, como todos sabem, o mundo gira…

Se é crime violar a propriedade intelectual, teórica e historicamente este crime se sustenta sobre a noção de "casta social": aquele que detém a propriedade possui o direito e o privilégio da palavra, diferenciando-se nos debates sobre a "res publica”. Era assim na Grécia antiga, e também na América colonial. Porém, a hegemonia de uma determinada perspectiva do mundo se relativizou de forma dramática, e já não se sabe hoje se a letra fria do direito, com sua baixa aderência ao novo, é de fato apropriada para as questões que surgem com a velocidade da luz.

Mas o que salta aos olhos é o fato de que tanto Kim “Dotcom” Schmitz (fundador do Megaupload), como Julian Assange (fundador do Wikileaks), violaram, não a propriedade de outrem, se não que a mais injustificada grilagem, apropriação indébita de uma fortuna material, intelectual e política que não pertence a ninguém, a não ser aos indivíduos. Não pertence nem ao chamado “autor”, bode expiatório da grande indústria – como se não houvesse um abismo monumental entre o artista anônimo e a celebridade, cavado pela mesma indústria que reivindica cinicamente os dividendos de um “autor” abstrato e inexistente.

Se não pudermos mais compartilhar arquivos através dos sites de armazenamento, compartilharemos através do torrents. Se os torrents forem interceptados através de liminares internacionais, utilizaremos os P2Ps, e se eles por acaso saírem do ar, recorreremos aos emails ou mesmo às ruas, onde distribuiremos gratuitamente todo o patrimônio digital acumulado em uma década de compartilhamento. Esta não é uma declaração pessoal, nem um prognóstico, mas a afirmação de um estado de coisas. Pouco importa a paradoxal ofensiva cultural capitaneada por jornalistas anglo-saxões, que destilam seu conservadorismo camuflado através de teorias pretensamente sofisticadas, defensores de uma cultura audiófila que, sabe-se, não é a única. Extirpar o Megaupload da rede, gastar rios de dinheiro processando e prendendo seus fundadores – ao invés de investir em formas mais justas, inteligentes e eficazes de comércio – são atitudes previsíveis, espasmos agonizantes de um modelo que expirou, e cujo cadáver já começa a feder para além do tolerável…

"Livros, discos, vídeos à mancheia, e deixa que digam, que pensem, que falem": não seria esta a mais bela e generosa lição legada pela Tropicália?

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Esta semana, na FACT PT, escrevi sobre Six Cups os Rebel, novo álbum do produtor norueguês Lindstrøm, e sobre The Revenant Diary, registro criativo de Mark Van Hoen, produzido exclusivamente com equipamentos da década de 80. Pintaram faixas legais, como o remix do The Field para "Sweetie & Shag" do Battles, Azealia Banks (hmmm...) com produção de Machinedrum em "NEEDSUMLUV", Terror Danjah remixado brilhantemente por FaltyDL em "Zumpi Huntah", a instigante batucada digital de "F'Off", parceria do quarteto grime Wiley, Flowdan, Riko e Manga, a genial Georgia Anne Muldrow, produzida por Madlib em "Seeds" e o remix arretado de Markus Popp (aka Oval) para "Hello Mom", do Warren Suicide – Markus Popp que está com mais um disco daqueles na praça, OvalDNA. Escutei “bons Bandcamp” e planejo algumas Minicrônicas só com edições digitais. Destaco três deles: Löis Lancaster relançando 20busK, de 2004; Gabriel Guerra, guitarrista no Dorgas, com o single Finalzinho Chegando; e Idiom Wind Single, primeiro single do Zamutto, projeto de Nick Zamutto, metade do The Books, que planeja três lançamentos até março deste ano.

Bernardo Oliveira

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Jandek - Where do you go From Here? (2011; Corwood Industries; EUA)

Jandek é um dos personagens mais misteriosos da música contemporânea. Originário de Houston, Texas, lançou, de 1978 até o presente, mais de 60 álbuns tocando um blues pouco convencional e de difícil audição. Ao longo de sua carreira, Jandek não cedeu qualquer informação bibliográfica e concedeu apenas duas entrevistas por telefone. Em 2004, fez a sua primeira apresentação pública, um show em Glasgow com Richard Youngs e Alex Neilson como músicos de apoio. Where do you go From Here?, lançado em 2011, traz doze faixas cheias de improviso e referências jazz. Bateria, piano, harmônica, guitarras carregadas de overdrive e a pouca presença de vocais fazem do álbum um registro diferente em meio à sua extensa discografia. Gosto de sua faceta mais conhecida, mais voltada pro violão e voz, mas não deixo de admirar seu interesse em explorar novas técnicas, instrumentos e qualquer coisa que torne sua música ainda mais rica e desafiadora. Não é um disco do Jandek pra ouvir de sopetão, não recomendo pra quem não conhece um pouco de sua carreira. Se você ainda não o conhece, você vai fazer o seguinte: Ouça os álbuns Ready for The House (1978), Your Turn to Fall (1983) e o Not Hunting for Meaning (2009), nessa ordem. Terminado o curso intensivo, ouça Where do you go From Here? e tire suas próprias conclusões.

Charles Manson - Horsefly (2011; Parasitic Records; EUA)

Vamos deixar de lado o Charles Manson que conhecemos através da mídia e focarmos unicamente no artista. Desde a sua prisão em 1969, Manson produziu uma vasta discografia, ganhando fãs como Axl Rose (que regravou a música Look at Your Game, Girl no álbum de covers Spaghetti Incident) e Henry Rollins, que chegou a produzir um álbum do Manson nos anos 80 pra ser lançado pela SST Records (famosa gravadora estadunidense de hardcore/punk), devido à recusa do público e ameaças de morte, a SST cancelou o projeto e o disco nunca foi lançado. Oscilando entre o folk e o spoken word, Horseflytem dezesseis minutos de duração e foi gravada no interior de sua cela. É um registro intenso, sem cortes ou qualquer tipo de edição. Charles Manson e sua viola, just chillin'. A polêmica arte do compacto é de autoria de Zeena Schreck. A tiragem, óbvio, é limitadíssima: 100 cópias prensadas em vinil colorido, 900 cópias em vinil.

Ouça um trecho de Horsefly aqui.

Atari Teenage Riot - Is This Hyperreal? (2011; Digital Hardcore Recordings (DHR); Alemanha)

O ano de 2011 marcou a volta de uma das mais influentes e barulhentas bandas da Alemanha, o Atari Teenage Riot. Desde 1999, quando o grupo encerrou suas atividades, Alec Empire e Nic Endo seguiram com suas carreiras solo (que nunca atingiram o grau de popularidade ou a genialidade dos trabalhos do ATR), e retornam acompanhados por um novo integrante, chamado CX KiDTRONiK em Is This Hyperral?. Comparada aos discos anteriores, a faceta eletrônica da banda ganhou um ar mais coeso, sem tantos flertes com o punk e o noise. Não é um disco pra pisar nas paredes, como é o caso do 60 Second Wipe Out, mas se tratando de um álbum-revival (coisa que a história já nos mostrou que raramente dá certo), é um ótimo disco.

Ouça This is Hyperreal na íntegra.

Thiago Miazzo

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Van Dyke Parks – Arrangements Volume 1 (2011; Bananastan, EUA [Canadá])

Quando o assunto é pop music, a carreira de Van Dyke Parks é sinônimo de originalidade. Barroco, psicodélico, mirabolante são alguns dos adjetivos utilizados para definir seu trabalho. O desconhecido Song Cycle, lançado em 67, é um daqueles discos que soam completamente diferente de tudo o que veio antes e depois, e isso até hoje. Além de compositor, cantor e ator, produziu Joanna Newsom, Keith Moon, Ry Cooder, Frank Black, The Byrds, Harry Nilsson, entre outros. Como letrista, trabalhou com Brian Wilson em Smile, mas abandonou o projeto alegando estar cansado de explicar as letras para Mike Love… Lançado em setembro do ano passado pelo Bananastan, o selo que edita seus originais, a compilação Arrangements Volume 1, selecionada pelo próprio Parks, cobre o que ele mesmo chama de “minhas primeiras aventuras de estúdio nos anos 60”. Seu método de arranjo se constitui por uma combinação discreta (!) da politonalidade de Charles Ives com canções folk e, é claro, pop music. Arrangements Volume 1 apresenta trabalhos com George Washington Brown, Sal Valentino, Arlo Guthrie, Dino Martin, Bonnie Raitt, The Mojo Men, Ry Cooder, Lowell George, Little Feat e para si próprio, especialmente na lindíssima “Come To The Sunshine”, de 66.

Vários Artistas – Movimento de Roda de Curimbó (2012; FGC Produções, Brasil)

No universo dos batuqueiros e dos Bois do Pará, o carimbó cumpre um papel semelhante ao do samba: é o combustível sonoro, o som dionisíaco… Personagens como Mestre Faustino, Mestre Tuite e Mestre Julião são fundamentais, responsáveis pela condução da folia, que, por sua vez, pode ser comparada às Escolas de Samba. Propriedade do músico paraense Fábio Cavalcante, a FGC Produções, residente em Santarém, reúne um repositório considerável de gravações do carimbó de pau-e-corda, como se costuma dizer. Comandado pelo também paraense Chico Malta, o Movimento de Roda de Curimbó é um grupo de “pau-e-corda” da vila de Alter-do-chão, em Santarém, formado pelos músicos Chico Malta, Helder Catraca, Jackson Rêgo, “Seu” Camargo, Hermes e Osmarino Freitas. Com participações especiais de Pio Lobato e de músicos locais, o sexteto privilegia as canções através de arranjos econômicos, porém eficientes. Destaque para Índio cumaruara e “Carimbó na Roça”, faixas em que se ouve a voz peculiar de Osmarino Freitas.

Ouça e baixe o disco e o catálogo da FGC aqui.

Gonjasufi – MU.ZZ.LE (2012; Warp, EUA)

Conheci a voz de Gonjasufi através de sua participação na faixa "Testament", do álbum Los Angeles, de Flying Lotus, e confesso que fiquei estarrecido. Aquilo soava como se o timbre manhoso de Billie Holiday encontrasse a aspereza de Lee Perry, um timbre arenoso, áspero, bêbado... Dois anos depois, sai A Sufi And A Killer, seu primeiro álbum solo, que confirmou o talento do cantor, e revelou o compositor. Com seu parceiro Gaslamp Killer, co-produziu boa parte do disco, inclusive uma das melhores músicas daquele ano, Kowboyz&Indians, o que de mais interessante a Brainfeeder produzira em 2010. Agora, GS retorna com o letárgico MU.ZZ.LE, mini-álbum com dez faixas, sendo que seis delas produzidas pelo próprio artista. E o resultado prolona o interesse: altas cargas canábicas, sujeira lo-fi, delírio dub, alguma melancolia e um suingue pesado. Além das tinturas psicodélicas tipicamente angelenas – aquela tonalidade “aquática”…

Ouça "Nikels and Dimes".

Bernardo Oliveira

(crítica - disco) Satanique Samba Trio – Bad Trip Simulator #1 (2011; s/g, Brasil)

2012-01-26T07:02:00.000-03:00

Imagine-se entrando numa daquelas feiras que se espraiaram pelo Brasil a reboque do prolongado êxodo nordestino. Entre milhões de barracas cobertas de penduricalhos, carne seca, manteiga de garrafa, tapioca… Em meio a uma imensidão de vendedores, bebuns, comensais, bailarinos, dondocas, todos alegremente fundidos na mistura de todas as coisas e de todos os sons: baião, forró, brega, calipso, pagode, em alto e bom som, tudo ao mesmo tempo agora. Você prossegue em meio à algazarra, sem lenço e sem destino, numa emboscada de sensações. Lá pelas tantas, o andar trôpego, você esbarra com o John Zorn, acompanhado do Naked City. Diz ele que vai fazer um som com o Hermeto, ali, na próxima barraquinha…

Assim é a música do brasiliense Satanique Samba Trio: uma torrente de acontecimentos, sensações e percepções que buscam desesperadamente mobilizar a atenção do ouvinte. Atenção para o “desesperadamente”: apesar de emanar o calor da feira, trata-se de um trabalho orientado para a construção de um desequilíbrio programado, resultado do rigor das composições de Munha, arranjador, instrumentista e produtor. Assim, entre o EP Misantropicália (2004), Sangrou (2007) e Bad Trip Simulator #2 (2010) não há diferenças substanciais do ponto de vista do conceito, pois o que difere um disco do outro é a economia de inclusão dos gêneros, estilos e sonoridades com os quais o Satanique trabalha. Nesse sentido, pode-se dizer que a cruzada continua.

Bad Trip Simulator #1, terceiro álbum do grupo, é menos explícito que os primeiros, mas confirma o interesse do Satanique em volatilizar os clichês da música instrumental, particularmente aquela que se dedica aos gêneros nacionais. Jogando com seus limites timbrísticos e formais, vai por um caminho diferente de outros grupos instrumentais brasileiros da atualidade, como o São Paulo Underground, o Chinese Cookie Poets e o Burro Morto. Estes abraçam prontamente a influência do rock, do noise, do free-improv americano e inglês, enquanto o Satanique opera a partir do esfacelamento das células rítmicas do samba, dos ritmos regionais e da bossa-jazz. Sua música, portanto, vai de encontro amiúde com o legado da música brasileira instrumental, na intenção de desembaraçá-la dos clichês e armadilhas em que ela mesma se colocou.

Para tanto, o grupo aposta na descontinuidade das composições e arranjos, no excesso absurdo de convenções e, sobretudo, na experimentação com os timbres, obtida muitas vezes pela captação das partes incomuns dos intrumentos – nesse sentido, reparem principalmente na intrigante “We Have Obitum”. O caráter fragmentário da música se exprime na sucessão de variações em “SPLATTER GORE FINESSE”, nas texturas sinistras de “E.F.M-M in concert”, no suingue interrompido de “Afro-Sinistro”, nas cinco badtriptronics – troça com as frippertronics de Robert Fripp –, e na concentração do arranjo de “Banzo Bonanza”. Uma sucessão de faixas que, goste-se ou não, destoa de tudo o que se faz em música instrumental hoje no Brasil.

Desta vez, porém, uma tonalidade mais viva percorre todo o trabalho, devido à valorização de temas e melodia – como em “–” e na maior faixa do disco, “Diabolyn (original remix)”. Em outros momentos, o Satanique deixa transparecer uma frieza na execução e na articulação dos diversos temas – ideia com a qual não concordo propriamente, mas vá lá, estamos falando de instrumentistas virtuosos... Ora, nota-se claramente que a condução impassível das faixas justifica-se, pois opera em favor da “profissão de fé” do grupo: não permitir, nem sequer por um minuto, que o ouvinte se acomode diante da música.

Bernardo Oliveira

(artigo) Bauhaus: the dark side of Dub

2012-01-25T14:05:00.002-03:00

Prezados leitores: sabem o momento exato em que o reggae deixa de ser reggae , abandonando voz, melodia, sopros e outros instrumentos melódicos para concentrar-se tão somente na hipnose gerada pela sagrada aliança baixo/bateria, multiplicada ad infinitum em progressão geométrica por sucessivos e cumulativos efeitos de eco, que ricocheteiam uns contra os outros em tonitruante crush collision , reverberam sobre si mesmos e voltam a reproduzir-se indefinidamente em crescente atmosfera de desorientação sônica, gerando novas galàxias turbilhonantes de hipnose rítmica? Trata-se, senhoras e senhores, do dub, um conjunto de técnicas de produção desenvolvidas pelos jamaicanos Lee Scratch Perry e King Tubby a partir de meados da década de 70, e que desde então exerceram grande influência sobre o que há de mais ousado na música contemporânea.

E o que isso teria a ver com a célebre formação britânica atuante entre 1978 – 1983 (para não lembrarmos aqui – misericordiosamente, aliás – as tentativas de revival ocorridas em 1998 e 2008)? Muito mais do que a princípio se poderia pensar. Pois se é verdade que o Bauhaus foi a banda mais emblemática do chamado goth rock, com seu arsenal de guitarras dissonantes, vozes espectrais, baixo saturado e percussões tribais, Peter Murphy e seus asseclas (Daniel Ash / David J. / Kevin Haskins) criaram uma espécie de trajetória paralela, um teatro de sombras onde os pesadelos expressionistas e inflexões bowieanas de suas composições mais notórias se entrelaçam às pajelanças dub.

Na verdade, o interesse do Bauhaus pelas fantasmagorias de Lee Perry & Cia. vem desde o começo: já em seu single de estréia, “Bela Lugosi's Dead” (1979), que se tornaria a 'canção-assinatura' de todo o goth rock britânico, é evidente o entrechoque entre hipnoses percussivas avant funk, sinistras radiações ambient e alucinações dub. Tais elementos eram compartilhados com outros grupos do cenário britânico de então (Pop Group, Cabaret Voltaire, Foetus, Clock DVA, T.A.G.C., etc.), mas a abordagem de nossos amigos é decididamente singular: emanações sulfurosas de tribos africanas em mutação teutônica tocando covers de Can numa missa negra schizo jazz; tambores e sopros espectrais terçando vozes com found sounds alienígenas na floresta cibernética do apocalipse ambiental; África e Europa em transe eletromagnético, intercambiando idiomas secretos em multiformes rituais de hermetismo sônico. É mormente digna de nota a alternância entre dois paradigmas estilísticos: ritmos turbulentos e compassos fragmentários, de um lado; paisagens sonoras ominosas, atmosferas surreais e tramas circulares de ruídos aleatórios, de outro, ambos traduzindo à perfeição o cariz mais 'esotérico' e soturno do Bauhaus.

Assim sendo, em peças como “Terror Couple Kill Colonel”, “Satori”, “Earwax”, “Poison Pen”, “Departure”, “Party of the First Part”, “In Fear of Dub”, “Harry”, “1-2-3-4”, “Dave and Danny's Waspie Dub #2”, “Paranoia, Paranoia”, “Here's the Dub” e outras mais, originalmente espalhadas entre compactos e ep's da banda (e hoje compiladas em coletâneas ou encaixadas como bonus tracks nas reedições dos discos de carreira), o ouvinte é presenteado com um exercício de desconstrução sistemática e meticulosa dos fundamentos basilares do rock e do reggae via eletrônica minimal, terremotos percussivos e uma delirante orgia de found sounds / samples oriundos das mais diversas procedências. É o goth rock de fatura punk desdobrando-se em sabbath transpsicodélico de atmosferas obnubiladas através de nuvens eletrônicas de sinsemilla sônica...

Alfredo RR de Sousa

(crítica - disco) Mortuário - Necrofilia/Propaganda (2003 [2005]; n0-Age; Brasil)

2012-01-23T19:24:00.000-03:00

Influenciado pelo aspecto sombrio do IML de Niterói, livros de medicina legal e a velha escola do Industrial, o Mortuário alcançou o status de cult depois de ter uma de suas músicas inclusas na coletânea Nyrkki & Kyrpä II, do selo finlandês Filth and Violence. Quanto à possibilidade de um futuro lançamento, Lucas Pires descarta: "Deixa pra lá, não seria a mesma coisa, foi tudo muito intenso." Intensidade é uma boa palavra para descrever sua música. Lançado originalmente em 2003 em formato cassette e relançado em 2005 pelo net-label n0-age, Necrofilia/Propaganda é uma compilação de experimentos sonoros, ruídos e depoimentos chocantes retirados de programas de rádio e jornalismo policial, tudo processado e destruído com efeitos. Lucas Pires experimentou enterrar fitas cassete para obter um novo aspecto sonoro através da decomposição; em outras, fez intervenções com grampos ou imãs. Perdeu muitas delas, outras tiveram um resultado satisfatório e podem ser ouvidas ao longo do álbum.

Necrofilia/Propaganda é um registro persistente, lembrando as primeiras fitas do Atrax Morgue. Até onde eu sei, um dos primeiros registros do gênero death-industrial feito no Brasil. Em alguns momentos soa como uma única peça, um painel de referências para um album futuro ou a trilha sonora de um filme de terror, mais preocupado com o experimentalismo e com a construção de um ambiente sufocante, apreensivo e de pura maldade do que com a música em si.

A primeira música, "Vaginismo", consiste em um um único ruído gerado em um teclado, processado e reproduzido em forma de loop. "Primeiro Delírio" traz o audio de uma reportagem sobre Chico Picadinho (retirado diretamente de um VHS), processado com efeitos. "Domínio Sexual" foi gravada com um teclado Roland xp60 e com um Pro-Fex pro vocal. É a única música do álbum que possui uma letra, escrita em parceria com Mario Brandalise. "Psicopatia" traz um depoimento retirado de um programa de rádio, em que um homem narra sua trajetória de vida, do vício em drogas à religião. O Roland xp60 ganha um aspecto persistente em "Post-Mortem", já "Scum", segundo Lucas Pires, tem influência de Black Metal. Mesmo se tratando de uma brincadeira, o sintetizador lembra uma guitarra embolada à lá Hellhammer. Por cima do synth, o audio de um programa religioso manipulado com efeitos. A última música, "Esgorjae", na verdade é uma sobra de "Primeiro Delírio", manipulada diretamente em um walkman, que Lucas Pires garante que usa até hoje. Mesmo se tratando de um álbum de atmosfera angustiante e difícil audição, Necrofilia/Propaganda é um divisor de águas da música industrial brasileira e uma peça fundamental na história da música experimental carioca.

Ouça Necrofilia/Propaganda na íntegra acessando: http://www.archive.org/details/n0epcd1205

Thiago Miazzo

(artigo) György Ligeti – “Atmosphères” (1984 [1961]; Wergo, Alemanha)

2012-01-21T15:33:00.010-03:00

Portadora de sonoridades e procedimentos peculiares – à exemplo do método que o próprio compositor batizou como "micropolifonia" – "Atmosphères", de György Ligeti, uma de suas obras mais poderosas e influentes, completou meio século em 2011. Há três anos, publiquei no blog A Camarilha dos Quatro o texto abaixo, escrito com a intenção de traçar um mapeamento breve e conjectural da composição, tanto em relação à sua influência na música do século XXI – inclusive fora dos círculos "eruditos" – como também em relação a seu próprio contexto.

Bernardo Oliveira

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Em 1957, o romeno György Ligeti deixa sua terra natal por questões políticas, e, recém-chegado a Colônia, integra com Karlheinz Stockhausen o Studio de Música Eletrônica. A esta altura, sua obra começava a adquirir um corpo próprio, desvencilhando-se da contribuição fundamental de seus conterrâneos, os compositores Béla Bártok e Zoltan Kodály. Isso se percebe mais especificamente em “Apparitions” (1958-9), e nas obras eletrônicas “Artikulation” (1957) e “Glissandi” (1958), cujo aspecto juvenil denotava, entretanto, as mais amplas aspirações. Pois a direção que a obra e a vida de Ligeti tomavam era, de forma geral, a de uma emancipação total: da política de seu país, de sua formação e, sobretudo, das limitações da música contemporânea, presa aos métodos e instrumentos tradicionais. Em suma, uma libertação radical tanto do pensamento acerca da música, quanto da música enquanto estrutura de pensamento.

Anos mais tarde, em 1978, refletindo sobre as relações entre música e política no artigo “On music and politics”, Ligeti declarou que embora não fosse um “esteticista”, considerava que a música, assim como a matemática, não oprime, “não é nem democrática, nem anti-democrática”, não possui portanto uma orientação política e social prévia. Entretanto, existiria uma dimensão própria da música, simultaneamente distintiva e constitutiva, que definiria não somente suas estruturas lógicas, mas também uma materialidade extra-acústica e, por que não, extra-musical. Que estranha dicotomia! Por um lado, Ligeti afirma a “inocência” da música e da criação artística em detrimento de possíveis apropriações: apesar de “um quarteto de cordas de Mozart refletir uma situação social”, definitivamente não se confunde com ela. Por outro lado, ele reconhece, primeiramente com Marx, que as condições materiais e econômicas determinam em alguma escala a criação propriamente artística, e, depois, que o discurso sonoro encerra uma dimensão no pensamento. Haveria portanto relações entre a música e a situação social, entre a música e o pensamento, embora, contraditoriamente, uma fosse independente da outra. Existem nas considerações de Ligeti algumas questões que se conectam plenamente à constituição e ao resultado da peça “Atmosphères”, de 1961. Para ele, se é possível considerar as dimensões não-musicais da música, estas seriam o seu pensamento, sua lógica e suas representações gráficas. O som, por sua vez, depreende esta lógica, mas somente em uma abordagem indireta, analítica. Em segundo lugar, por mais que se possa dizer que a música exprime a época e o contexto, lhe é também indiferente, pois, como as grandes ações históricas, ressoa de forma desigual e, muitas vezes, independente. É o caso por exemplo, da apropriação que o próprio Ligeti realiza da música africana, sem se utilizar de sua sonoridade, mas do conceito de “movimento”, de simultaneidade entre simetria e assimetria, do caos como método. Emancipação e relação se imbricam nas considerações, mas também na música de Ligeti.

Assim, em “Atmosphères”, Ligeti não só reforça seu interesse na ampliação do espaço sonoro, como também leva a cabo uma dimensão da música que encontra sua expressão criativa também no pensamento e na estruturação propriamente dita. “Atmosphères” é uma peça para orquestra com 56 instrumentos, cada um tocando uma nota diferente, compondo séries sobreposta de clusters, reproduzindo uma sonoridade caótica e estranha aos ouvidos acostumados com a harmonia tradicional. Primeiramente concebida para ser uma peça eletrônica, “Atmosphères” é um dos primeiros exemplares do método batizado por Ligeti como micropolifonia, e aplicado posteriormente em “Volumina” (1961-2) e em peças para piano. Através dele, não só obteve, em um só movimento, uma emancipação muito específica da música em relação ao pensamento musical tradicional, mas também uma “reintegração” do som à sua expressão propriamente “orgânica”, liberta das amarras da instrumentação e da harmonia tradicional. Entendo que o movimento de Ligeti em direção à música eletrônica fora um primeiro passo na tentativa de ampliar o espaço sonoro para além dos atributos musicais clássicos, ritmo, melodia e harmonia. Para isso, destacou uma quarta característica, o timbre, sobre o qual a eletrônica poderia atuar de forma mais abrangente, devido à possibilidade de multiplicar os sons produzidos pelos instrumentos tradicionais. Se os três primeiros elementos podem ser considerados passíveis de uma representação gráfica, o timbre, sendo o único elemento especificamente sonoro, teria sua representação inviabilizada fora da experiência propriamente sensorial, auditiva. Sua materialidade, portanto, só poderia se apresentar na própria composição e execução. O efeito de massa sonora de “Atmosphères” tem por objetivo criar no espectador a sensação de um ataque sonoro, contínuo e em bloco, como forma de remetê-lo a uma sensação caótica de envolvimento e indistinção. Mas “Atmosphères”, apesar de ter nascido num contexto onde a música eletrônica realizaria intervenções na própria materialidade do som, foi composto para ser tocado pelos tais – a esta altura, entre aspas – “instrumentos tradicionais”.

Popularizada pelo filme 2001: Uma Odisséia no Espaço, “Atmosphères” foi, se não a primeira, a mais contundente peça na qual Ligeti trabalhou a questão da emancipação do som e da relação do discurso musical com seus atributos extra-musicais. Apelando à dimensão extática do “corpo”, mas ligando-o simultaneamente ao cérebro, “Atmosphères” produz um discurso que alça a música a uma outra exterioridade, não exatamente política no sentido institucional, mas a uma outra dimensão do político. Ao reproduzir uma indistinção radical entre ritmo, melodia e harmonia, o resultado sonoro de “Atmosphères”, na verdade, supera-os na intensa volatilidade do som e na própria experiência e transcorrência do tempo. É uma composição com um forte cunho filosófico, que não apela propriamente à “razão”, mas, no entanto, possui uma expressividade sonora altamente rebuscada, capaz de ocasionar momentos de perplexidade e reflexão. Em “Atmosphères”, som e música, assim como corpo e pensamento, são uma mesma matéria, constituem um mesmo problema. E talvez pudéssemos dizer que “Atmosphères” atordoa porque expõe sonoramente, dionisiacamente, esta indistinção. Seu conteúdo político reside na produção, em nós, de deslocamentos radicais no plano do pensamento e da percepção. Ligeti propõe, através da música, não uma adesão à política institucional, mas àquilo que Nietzsche chamava “grande política”: uma política da afirmação plena do corpo e do pensamento, uma “transvaloração de todos os valores”.

Por capitanear uma fragmentação do discurso musical; por considerar as máquinas como “parceiras” na expansão do espaço sonoro; por considerar uma dimensão musical simultaneamente extática e reflexiva; e, sobretudo, por escolher esse caminho privilegiando o timbre e as texturas, penso que Ligeti é hoje um dos compositores mais influentes do seculo XXI. Mesmo ao inserirmos sua contribuição no contexto da vanguarda moderna, o que nos levaria a considerar a relatividade desta “emancipação”, ainda assim temos que reconhecer que o engenho e a expressividade radical de sua obra permite que situemos “Atmosphères” entre as mais impressionantes e intrigantes composições do século XX, junto a “Metastaseis” de Xenakis e “4’ 33’’” de John Cage, entre outras.

Minicrônicas Discográficas #7

2012-01-20T13:10:00.002-03:00

Minicrônicas de São Sebastião, rápidas e rasteiras. Lembrando apenas que toda sexta-feira, às 21h, apresento o programa Mundo da Lua, junto com o DJ Marcelinho da Lua. Hoje teremos muito samba, drum’n’bass, dubstep, soukouss, funana, kuduro e mais. Na Rádio Rede Verão, 102.9 para o Rio. Visite a comunidade no Facebook para mais informações.

Bernardo Oliveira

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The Caretaker – Patience (After Sebald) (2012; History Always Favours The Winners, Reino Unido)

No ano passado, Leyland James Kirby nos deixou entre perdidos e maravilhados com pelo menos cinco lançamentos de alto nível. Foram quatro álbuns como Leyland Kirby, três da série Intrigue & Stuff e Eager to Tear Apart the Stars, e um como The Caretaker, An Empty Bliss Beyond This World. Embora anunciados também para 2011, ficaram para este ano o quatro volume de Intrigue e a trilha sonora composta para o filme de Grant Gee, sobre o escritor alemão WG Sebald. Mais regular e bem menos acidentado que a geografia sonora dos álbuns de 2011, Patience traz a melancolia habitual, que se insinua através de andamentos lentíssimos e melodias cativantes, como em “Increasingly Absorbed in his Own World”.

Ouça “Increasingly Absorbed in his Own World”

Machinedrum – SXLND EP (2012; LuckyMe, Reino Unido [EUA])

Travis Stewart, mais conhecido pelo projeto Machinedrum, surpreendeu o mundo ano passado com a polirritmia (sic) frenética de Room(s), síntese particular de drum’n’bass, UK Garage, juke. No finzinho do ano, através do Sepalcure, lançou um disco que dividiu opiniões, classificado pejorativamente como “dubstep easy listening”. O que viria depois desses dois momentos opostos? Pois Stewart retorna com SXLND EP, editado pelo selo escocês LuckyMe. Trata-se de cinco faixas compostas para o Many Faces EP, de 2010, mas que ficaram de fora, devidamente reconstruídas para compor o EP. O resultado é irregular, e sem sombra de dúvida, passa ao largo de Room(s) e do incrível remix de “Put Some Red on it”, para Spoek Mathambo. Vale, no entanto, por duas boas faixas, “Van Vogue” e “DDD”, ambas diferenciadas do ponto de vista dos timbres (reparar bumbos e caixas) e da forma de organizar as repetições.

Ouça trechos do EP.

Franco – Guitar Hero (2011; Cantos Music/Pias, França [Congo])

Falecido há mais de vinte anos, François Luambo Luanzo Makiadi, ou simplesmente Franco, permanece como um precioso mistério, guardado a sete chaves por uma infinidade de motivos. Não vale a pena enumerá-los por aqui (fiz alguns comentários em nossa comunidade no Facebook), mas vale lembrar que, por quarenta anos, foi um dos nomes fundamentais da música congolesa moderna. Enfim, o que importa aqui é anunciar essa compilação, lançada há dois meses pelo selo francês Cantos. Em nove faixas, Franco exibe sua combinação de soukouss congolês com o funk e a música latina, permeada por admiráveis arpejos de guitarra. No entanto, vale reiterar a nota escrita pelo crítico francês Bertrand Lavaine, segundo a qual a rematerização, neste caso, atenuou o ataque dos instrumentos, e reduziu algumas faixas a um quarto da duração original, como em Très Impoli, que tinha 16 minutos na versão original. Imperdoável, mas ainda assim vale uma audição.

Baixe a versão americana do álbum Très Impoli.

Bernardo Oliveira

Iceage - New Brigade (2011; Escho, Dinamarca)

A primeira vez que ouvi Iceage, não dei a mínima. A pouca idade dos integrantes e o fato de a Dinamarca (país de origem da banda) nunca ter sido um representante expressivo quando o assunto é punk/post-punk me deixaram ainda mais cismado. Em uma primeira (e desatenta) audição, o Iceage pode soar como quatro moleques pegando onda naquela coisa horrorosa que os críticos chamaram de post-punk revival, sem ter nada de novo a acrescentar. Ouvindo com atenção, percebe-se o quão rico é o leque de referências dessa molecada, passando pelo garage punk, o punk e o noise-rock. Falando desse jeito, o Iceage perde justamente o que tem de mais charmoso: simplicidade. New Brigade é um disco simples e, por isso, cativante. Com aproximadamente 25 minutos de duração, é um disco fácil de ouvir, espontâneo, rock de moleque. Guitarras sujonas, cozinha precisa e letras existenciais, retratando os conflitos da passagem para a vida adulta. Destaques: "White Rune", "New Brigade" e "Broken Bone".

Assista ao clipe de New Brigade.

Ous Mal & Bedroom Bear - Split Tape (2011; Full of Nothing, Finlândia/Rússia)

Uma lindeza de split tape. De um lado, o finado Ous Mal exibe um de seus últimos trabalhos. São sete faixas cheias de sintetizadores, loops e guitarras em uma gravação repleta de buracos e oscilações. Parece que a fita passou os últimos anos enterrada e teve sua qualidade comprometida. Um belíssimo projeto originário da Finlândia, confira a faixa "Kaupunkeja".

Do outro lado, o russo Bedroom Bear, que só lançou coisa linda no ano passado. Quando fiz a lista dos vinte melhores de 2011, pensei em incluir o Woodwind Songs e acabei deixando-o de lado. No fundo, acho que fiquei com vergonha do nome. Apesar do nome inocente, o drone apresentado é extremamente cru, flertando em alguns momentos com o noise, em outros com a psicodelia, mas sempre mantendo o aspecto lo-fi. Da barulhenta "Sun Glyph" até a viagem vertiginosa de "Down Curly The Sea", o Bedroom Bear pode assustar os ouvintes mais zen de drone e psychfolk. Tape limitada a 100 cópias.

Wind in Willows - Elephant Dreams (2011; Full of Nothing, Rússia)

Mais um projeto originário da Russia, mais um lançamento da Full of Nothing! Criado em 2011 por Anton Filatov, um estudante de física e astronomia que vive em uma floresta em Petrozavodsk, lançou três tapes (sendo duas split tapes) e um CD-R. Nada mal para um projeto com apenas um ano de existência, não é mesmo? Elephant Dreams traz duas (longas) músicas, "Sea of Tranquility" e a faixa-título, que mais parecem ter sido gravadas em um quarto com um tecladinho de brinquedo. Repleto de viagens psicodélicas, atmosfera aconchegante e melodias precisas, uma das mais belas surpresas do ano de 2011. Quero ouvir, no mínimo, mais quatro lançamentos em 2012.

Ouça "ElephantDreams"

Thiago Miazzo

(crítica - disco) Hadaka No Rallizes – Cradle Saloon '78 (2006 [1978]; Univive, Japão)

2012-01-19T12:35:00.000-03:00

Hadaka No Rallizes: the acid dawn of the Rising Sun – II

Uma das características mais assombrosas do Les Rallizes Dénudés é sua aparentemente infinita capacidade de retrabalhar um repertório que, se calhar, não vai além de 3 dezenas de composições ao longo quase 30 anos de carreira. Como se “Conjecturas de Poincaré” fossem, cada tema é um espaço tridimensional cujos contornos a um só tempo podem ser retraídos até um núcleo primordial e desdobrados em múltiplas formas, indo e vindo em blocos sonoros que não perdem a identidade mesmo quando submetidas às mais intensas curvaturas e tensões.

Assim sendo, por intermédio do modus operandi acima mencionado, Takashi Mizutani e sua lograram, pois, resumir / reciclar / sublimar / expandir toda o multitentacular universo das lides psicodélicas, levando à máxima perfeição um mister em que os filhos do Sol Nascente se revelam particularmente eficazes: o reprocessamento criativo de tradições culturais alienígenas. Destarte, Les Rallizes Dénudés poderia ser descrito como usina nuclear de sons, onde foram precipitados como combustíveis todo o krautrock de matriz psicodélica (Guru Guru, Ash Ra Tempel, Amon Düül II, Brainticket, Cosmic Jokers, etc.); ‘artefactos’ desarvorados da cena psych européia dos anos 60-70 (Le Stelle di Mario Schifano, Parson Sound, Älgarnas Trädgård, Alrune Rod, Povl Dissing, etc.); os titãs transatlânticos da psicodelia estadunidense (de nomes notórios como Blue Cheer e Jimi Hendrix a monstruosidades terminais como Father Yod, Anal Magic & Rev. Dwight Frizzell, Cromagnon, etc.); anomalias britânicas da estirpe de Hapshash & The Coloured Coat, Deviants, etc., entre outros. Considerada toda essa assombrosa plêiade de influências, tentem agora imaginar tudo isso levado às últimas conseqüências da desmesura sônica intergalática, em formulações que variam desde delicadas elegias de corte folk-psicoativo a descomunais maelstrons elétricos encharcados de avassaladoras microfonias guitarrísticas over the top, hipnose percussiva e vozes mal-assombradas ecoando no espaço sideral... can you dig it…?

A esse respeito, a audição de um álbum como Cradle Saloon ‘78 (que registra um concerto levado a cabo em Tóquio no dia 1 de dezembro de 1978) é uma experiência surpreendente até mesmo para os mais 'escolados' apreciadores da banda; “Night of the Assassins”, por exemplo, é desacelerada até se converter num oceano viscoso de microfonia terminal em compasso de bad trip de heroína; “Strong Out Deeper Than the Night”, por seu turno, ganha sobretons góticos, transformando-se n'algo muito mais soturno e inquietante que a versão 'tradicional' presente em Heavier Than a Death in the Family; “Blues”, em duas encarnações, acrescenta generosas doses de propulsão motorik à tempestade elétrica freeform de “Smokin' Cigarrete Blues”; o grande 'cavalo de batalha' da banda, “The Last One”, também em duas versões, cada qual com cerca de 40 minutos de duração, abandona as últimas paragens conhecidas para precipitar-se numa ignota e ominosa nebulosa de caos, um massacre ultra/mega/hiper/meta/transpsicodélico, descomunal, ciclópico e rigorosamente insano, trovejando ininterruptamente em full power flat out noise terror atack mode ON e submergindo o ouvinte num oceano magmático de distorção sônica oriundo do próprio Inferno. Trata-se, confrades, de ultraviolência sônico/sadomasoquista em aterrorizantes espasmos de crueldade e, em última instância, fascista... é, quiçá esta seja exatamente a metáfora mais adequada: caso Heinrich Himmler, Reinhard Heydrich, Karl Maria Wiligut e Julius Evola fossem fanáticos por rock’n’roll e viciados em heroína, “The Last One” decerto seria o grimório sonoro que urdiriam ao cabo de uma delirante jornada embalada por toneladas de brow sugar e sanguinolentos rituais neopaganistas.

Alfredo RR Sousa

(entrevista) Sobre a Máquina

2012-01-18T12:25:00.011-03:00

Já percebeu como a cidade é tão barulhenta que, mesmo ouvindo música com fones de ouvido, alguns sons conseguem chegar até nós? Sempre os mais irritantes: buzinas, freadas, o som do motor de um ônibus que passa zunindo a poucos metros de sua cabeça, aviões, marretas, britadeiras. Algumas vezes, o ruído externo combina perfeitamente com a música, gerando um ambiente ainda mais rico em possibilidades. Misturando a sonoridade hostil de uma metrópole com drone, industrial das antigas, dark ambient e uma boa dose de experimentalismo, o Sobre a Máquina (formado por Cadu Tenório, Emygdio Costa e Ricardo Gameiro) tem três discos lançados: Decompor em 2010, o elogiado Areia e o quase-novo ep Anomia, ambos de 2011.

Sábado (21) é um dia especial para a banda, que além de fazer o primeiro show fora de sua

cidade natal, também lançará um box com a trilogia completa. Nesse dia, o grupo se apresentará na Casa do Mancha junto com os parceiros do Chinese Cookie Poets e o saxofonista Alexander Zhemchuzhnikov. Em um bate-papo via Skype, Cadu e eu falamos sobre a trajetória da banda, os obstáculos, a influência da metrópole no processo de criação, performances ao vivo e a apresentação em São Paulo.

Thiago Miazzo

Ouça abaixo o EP Anomia lançado em dezembro, e o clipe homônimo com direção de Betina Monteiro.

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Não dá pra falar a respeito do Sobre a Máquina sem falar um pouco de seus projetos anteriores, né? Quando comparamos o Sobre a Máquina com as primeiras gravações do Ceticências, por exemplo, a diferença é monstruosa, seja na técnica ou na qualidade de gravação. Da gravação com microfone de pc até o home studio, como foi essa trajetória?

Então, foi um processo meio lento mas ao mesmo tempo natural. Eu não tinha posse de porra nenhuma, tinha um computador fudido e queria gravar as paradas lá pra 2004, e tinha que ser do jeito que dava. Aquela coisa que a gente herdou da cultura punk, do it yourself, e a gente gravava essas coisas, tanto eu quanto você, com microfone de PC. Uma galera na mesma época resolveu fazer a mesma coisa. Mas com o passar do tempo não dá vasão mais, a gente vai procurando meios de evoluir. Com o tempo comecei a me interessar um pouco mais em qualidade de som, timbragem. Isso ficou mais evidente quando eu conheci o Emygdio e o Ricardo e rolou essa idéia. A gente toca, trabalha no mesmo lugar, tem essa proximidade diária, por que a gente não junta a grana de todo mundo e monta um estudio? Maneiro, vamos fazer isso! Ai a gente começou a comprar as paradas, devagar assim, mês a mês, uma porcentagem do salário é pra isso. No espaço de um ano, a qualidade de gravação evoluiu pra caralho.

Quando você me mostrou as primeiras demos do que seria o Sobre a Máquina, eu lembro que era uma rasgação de seda fudida do Neubauten e outros nomes do early industrial. E foi uma surpresa ouvir o Decompor, e uma surpresa ainda maior quando chegamos ao Areia ou o Anomia. Fale um pouco a respeito desse processo, das demos até o Anomia.

Nas demos, comecei a experimentar as idéias das percussões, e no início a gente ainda captava com os microfones médios, não tão bons quanto os que a gente usa agora. Enfim, eu tava experimentando, nunca tinha feito isso, sei lá, gravar com um ventilador tentando não colocar o vento do ventilador na frente da parada, testar vários métodos de gravar as mesmas coisas, daí surgiram as demos. Eu gravava num shure meia-boca e botava os pedais de efeito, não sabia como fazer isso, foi na vibe de ir aprendendo gravando. No fim das gravações do Decompor a gente já tinha um condensador legal, um microfone bom, já tinha pego as manhas de colocar uma ambiência maneira e os efeitos certos pras sucatas.

Então o Decompor foi o disco do aprendizado, o disco que vocês começaram a gravar de um jeito e terminaram de outro?

Foi mais ou menos isso. A gente levou essa idéia de aprendizado pra banda. Esse processo da trilogia, enfim, foi um grande aprendizado. Tanto é que você nota a diferença de mixagem de um disco pro outro, sendo que os três discos foram todos gravados no espaço de pouco mais de um ano.

Certa vez, você se queixou dos problemas que o Sobre a Máquina enfrentava pra realizar apresentações ao vivo, especialmente pela dificuldade com a passagem de som, né. Quais são as principais dificuldades?

No Decompor, cada música tinha 30 canais ou mais, a gente tinha pensado: como a gente vai fazer isso ao vivo? O que a gente vai fazer? A gente vai tentar reproduzir idêntico – o que seria impossível – ou a gente vai adaptar tudo e criar uma experiência totalmente nova pro cara que ouviu o cd e pro cara que tá vendo o show ter outra experiência? E a gente decidiu tentar reproduzir de uma forma quase igual ao cd, ele seguiria a idéia do cd, então pra fazer isso a gente teria que fazer com programações extensivas da batida, de tudo, que faria com que a gente tivesse que tocar clicado, metronomicamente. Nesses 30 ou 40 canais, eles teriam que ser mixados na PA do show. Uma coisa sai um pouco de um lado, outra coisa do outro, e isso era uma dificuldade muito grande em questão da bateria se comportar diferente dos monitores do estúdio, do que se comportava na PA. Botaríamos uma guitarra com um Big Muff distorcido e isso cobriria a bateria. Esse tipo de problema. Junto disso teriam as percussões microfonadas, e tudo isso tem que aparecer no show. Nada poderia ficar sei lá, suprimido, porque senão ia ficar feio, se uma coisa ficasse alta demais ia foder tudo, essa era a grande dificuldade. Nos primeiros shows a gente cismou de tentar fazer perfeito porque, sei lá, eram os primeiros, e era bem complexo. Com o tempo a gente foi pegando a manha e percebendo que, pro ao vivo, era importante agregar mais gente. Tanto é que os primeiros shows a gente fez em trio mesmo.

Os caras do Inverness bodearam de usar programação ao vivo justamente por causa desse trampo todo. Antes eles trabalhavam muito com programação, mas o que acontece, é o que você tava falando do metrônomo, qualquer erro da banda fode tudo. O Sobre a Máquina pensa em abandonar as partes programadas, ou limitar ao máximo o uso?

Hoje em dia a gente tá limitando bem, pelo menos nos shows atuais. Esse show em São Paulo vai ser o primeiro que a gente vai tentar dividir a coisa, pelo menos um terço do show vai ser com programação e os outros dois terços não. Mas programação no sentido de que a parte eletrônica tá se resumindo mais à idéia de timbragem. A gente usa uma placa de som de 16 canais nos shows, nessa placa a gente liga tanto a guitarra do Emygdio, as vezes o baixo, os meus teclados e os microfones e dentro disso a gente coloca efeitos dos mais variados que a gente consegue moldar ao vivo no próprio computador. Agora, as baterias, que são o que complica mais pela questão existencial do metronomo, agora que a gente tá tocando com um baterista de verdade a gente deixou só pra algumas músicas, tipo Anomia. Anomia provavelmente a gente vai tocar com programação porque a gente não desenvolveu de fazer aquele clima com ela sem aquela bateria. Acho que se entrasse bateria orgânica na Anomia ia foder tudo, porque não ia ser tão seco. Essa a gente vai ter que tocar na programação. Já as outras vão ser tocadas de forma bem diferente.

Entendi. Agora falando um pouquinho sobre a tour em São Paulo. Essa tour já tá pra rolar faz muito tempo, né? Desde a época do Sertão Agrário tem a propósta de vir pra cá, ou em algum festival da Sinewave ou em outros festivais. Mas somente agora, em 2012, rolou de marcar uma data. Como foi a negociação com a Casa do Mancha?

Tem um cara, um dos produtores do início do Quint Avant, o Filipe Giraknob que toca no Supercordas e tal, se mudou pra São Paulo e foi trabalhar no Mancha. A negociação foi por um intermédio dele.

O primeiro disco, Decompor, assim como o próprio nome da banda, remete ao cotidiano em uma metrópole. Jornadas de trabalho, trânsito, insatisfação, barulho, ausência de perspectiva. Tudo que envolve o dia-a-dia de qualquer pessoa que mora em uma cidade como Rio de Janeiro ou São Paulo. Fale um pouquinho sobre o nome da banda, a proposta do Decompor, da trilogia em si, que parece que é muito ligada a questões como trabalho, cotidiano, até mesmo uma certa frustração.

Sim, tem tudo a ver com isso. No caso, a densidade do Decompor ela vem de um momento bem tenso que eu tava vivendo em relação à vida. O Sertão Agrário tinha acabado, não consegui passar no meu segundo vestibular, alguns outros ciclos da vida estavam bem desgastados, tive que arrumar outro emprego. Minhas influências sonoras naquela época já eram outra parada, (diferente) do que eu fazia musicalmente antes disso. E eu resolvi começar a gravar algumas coisas como desabafo. As idéias vinham na rotina, principalmente na rotina de ônibus. Eu passava bastante tempo dentro do ônibus naquela época, o verão que eu comecei a trabalhar foi um verão muito ensolarado, e eu ia pro trabalho com todo mundo indo pra praia, engarrafamento fudido, muito sol, muito calor, muito stress...

Que delicia!

É (risos), isso me inspirou bastante sim. A idéia de repetição. O próprio disco, se você parar pra reparar, começa como um mergulho. Os primeiros segundos são como se a gente tivesse mergulhando na letargia completa, e quando mergulha o disco é isso. É um monte de coisa sendo colocada pra fora, e eu resolvi pegar essa questão do limite do homem para com o seu meio, principalmente voltado pra repetição e pro trabalho. Tanto é que o disco é bem repetitivo. Muita gente não entendeu ele direito, né.

Agora, a trilogia, ou o ciclo, composto pelo Decompor, pelo Areia e pelo Anomia. Encerrou-se como vocês gostariam?

Então, ela não foi programada como trilogia. Como eu falei, o Decompor começou a ser formado naquele momento de crise existencial. Depois dessa tristeza do Decompor, acho que eu não conseguiria ir mais baixo do que eu fui. Então, o processo natural era subir, eu estava vivendo um momento melhor. Eu acho que a idéia do Areia foi a questão de olhar pela janela do ônibus, ver que tem coisas bonitas apesar dos pesares. Acho que por isso ele é um disco mais ensolarado como as pessoas dizem. Mas não é propositalmente ensolarado, não acho nem que ele deva ser considerado ensolarado, no sentido de que ele é bem pesado também e tem suas críticas. Até pelo lance da garça da capa. Ela nasceu por conta de uns córregos que eu passo a caminho do trabalho. Dentro daqueles lagos pretos cheios de lixo e dejetos que fedem pra caralho tem sempre umas garças imóveis.

Que loucura! Aqui em São Paulo são as capivaras que dão rolê nos córregos!

Aqui não rola capivara, são garças, cara, muitas garças! E elas são muito bonitas, eu não consigo conceber o porque delas estarem ali, imóveis, equilibradas numa pata só.

No meio do lodo e da bosta.

No meio do lodo e da bosta, e elas ali, branquinhas. E o Anomia também se fez necessário porque ainda faltavam alguns passos, faltava alguma coisa. Uma coisa entrando em conflito com a outra. E a ideia da criança brincando com os dois bichos, é meio que o que o homem acaba fazendo inconsequentemente com tudo, essa coisa deteriorante que a gente vê no dia-a-dia. Os córregos cheios, as obras fodendo cada vez mais o trânsito, poluição pra caralho que você mal consegue respirar e a gente tá lá, as engrenagens continuam. Terminou o ciclo de uma forma que todas as ideias que eu tive desde o início elas finalmente cessaram. Terminei o que eu queria dizer desde que eu gravei o Decompor. Tanto nos conceitos quanto sonoramente falando, o Anomia representa, sei lá, a face mais...(pausa)... É como se a estranheza do Decompor fosse diluindo na água, eu considero o Anomia como se fosse a pastilha de Redoxon completamente derretida, sacou? Não restou mais nada. A gente chegou, dentro do nosso som, dentro da nossa proposta, à parte mais harmoniosa que a gente poderia chegar. Tanto é que é o ápice do que eu considero "pop" em questão do Sobre a Máquina. E óbvio que a gente precisava fazer isso, porque eu preciso descer novamente no próximo disco. Então o Anomia foi um passo necessário, é a desculpa que a gente tem pra foder com tudo de novo.

E a recepção do Anomia? Como estão sendo as críticas? Quais são os planos? Pretende lançar em formato físico? Dá pra lançar num 7".

Seria maneiro, foda é que vinil é meio caro. Ainda não saquei a manha de prensar na gringa, não sei como a gente faria isso. Daí, a nossa parte em lançamento físico até agora foi toda em CD-R. A gente trampa uma arte física que fica muito boa, a gente gasta, de certa forma, uma graninha com isso mas eu considero muito importante. A gente fez uma versão do Areia bem bonitinha, foram 25 cópias no total, se eu não me engano, e todas elas foram entregues no show de lançamento do próprio Areia. Ficou lindo, mas era CD-R. Não tinha label, a gente queimou os CD's com as masters em qualidade wav foda. A mesma coisa vai rolar na tour em São Paulo. A gente tá fazendo boxes com a trilogia inteira. Dentro da parada vai ter um envelope pra cada disco, uma cartelinha com as infos de cada um, mas novamente vai ser CD-R (risos).

Cara, pra finalizar, fala um pouquinho sobre os projetos paralelos. Os projetos do Emygdio, do Gameiro, os seus projetos. Fala um pouquinho do que tá rolando, o que pessoal tá produzindo fora do Sobre a Máquina.

Então, o Gameiro tá tocando com o Cicero, né? Canções de Apartamento, disco do ano em todos os lugares (risos). O Cicero chamou ele pra fazer os noises que rolam dentro da música, ou seja, o Gameiro faz meio que uma intervenção Sobreamaquinista no som do Cicero. Ele tem a banda antiga dele que tá meio parada, o Duques, tem um power trio de Stoner Rock com a galera do Stereomob (Gabriel Feitosa e Lucas Alves), que é justamente a galera que vai tocar com a gente em São Paulo. O Emygdio tem um projeto chamado Fabrica, um projeto de música Brasileira mesmo. Ele é um músico muito bom, ele toca tudo praticamente. É um lance que, se rolar, vai rolar um barulhinho porque é um lance bem produzido, enfim, um projeto de música brasileira que tá gravando o disco agora. Tinha o Eremita né, um projeto dele que eu ia tocar também, uma coisa meio tristona, a gente tem alguns projetos juntos. E tem também um projeto que a gente tinha de fazer uma parada meio Chillwave, meio Soul, onde eu cantava em falsete. A gente chegou a gravar uma música dessa parada, mas a gente não mixou e não levou pra frente. Enfim, eu e o Emygdio, quando a gente se reune é uma música por noite. É isso, os projetos da galera. Os meus você já conhece, tenho com você o RAPE! e o Sempremaio, e aquele outro que eu tô projetando meio Power Electronics que é o Victim, e porra, tem uma parada solo que eu faço com vocal mela-cueca, já tem até uma música gravada e eu pretendo lançar um disco esse ano também. Fora que a gente também faz trilhas pra algumas paradas. Eu e o Emygdio queremos trabalhar com isso mesmo, já conseguimos dois trampos. Uma mini-série sobre skatistas, um comercial, no momento os projetos são esses.

(entrevista) Chinese Cookie Poets

2012-01-16T11:33:00.002-03:00

Foto: Ervo Perez

O trio carioca Chinese Cookie Poets lança hoje o single En La Mano Del Payaso, como prelúdio para Worm Love, primeiro álbum do grupo. Junto ao single (que você pode escutar no player abaixo), o CCP também disponibiliza o clipe hilário da faixa “En La Mano Del Payaso”. É motivo de júbilo para todos aqueles que admiram o noise-rock-nu-funk-free-improv-no-wave-out-choro-free-jazz-latin-punk-proto-samba com o qual o grupo vem angariando fãs não somente pelas bandas de cá. Além do Rio de Janeiro (capital e Região dos Lagos), São Paulo (capital e inteiror) e Vitória, o CCP fez 5 shows em 3 cidades do Chile. Nada mal para um grupo de música experimental, que iniciou os trabalhos a menos de dois anos em uma cidade inóspita para este tipo de atividade.

Formado por Renato Godoy (bateria), Felipe Zenícola (baixo) e Marcos Campello (guitarra), o Chinese Cookie Poets lançou dois trabalhos até o momento: o EP homônimo de 2010 e o bootleg Dragonfly Catchers and Yellow Dog. Porém, em 2012, o grupo promete pelo menos mais 3 lançamentos até o meio do ano, entre trabalhos de carreira e parcerias. Quem estiver interessado em conferir o som do grupo ao vivo, terá a oportunidade no próximo fim de semana, dia 21 de janeiro, quando o CCP se apresentará na Casa do Mancha, em São Paulo, ao lado de outra boa surpresa carioca de 2011, o Sobre a Máquina – em ambas as apresentações, a participação do saxofonista Alexander Zhemchuzhnikov. Abaixo, um bate papo virtual que tivemos com os integrantes do grupo.

Bernardo Oliveira

Ps.: Na próxima quarta-feira, Thiago Miazzo entrevista o Sobre a Máquina.

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Apesar de ter iniciado os trabalhos em 2010, o grupo apresenta um som maduro. Comecemos, então, pelo começo: como surgiu o Chinese Cookie Poets? O que vocês faziam antes de formar a banda?

Renato: Foi um processo de maturação bem natural e lento. Eu e Felipe tocamos desde o colégio, 1998. Tivemos dois projetos com uma direção puxada pro improviso, o Bossal (2000-2005) e o Muwei (2005-2009). O Felipe já conhecia o Marcos (que na época tocava no Fanfarra, depois no Farta Cecília) do estúdio de ensaio onde trabalhava e sempre esbarrávamos os três pelo Plano B na Lapa por volta de 2008. Após o fim do Muwei em 2009, eu e Felipe conversávamos sobre testar umas formações mais enxutas, duos, trios, abordando mais o free jazz, numa onda de fazer mais shows e praticar improvisação. Marcos e Felipe já esboçavam umas idéias, trocavam uns arquivos, marcavam umas sessões de improviso de baixo e guitarra (de onde surgiu “Flat Tire Bikes” do primeiro Ep).

Um dia bebendo uma cerva, Felipe me apresentou umas faixas com umas programações de bateria, pensando em fechar aquele material num EP. Na hora que ouvi gostei muito da proposta, mas achava que o resultado soava muito aquém do que seria se fosse alguém tocando mesmo. Foi quando propus de gravar umas baterias em cima, apenas pra registrar o EP sem intenção de formar uma banda. Em março de 2010 marcamos a sessão de gravação e aproveitamos pra registrar uns takes de improvisos. Os caras editaram tudo e me mandaram o material pronto. Ouvi o resultado, achei excelente e me toquei que precisava seguir com o projeto. Logo depois em julho surgiu a possibilidade de fazer um show na Audio Rebel (estúdio carioca) com o EKE (trio holandês de free jazz).

Foi quando o Felipe, depois de todo o processo de gravação/edição e já com as músicas prontas, me apresentou ao Marcos na véspera do primeiro ensaio pro show. Fizemos uns três ensaios e o show rolou. Aí a banda começou de fato, em agosto de 2010. O Ep mesmo só foi sair em dezembro.

As influências parecem evidentes: free jazz e demais sonoridades instáveis, de Sun Ra a Otomo Yoshihide. O que vocês costumam escutar hoje? E quais os artistas contemporâneos que mais influenciam o CCP?

Renato: Otomo é o cara, eu diria. Keiji haino e Tatsuya Yoshida, a cena de free europeia: Peter Brötzmann, Mats Gustafson, Zu, Moonchild do Zorn. A cena de Nova york anos 80 e 90, muito fértil, James Chance, Marc Ribot, DNA e Aggregates (trio do Arto Lindsay em 1995).

Felipe: Otomo é sem dúvida uma grande influência, assim como outros artistas japoneses como Boredoms, Melt Banana, Merzbow... Sobre nosso processo de edição/construção dos arranjos me influencio muito pela linguagem usada pelo duo Haino/Yoshida, mencionado pelo Renato. Fora isso John Zorn, free jazz em geral, Fantômas, Mr. Bungle, a cena No Wave... Também os trios Primus, Zu e Trans AM. “Baixisticamente” é impossível não impregnar o CCP com o som do Les Claypool, do Primus, faz parte da minha (de)formação como instrumentista.

Marcos: Frank Zappa e Alvin Lucier são grandes influências no que diz respeito à composição. Na guitarra, muito Derek Bailey, Marcelo Birck, Raphael Rabello, Brian May, John Russel, Fred Frith, Pepeu, João Bosco, Arto Lindsay. Atualmente tem o Hamilton de Holanda, Alex Macacek, Allan Holdsworth (não tão atual), Scott Henderson.

Como é o processo de composição do CCP? Quais as estratégias que vocês adotam no sentido de gerenciar os momentos de composicão e improviso?

Marcos: Temos dois processos principais de composição: a improvisação, de onde tiramos temas criados coletivamente, e a apresentação de idéias de cada um, que geralmente é feita através da produção de uma gravação tosca para indicar aos outros o caminho imaginado pelo autor.

O primeiro caso subdivide-se em duas frentes, sendo elas a gravação de sessões de improviso para posterior edição (onde surgem as músicas do disco), e a levação de som vendo o que sai, que também é gravada, mas de forma documental pra não perdermos o que acontecer de bom. No segundo caso, da música já imaginada por alguém, lapidamos até ficar decente pra ser tocada ao vivo ou lançada em disco – e geralmente a versão gravada é bem diferente da tocada em shows.

Respondendo a segunda parte da pergunta, nossa forma de conjugar composição/improvisação é mais empírica do que teórica; testamos partes improvisadas em meio a compostas e inserimos partes compostas entre improvisações. Outra situação é quando a música não tem um tema definido (o que geralmente significa que é mais textura sonora, ou então extremamente complexa para ser reproduzida literalmente). Nesse caso ou usamos a idéia geral da coisa como base pra improvisar ou então partimos para algo livre mesmo.

Foto: Mauro Castro

No Myspace está escrito: “Para os sedentos por comparações, CCP percorre diversos estilos compostos e hypados, como Noise-Rock, Nu-Funk, Free-Prov, No-Wave, Out-Choro, Free-Jazz, Latin-Punk, Proto-Samba...” Classificar o trabalho é realmente importante ou trata-se de uma ironia? Ainda existem “gêneros” hoje em dia?

Felipe: Em um primeiro momento sentimos a necessidade de “classificar” o som da banda no release, pois acabávamos de surgir e ainda apresentávamos uma sonoridade que soaria “estranha” para a grande parte das pessoas que ouvissem. Por isso sentíamos a necessidade de contextualizar nosso som dentro das nossas influências. Mas com certeza, fizemos isso intencionalmente de forma irônica, uma auto-zoação, pois nessa hora é muito fácil acabar com um discurso pedante, excessivamente intelectualizado. E eu pessoalmente vejo todo o “escracho” existente no CCP como uma forma de quebrar esse excesso de pedantismo que permeia o meio “experimental”.

Falem a respeito das gravações dos dois Eps. Foram retiradas integralmente das apresesentações? Vocês fazem algum tipo de pós-produção?

Renato: Nosso processo de gravação até agora tem sido um exercício interessante, pois trabalhamos muito na pós-produção, construímos e arranjamos muito na edição criativa dos improvisos, que gera resultados sempre improváveis, caminhos que não seguiríamos naturalmente. Depois do disco pronto, tem todo o trabalho de sentar e estudar o que foi criado mecanicamente. Por isso, no show, os arranjos ganham um sabor bem diferente, mais fluido pois usamos o espaço dentro das estruturas para executar tudo mais solto.

Mas tudo isso depende do conceito inicial que vamos seguir no disco, sempre estamos conversando sobre essas possibilidades se vamos gravar ao vivo, separado, editar, sobreposição, 4tracks… Até agora, em estúdio não gravamos nenhuma música composta previamente, todos os arranjos foram feitos durante a pós, processo que usamos pra fazer o primeiro Ep e o próximo álbum. Já o bootleg Dragonfly catchers and yellow dog (segundo Ep) é um show gravado na Audio Rebel na íntegra.

De qualquer forma, parece que há uma lacuna entre as gravações dos dois Eps e as apresentações ao vivo, pois percebe-se uma certa dificuldade para levar as nuances para o estúdio e vice-versa. Isto é previsto, ou vocês pretendem criar arranjos específicos para os próximos lançamentos?

Marcos: Na verdade o primeiro Ep foi feito em estúdio, sem sessões em que os três presentes, apenas takes em duplas e solos, com muita edição (onde surgiram os temas), num trabalho sem muita organicidade, mas com o objetivo justamente de criar algo minimamente orgânico – o que consideramos que foi atingido.

O segundo Ep foi o contrário, uma gravação tosca de um show nosso que ao ouvirmos achamos boa pela musicalidade. E nesse sentido ela mostra o fim do caminho de um dos nossos processos de composição, onde improvisamos/editamos em estúdio e depois aprendemos a tocar as músicas.

Com relação à diferença entre o show e os discos, na verdade às vezes temos dificuldade para levar as nuances da música editada para a situação de tempo real, pois o que está nos discos muitas vezes tem um suingue estranho, difícil de ser realizado ao vivo. Além disso, nos shows acontece muita coisa extra-musical que nos levar pra outros lugares aonde uma sessão em estúdio não tem chegar, assim como sessões também levam a lugares por onde os shows não passam.

E sobre essas duas novas faixas? Serão parte de um EP ou um álbum de formato convencional?

Felipe: Estamos lançando agora o single En la mano del payaso, como uma prévia do disco que lançaremos até final de fevereiro, Worm Love, pelo selo Sinewave. Esse será nosso primeiro álbum, com 10 faixas. Elas foram produzidas de forma similar ao primeiro EP: fizemos uma sessão de improviso no início de 2011 na Audio Rebel, e durante o processo de pós-produção fomos editando, montando os arranjos a partir do material bruto. Ficamos satisfeitos com o resultado, bem cru, visceral, e ao mesmo tempo heterogêneo.

Há duas principais diferenças em relação à produção do primeiro Ep: dessa vez a gravação foi feita com os três tocando juntos, e o processo de edição dos improvisos foi em geral mais radical que o do primeiro EP. Nesse álbum a edição é mais explícita, funcionando como um quarto instrumento mesmo. O disco ainda conta com uma participação especial em uma das faixas. Agora o desafio está sendo em “tirar”os arranjos do disco pra tocar ao vivo… Quem for no show em SP, na Casa do Mancha (no próximo dia 21 de janeiro) já vai ter uma amostra desse material.

Além do single, estamos lançando hoje nosso segundo clipe, da música En la mano del payaso: um clipe pop pra uma música pop, é nossa "Ana Júlia", digamos assim.

O som do Chinese é, evidentemente, direcionado para um público específico, interessado em experiências, noise, e demais sonoridades. Como vocês avaliam as condições atuais de produção, distribuição, consumo e fruição para quem pensa a música fora das grandes estratégias de mercado?

Renato: Acho que nunca rolou tanta liberdade pra produzir. Distribuição é um grande problema, poucos selos especializados, poucos blogs interessados. Acredito que quando o foco é a música, não o mercado e se tem tempo, naturalmente as coisas começam a funcionar. O público vai procurando, umas pessoas passam pra outras. Pessoalmente acho que a divulgação “boca a boca” sempre foi o melhor meio, onde os músicos e projetos se criam, na rua. Apostamos muito na cena experimental do Rio, excelentes músicos, linguagens distintas, público pequeno mas fiel, apesar de micro é única. Começou com o Fernando no PlanoB uns anos atrás (onde participamos com o Bossal e Muwei 2005, no primeiro festival de música experimental carioca, o Outro Rio). Atualmente vem ganhando tentáculos no Quintavant (um coletivo de músicos criado em 2011 que vem organizando shows e sessões de improviso na Audio Rebel). É muito importante a criação de uma cena, um local definido onde músicos e o público troquem ideias regularmente, se criem e registrem projetos. Não somente situações esporádicas de um show ou outro, uma vez por ano, como era um tempo atrás. Com uma cena forte, consequentemente os projetos amadurecem e surge o interesse dos blogs, selos daqui e de fora, estamos caminhando.

Felipe: No âmbito da música experimental, falando em Brasil, há ainda o desafio de consolidar novas estéticas para um público ainda desinformado. Acho que hoje é importante o artista sair do seu nicho, e tocar para públicos diversos. E junto com esse processo, a tríade artista – mídia – público precisa se auto-sustentar/alimentar. Quando tocamos fora do Rio, ocorre um fenômeno interessante. Em todo show, geralmente parte do público acha aquilo tudo sem muito sentido… Mas ao menos uma pessoa nos procura, entusiasmada, dizendo que nunca ouviu nada parecido com aquilo e que o som é “muito doido”! Por isso é importante que todos esses agentes atuem paralelamente, o artista divulgando o som, e a midia contextualizando aquele momento; nós não participamos de nenhum tipo de revolução musical, existem milhares de artistas, cenas pelo mundo afora nas quais nos espelhamos e é preciso que esse público interessado tome conhecimento do contexto no qual a banda atua. Tanto para poder usufruir de um imenso e interessante universo musical, já que há o interesse, quanto para, a partir disso, poder usufruir mais do que nós estamos fazendo, para além do “muito doido”. Mas para isso, acho que falta um diálogo maior os artistas e o público (maior circulação, viver a música na prática, como disse o Renato) e especialmente maior cobertura (embasada) das mídias alternativas, blogs, etc… Creio que assim teremos uma cena forte, concisa e de melhor qualidade também, porque a formação de um público informado e crítico influenciaria diretamente na produção artística.

Mesmo com todos os problemas e limitações, é evidente que há uma cena experimental se consolidando no Rio. Ela pode ser mínima, parcial, mas é maior que há 10 anos atrás. Claro que o Fernando e o Plano B tem importância fundamental nisso. Mas como vocês avaliam a emergência não só da Audio Rebel e do Quintavant como prepostos criativos, como também o surgimento de bandas e projetos dedicados à música experimental?

Marcos: Não sei se dá pra dizer que há mais atividade experimental hoje do que há dez anos atrás, mas talvez mais contato entre os vários tipos de experimentação, consolidando talvez o que você chama de “cena experimental”. Nesse sentido imagino que os espaços estejam também menos parciais, ortodoxos, podendo-se fazer projetos diferenciados, sem a necessidade de ser seguidor de uma estética específica.

Imagino a Rebel e o Quintavant como decorrências da atividade incessante do Plano B, uma expansão da proposta de apresentação de coisas sonoras quaisquer para um público interessado. E é interessante ver que ainda assim cada lugar tem suas especificidades, o que enriquece ainda mais a experiência de frequentá-los.

Finalmente, acho que muitos contatos são criados nestes lugares, muitos choques estéticos são vividos e muitas questões levantadas, e é isso que coloca o experimentalismo na roda, confrontando opiniões e gerando discussões, levando sempre ao contato com algo desconhecido ou ignorado. Daí surge um novo caminho, geralmente.

O que vocês curtem hoje na música brasileira?

Marcos: Eu ouço Teresa Cristina com grupo Semente, Hamilton de Holanda, João Bosco, Arismar do Espírito Santo, Chico César ...

Felipe: Do que há de novo, Domenico Lancelotti, Bixiga 70, Duplexx, Cidadão Instigado, Kassin, Negro Leo, Abayomy Afrobeat Orquestra, Ava Rocha…

Renato: Hoje em dia Rubinho Jacobina, Negro Leo, Cidadão Instigado, Kassin, Domenico, Ava Rocha, Rumpilezz Orquestra, Alberto Continentino (um dos discos mais clássicos que ouvi em muitos anos, deve sair esse ano), Stephane San Juan, Orquestra Contemporânea de Olinda também... Muita coisa boa acontecendo no Rio!

Fale um pouco a respeito do show do dia 21, na Casa do Mancha, em SP.

Felipe: Esse show vai ser foda! Há algum tempo estamos pra marcar um show com o Sobre a Máquina, que é uma banda bem interessante do Rio, dark/pop/ambient/post/drone! Nosso set será diferente dos últimos shows que fizemos. Voltamos a tocar músicas que havíamos parado de tocar, aproveitaremos a presença do grande saxofonista Russo/carioca Alexander Zhemchuzhnikov no show do SAM e faremos um improviso em algum momento. E, como falei antes, “tiramos” dois arranjos do Worm Love. Vai ser divertido. Levaremos cópias do single pra SP, em mini CD, pra quem quiser.

Depois do Worm Love, quais os próximos passos do CCP?

Marcos: Temos três discos que já estão gravados, em diferentes fases de produção, e pretendemos lançar todos no primeiro semestre de 2012. Os três são parcerias com músicos diferentes, cada um com uma direção bem peculiar. Uma das parcerias foi com o saxofonista argentino Sam Natch, inclusive divulgamos uma das faixas desse disco na ultima sexta-feira (13/01) no podcast do blog A Camarilha dos Quatro. Além disso, faremos uma turnê nacional com o trio instrumental suiço MIR no final de fevereiro/começo de março. Ainda temos um disco conceitualmente amarrado a ser gravado esperamos que em meados desse ano, e vamos tentar lançar até dezembro; e um outro acústico, mas esse ainda está no mundo das idéias. Apesar de tanto material, estamos mais preocupados agora em tocar, rodar por aí fazendo shows e conhecendo quem trabalha com sons mais experimentais, ou pelo menos instrumentais.

Minicrônicas Discográficas #6

2012-01-13T14:31:00.002-03:00

Ekundayo

Novos álbuns

Novos álbuns permanecem grandes acontecimentos, a despeito do descrédito galopante em relação à sobrevida deste formato no mundo pós-digital. Não se pode negar que sua estrutura linear e fechada, permite ao autor concentrar uma “estória”, ou até mesmo um conceito – o que pouco tem a ver com a ideia de “álbum conceitual”, às vezes aplicado a um trabalho narrativo, como as óperas-rock… Apesar do desprestígio, tem-se a nítida impressão de que através do “álbum” acessa-se o conteúdo mais fundamental da obra de um autor. Embora nem sempre corresponda à verdade, esse raciocínio me parece válido

Algumas das faixas mais interessantes do ano passado foram lançadas em Eps e 12”, como as duas edições de Waldgeschichten de Pole (resenhado nas Minicrônicas #3), e o primeiro volume da série de singles que Cameron Stallones (Sun Araw) e M. Geddes Gengras produziram na Jamaica, sob a alcunha Duppy Gun Productions (resenhado aqui). Isto se torna a cada dia mais natural, a saber: o formato não define necessariamente a proposta estética de um artista, mas pode acompanhar a multiplicação de intenções, dinâmica compatível com a mentalidade curiosa e estilhaçada dos artistas contemporâneos.

Stefan Betke

Ainda assim, os álbuns permanecem como uma possibilidade discursiva e expositiva apropriada para alguns trabalhos. Por exemplo, o multi-colaborativo Ekundayo (resenhado aqui), lançado final do ano passado, ou ainda a parceria entre Wilson Moreira e o grupo percussivo Baticun, resenhada no Matéria esta semana: bons exemplos de que a continuidade linear do álbum permite a alguns autores um espaço mais adequado para delinear suas “estórias”, percursos e até mesmo seu “pensamento musical”.

Ainda, as listas de 2011…

Estive à cata de listas genéricas ou periféricas e constatei com alguma tristeza que o samba não teve atenção nem da grande mídia, muito menos das mídias digitais, blogs, redes sociais, etc. Não tive acesso a nenhum recenseamento sequer que cobrisse o ano deste que é considerado o gênero brasileiro por excelência, oficial e oficiosamente. Falta, sem dúvida, interesse em escrever, pesquisar e agitar o chamado “mundo do samba” para além das casas da Lapa, da proliferação dos “crooners” e dos comerciais de fim de ano da Globo…

Por outro lado, recebi do meu amigo Marcelo Mac, que trabalha com a equipe da festa Eu Amo Baile Funk, uma listagem que vale a pena repassar aos leitores. Trata-se de uma seleção das 20 faixas e dos 20 artistas que marcaram o mundo funk carioca durante o ano passado. Solta o rap, DJ:

Dioguinho, Avassaladores

1. MC Roba Cena – “Parado na Esquina”

2. MC Carol e Parafuso – “Vou Largar de Barriga”

3. MC Carol – “Minha Vó Tá Maluca”

4. MC Madimbul – “Malemolência”

5. MC Duduzinho – “Nosso Segredinho”

6. MC Créu – “Movimento da Sentada”

7. MC G7 – “Ama Eu”

8. Os Havaianos – “Ta Chegando a Hora de Você Sentar”

9. Avassaladores – “Sou Foda”

10. Pocahontas e Roba Cena – “Casa das Primas vs. Casa dos Machos”

11. MC Luan – “Casa das Primas”

12. MC Martinho – “História Real”

13. MC Sabrina – “Tic Tac”

14. MC Cidinho – “Dinheiro é bom mas incomoda”

15. MC Pocahontas – “Eu Sento Rebolando”

16. MC Boom – “É o Treinamento do Bumbum”

17. Mulher Melão – “Você Quer?”

18. MC Brunninha – “Passar o Rodo”

19. Jamaica – “Eu Vou Pra Ousadia”

20. Sapão – “I Love Baile Funk”

DJ Cabide

E mais 20 DJs: DJ Grandmaster Raphael, DJ Sany PitBull, DJ Marlboro, DJ Anderson, DJ Cabide, DJ Marcinho, DJ Géllo, DJ Caçador, DJ Sandrinho, DJ Fabinho NeuroSampler, DJ Fú, DJ Glauber, DJ Mp4, DJ Fabinho Las Vegas, DJ Jf, DJ Phábyo Do Castelo.

Não custa lembrar que no início do ano passado, escrevi um texto sobre o mundo funk carioca 2011, para a FACT. Nesse link.

Por resenhar

2011 nos deixou alguns álbuns por resenhar, entre eles o Recanto de Gal Costa, Satanique Samba Trio e Eliane Radigue. Enquanto isso, 2012 corre solto com Siba e sua guitarra em Avante. Aprecio demais o trabalho do Siba, mas ainda não entrei na onda do disco. No entanto, duas faixas já se destacam não somente em relação ao disco, mas ao cenário inicial de 2012: a faixa-título, galope arretado, misturando guitarras distorcidas e vibrafones, e “Qasida”, que sintetiza prodigiosamente células rítmicas do maracatu e do afrobeat. As canções persistem na transliteração coloquial de gêneros pernambucanos considerados “folclóricos” ou cerimoniais, sem perder o humor e o punch. Ao lado da (re)volta delirante de Lindstrøm com Six Cups of Rebel e do ex-Seefeel, Mark Van Hoen, com The Revenant Diary, parece o lançamento mais interessante de 2012 – até o presente momento.

Bernardo Oliveira

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Geography of Hell – Sarajevo 1992 (2011; Lust Vessel, EUA)

Geography of Hell é um projeto que teve seu primeiro cassette lançado em 2008 pela Hospital Productions. Como a tape não trazia o nome ou qualquer informação a respeito do(s) integrante(s), muita gente pensou que se tratava de mais um projeto de Dominick Fernow. Até hoje ninguém sabe quem é o cara, mas não é o Don. Sarajevo 1992 é a terceira tape e foi lançada entre os meses de novembro e dezembro pelo selo Lust Vessel. Assim como as tapes anteriores (Dresden 1945, referente ao bombardeio de Dresden e Tchernobyl 1986, referente ao famoso acidente nuclear), Sarajevo 1992 é um álbum conceitual em torno do Cerco de Sarajevo que ocorreu durante a Guerra da Bósnia. Musicalmente, Sarajevo 1992 é um pouco diferente das tapes anteriores, fugindo daquele lance harsh noise/power electronics, mostrando um som mais focado no experimentalismo e no uso de sintetizadores e ruído ambiente, uma característica marcante nos projetos lançados pela Lust Vessel. Mesmo assim, não é um album fácil de ouvir, e arrisco dizer que é o mais indigesto dos três lançamentos do GOH. Sarajevo 1992 teve seu lançamento limitado a 100 cópias e veio com um booklet de 8 páginas xerocadas em formato A5. Eu não vi, mas dizem que é lindão. Poucos dias depois do lançamento, corri na página da Lust Vessel pra garantir a minha cópia, mas já havia esgotado. :~

Deep Magic – Lucid Thought (2011; Preservation, EUA)

Um dos milhares de motivos que me fizeram optar por não dirigir é a minha total ausência de foco. Sou um cara desligado, o tipo de cara que sente vontade de ouvir uma música e imediatamente desencana do trânsito e direciona toda a sua atenção para o sonzinho do carro, clicando furiosamente no forward em busca da tal música. Pelo bem dos pedestres, escolhi não dirigir. Lucid Thoughts é um disco que poucas pessoas podem ouvir dirigindo sem acabar enfiando o carro na traseira de um caminhão em algum farol vermelho. É aquele típico CD que você escuta quando não tem mais nenhum compromisso marcado e pode esticar o corpo e dizer: “Até amanhã, eu não vou esquentar a cabeça com absolutamente nada”. E então você relaxa e chega a esquecer em alguns momentos que a música está rolando. O Deep Magic faz um drone com pitadas de psych folk, vem da Califórnia e tem como único membro Alex Gray, que também toca no Sun Araw e já trabalhou com o Pocahaunted e com o Black Eagle Child.

Assista a um vídeo com o Deep Magic (Soundcloud)

Alberich – Psychology of Love (2011; Hospital Productions, EUA)

Kris Lapke trabalhou duro nos ultimos cinco anos, mas isso é uma coisa que pouca gente sabe. Apesar de ter lançado uma caralhada de tapes sob a alcunha Alberich, Kris parecia estar fadado aos bastidores, sendo mais conhecido por seu trabalho com produção e engenharia de som para nomes como Kevin Drumm e Dominick Fernow. Psychology of Love é muito mais do que um debut LP, é o trabalho que arrancou Kris Lapke de trás da cortina e o jogou debaixo do holofote. Nesse primeiro vinil, lançado pela Hospital Productions, o Alberich aposta em texturas eletrônicas e batidas pesadas. O resultado é um disco truculento com beats pouco musicais, mas que dão um norte para a música. Pra quem não está familiarizado com power electronics, Psychology of Love é um bom começo. Mais fácil de ouvir do que a maioria dos artistas do gênero, e ainda assim, distante do noise mais apurado dos artistas citados.

Ouça Alberich, “Umbala”

Thiago Miazzo

Haswell & Hecker – Kanal GENDYN (2011; eMego, Áustria [Alemanha, Reino Unido])

Estamos diante de artistas que demandam um interesse específico do ouvinte. Em suas respectivas carreiras individuais, o trabalho do inglês Russel Haswell e do alemão Florian Hecker investe em uma ampla pesquisa (estética, técnica, científica) acerca dos limites do som e dos dispositivos sonoros, mesmo que eventualmente essa pesquisa aluda à música de forma muito particular. Junto com Haswell, Hecker forma o Haswell & Hecker, que lançou dois álbuns, Blackest Ever Black (Electroacoustic UPIC Recordings), de 2007 e UPIC Warp Tracks’, de 2008, sem contar com releituras de Popol Vuh e Voice Crack. O presente trabalho demanda o mesmo preparo do ouvinte: trata-se da trilha-sonora para Kanal Video, peça audiovisual de 92, dirigido pelos artistas suíços Peter Fischli e David Weiss. Incorporando elementos dos procedimentos estocásticos de Iannis Xenakis, a dupla elaborou a trilha sonora em tempo real, o que resultou, como não poderia deixar de ser, em uma jornada desconcertante pelos meandros inegociáveis do noise.

Ouça Haswell & Hecker, Diffusion Session #20

Mombu – Mombu (2011; Subsound Records, Itália)

Manipulação astuta dos estalidos de vinil servindo de base para a voz de uma mulher, que balbucia palavras em italiano: “Intro 253”, a composição inicial, intriga. Mas o que é Mombu? Trata-se de uma dupla formada pelo saxofonista Luca Mai, do trio free italiano ZU, e pelo baterista do Neo, Antonio Zitarelli, que já tocou com Otomo Yoshihide, entre outros. A música já foi classificada sob uma infinidade rótulo, que vão dos convencionais free jazz e free form, até neologismos como “afrogrindcore”. No entanto, o que se escuta aqui é uma profusão de temas e convenções, costurados vigorosamente por ritmos africanos (em “Regla de Ocha”), faixas polirrítmicas (a tendência do álbum, especialmente em “Stutterer Ancestor”), funk (“Orichas”) e até metal (em “Mombu Storm” e “The Harpoon's Ritual”). Para quem espera a habitual adstringência do Zu, vale notar que muitos momentos deste disco transparecem versatilidade, por vezes de forma mais acessível… O que evidentemente não significa que a dupla facilite as coisas para o ouvinte.

Ouça Mombu, “Orichas”

Venetian Snares – Affectionate (2012; s/g, Canadá)

Apesar do nome, Aaron Funk toca tudo quanto é instrumento, manipula todo tipo de aparelhagem eletrônica, transita por todos os gêneros da mesma eletrônica, principalmente aqueles nascidos na curva dos 90 para a década de dez. Esteve de alguma forma ligado à IDM, essa sigla estúpida que, em outras palavras, significa: “artista que experimenta com apetrechos eletrônicos para além das pistas de dança”. Também se envolveu com o drum’and’bass e suas ramificações imprevisíveis como o breakcore e o drill’n’bass. Contemporâneo de Matt Elliott e Richad D. James, Funk é um colaborador assíduo do selo de Mike Paradinas, Planet Mu, para o qual produziu o inacreditável Cubist Reggae em 2011. Este ano, lançou Affectionate, mais uma preciosa contribuição para o legado da indeterminação sonora do século XXI. Indeterminação que ocasiona, antes de mais nada, desorientação e deleite. “Chordate”, por exemplo, conduz o ouvinte por uma planície sonora regular, que revolve aos poucos, desprendendo-se em milhares de bleeps, alguns glitches discretos, e uma estrutura percussiva até mesmo nos aspectos melódicos.

Ouça Venetian Snares, “Chordate”

Bernardo Oliveira

(crítica - disco) Wilson Moreira + Baticun (1991-2011) (2011; Musicazes, Brasil)

2012-01-11T05:15:00.000-03:00

Este talvez seja o álbum mais injustiçado nas famigeradas listas de fim de ano. Trata-se do encontro entre Wilson Moreira e o grupo percussivo Baticun, formado por Beto Cazes, Carlos Negreiros, Jovi Joviniano e Marcos Suzano. Sem dúvida, um dos maiores compositores da segunda metade do século XX no Brasil, Wilson Moreira é autor de sucessos como “Goiabada Cascão”, “Gostoso Veneno”, “Senhora Liberdade”, “Judia de Mim” e “Quintal do Céu”, as últimas duas gravadas por Zeca Pagodinho. Acompanhado pelo Baticun, registrou, entre os anos de 1988 e 1991, vozes e bases com a intenção de pleitear o auxílio do produtor e fotógrafo japonês Katsunori Tanaka – que também produziu Nelson Sargento, Velha Guarda da Portela e o próprio Moreira. O projeto não foi adiante e só agora, vinte anos depois, foi editado pelo selo de Cazes, acrescido de violão, cavaquinho, sopros, percussões e coral.

O resultado? Bem, posso afirmar, de saída, que contrasta radicalmente com tudo o que se faz hoje em termos de samba no Brasil. Vale notar como é significativo o fato de que esse contraste seja derivado da personalidade de Wilson Moreira, 75 anos, grande compositor e “solucionador cultural” carioca, que ao lado de Nei Lopes, compôs uma das parcerias mais prolíficas de toda a história do samba carioca. Conservou, porém, sua independência estilística, destilada através de pérolas como Okolofé, Peso na Balança, Entidades, ou nas que participou com o Partido em 5, de Antônio Candeia. Tradição e ousadia sempre caracterizaram seu trabalho.

Que os grandes órgãos de imprensa insistam inexplicavelmente em não lhe prestar a devida atenção, e que ele nunca habite a lista dos “cem mais da música brasileira”, apenas comprova a profunda importância de sua obra. A seu lado, outros grandes compositores como Luiz Carlos da Vila e Beto Sem Braço permaneceram a meio palmo de uma divulgação justa, evidenciando que a questão não passava somente por critérios estéticos… E, no entanto, se tornou habitual considerar a música desses autores sob o guarda-chuva do “samba de raiz”, ou samba “tradicional”. Mas a julgar exclusivamente pela música que emana desta colaboração, nada leva a crer que se pretendam ligados a uma “tradição” pétrea, ou a uma identidade musical limitada a certos procedimentos, timbragens, tipos de composição etc.. Pelo contrário, Wilson Moreira + Baticun evidencia uma tensão constante entre o legado e o futuro, entre o que já é sabido e adquirido e aquilo que é fruto de inesperados lampejos criativos.

Assim, a faixa de abertura, “Abrindo os Trabalhos”, ouvimos um “aguerê” – ritmo de oxóssi, oriundo do candomblé – com percussões pesadas e um baixo grave que, num primeiro momento confundi com Massive Attack. À moda de um mestre de cerimônias, Moreira dá as boas-vindas ao ouvinte, e com seu sorriso característico, brinca com a própria ousadia: “hiiiii, agora tá gostando né? Pode sambar, pode sambar, isso…” Na sequência, “Questão de Identidade”, demonstra como um eventual alistamento ideológico não restringe a criatividade de seus agentes. Trata-se de um jongo de refrão em versos brancos (i. é, sem rimas), cuja instrumentação se constitui apenas por instrumentos de percussão: duas práticas incomuns no samba carioca.

“Só você não entendeu

A história está aí

Seu problema é pessoal

Que não assume onde nasceu”

É lícito considerar que tanto o significado do verso, como o título da canção, apontam para uma perspectiva abstrata acerca do conceito famigerado de “identidade nacional”. Porém, há uma farta literatura sobre o tema, e longas batalhas ideológicas ainda serão travadas a esse respeito – as inclinações didáticas do “cepecismo” não morreram, assim como o deslumbre diante da "diversidade"... Porém, considero uma hipótese discreta, mas válida: de que o mero soar da música incrível presente nesta colaboração possa trazer, com suas ondas invisíveis, mais do que questões, polêmicas e explicações sócio-científicas, mas uma resposta consistente e efetiva em forma de música. Música rica, jovial e festiva.

Um capítulo à parte são os arranjos e a instrumentação compostas pelo Baticun, que, primeiramente, foge à timbragem comuns às concepções padronizadas que marcaram o gênero nesses últimos vinte anos. Em comparação com este trabalho, o samba gravado hoje no Brasil abdicou da pesquisa de timbres. Reparem nas sonoridades pouco usuais em “No Talho da Madeira” ou no bravun “Negro Doce Amor”, atravessado por ataques de guizos e derbak. E mesmo em sambas como “Terreiro Grande”, percebe-se não só a inclusão de instrumentos pouco utilizados, como também empregados de modo atípico. Tal orientação transfigura o clima malemolente de algumas das canções de Moreira, conferindo-lhes um balanço forte e vibrante, reforçado pela jovialidade de sua voz, captada em um momento de grande vigor criativo. Um momento particularmente emocionante do disco é a entrada do deslumbrante naipe de sopros em “Ôloan”, arranjados por Henrique Cazes.

As letras de Moreira percorrem miríades urbanas, suburbanas e rurais, como na parceria com Nei Lopes, “Mulata do Balaio” ou no jongo/reggae “No Arrebol”; antigos hábitos e costumes, como na descrição extemporânea, quase poética, do trabalho madeireiro em “No Talho da Madeira”; a religiosidade afrobrasileira, em “Ôloan” e na corimba “Nanã”. Além de um domínio impressionante dos ritmos afrobrasileiros, que o permite explorar uma ampla variedade de inflexões poéticas e musicais, Moreira é artesão de canções, que sempre revela palavras e ritmos invulgares, para não dizer inusitados. A combinação deste talento com a ousadia dos arranjos do Baticun, portanto, é absolutamente bem-sucedida, uma surpresa em todos os sentidos. Que este projeto tenha ficado tanto tempo engavetado só confirma o que se suspeita desde a primeira audição: de que se trata de um trabalho adiante do seu tempo.

Bernardo Oliveira

Ouça "Abrindo os Trabalhos"

(crítica - disco) Hadaka No Rallizes – ’77 Live (1991 [1977], Rivista Inc., Japão)

2012-01-10T14:26:00.004-03:00

Hadaka No Rallizes: the acid dawn of the Rising Sun – I

A garage hermétique transpsicodélica do arquipélago do Sol Nascente é uma cornucópia aparentemente infindável de deleite e perplexidade para os cultores do psych rock em seu estágio mais extremo e esmerilhante de desorientação sônica. Formações tais como Fushitsusha, Taj Mahal Travellers, Flower Travellin’ Band, High Rise, AMT, Musica Transonic, Mainliner, Boris, etc. são sublimes exercícios de puro delírio sem quaisquer concessões e recuos, explorando com máxima audácia todos os desvãos da psicodelia, da plácida hipnose dos devaneios de folk psicoativo até colossais maremotos elétricos transbordantes de white noise e brutalismo percussivo. E na raiz de todo este estraçalhamento psíquico de garagem, influenciando de forma decisiva a siderurgia sonora japonesa ulterior, está a mitológica banda que iremos abordar numa trinca de resenhas: Hadaka No Rallizes/Les Rallizes Dénudés.

Como todo lost classic que se preza, não seria possível falar em HNR sem referir sua acidentada trajetória. Pois muito bem: a banda formou-se em novembro de 1967 na Universidade de Kioto, tendo como eixo criativo e existencial precípuo a críptica e mefistofélica figura de Takashi Mizutani, um misantropo nosferatu neogótico envolto em eterno couro preto e óculos escuros impenetráveis. Entre 1968-69 o grupo tocou bastante ao vivo, mormente em festivais universitários, happenings políticos e também em parceria com uma trupe local de teatro avant garde, tornando-se conhecido pelos teores excruciantemente altos de microfonia e distorção de suas maciças jams psicosônicas. Desde o começo Mizutani e sua gang estavam intimamente ligados à esquerda revolucionária japonesa, tendo participado de numerosas demonstrações estudantis contra a Guerra do Vietnã e da ocupação da Univ. de Kioto em 1969, em protesto contra a presença militar imperialista dos EUA no arquipélago japonês. Em 1970, um dos integrantes da formação original, o baixista Moriyasu Wakabayashi, seria preso em virtude de sua participação no chamado ‘incidente Yodo-Go’, quando membros do movimento guerrilheiro Sekigun (Exército Vermelho Japonês) seqüestraram um avião comercial e o desviaram para a Coréia Popular. Mizutani também estava envolvido com o Sekigun, de modo que os concertos de seu grupo em larga medida logo se tornariam eventos clandestinos; conta-se que num deles, por exemplo, a banda tocou numa escola secundária, distribuindo para a platéia de estudantes cópias mimeografadas de textos de Hegel, Lenin, Che Guevara, Cervantes, Nietzsche e Ed Sanders.

Malgrado o Hadaka No Rallizes tenha continuado a apresentar-se com regularidade no decorrer das décadas de 70 e 80, nenhum registro fonográfico seria lançado neste longo período, e as sessões de gravação em estúdio tampouco foram algo freqüente na rotina do grupo. Em 1991, quando quase ninguém mais sequer lembrava de sua existência, o grupo, numa inesperada reviravolta, criou um selo (Sixe) e lançou 3 álbuns simultaneamente: '67-'69 Studio and Live, Mizutani – Les Rallizes Dénudés e '77 Live, todos em limitadíssimas edições que logo se tornariam raridade e passariam a ser disputadas a tapas e preços exorbitantes por legiões de ansiosos arquivistas do underground. A banda voltaria à obscuridade após este surpreendente surto de atividade, encerrando definitivamente suas atividades em 1996.

Dos três álbuns oficiais lançados em 91 (pois há toneladas de bootlegs em vinil, CD e CD-R, sobretudo nos últimos cinco anos), '77 Live é indubitavelmente o melhor, apresentando o HNR em seu habitat natural, o palco, quando a banda escancarava as portas de percepção em tonitruantes workouts de noise rock demencial, com patente destaque para o gerador hellraiser de alucinações psicodélicas seriais em que Mizutani converte sua guitarra elétrica, em fascinante contraste com o tom old fashion e alicerçado nas tradições de rock singing de seus vocais; e se nas gravações de estúdio os camaradas costumavam praticar um acid / psych rock relativamente ‘estruturado’, ao vivo a coisa realmente muda de figura, e como...! Imaginai, pois, um Velvet Underground marciano com transtorno de personalidade borderline, integrado por pinheads viciados em benzedrina e munidos de instrumentos de enésima categoria, tocando uma interminável “Sister Ray” dentro de um pântano radioativo, com o som saindo por uma vitrolinha mono defeituosa mas amplificada por 1000 PA’s, e tereis uma vaga idéia do que vós encontrareis pela frente neste álbum...

Alfredo RR Sousa

Ouça "Enter the Mirror"

(crítica - disco) White Ring - Black Earth That Made Me (2010; Disaro Records; EUA)

2012-01-09T14:36:00.001-03:00

White Ring é um duo formado no Brooklin por Kendra Malia e Bryan Kurkimilis e um dos projetos mais legais de todo esse rolê Drag/Witch House. Pra quem ainda não está familiarizado com o termo, vamos lá: pense em BPM's rastejantes, sintetizadores gelados com uma forte inspiração na cena post-punk dos anos 80, aquele vocal borrado do shoegaze e aura lo-fi. Resumindo, música eletrônica encardida. Em 2010, a dupla lançou Black Earth That Made Me, pela Disaro Records, em formato 12”.

“I xC 999” parece um rap feito por alguém que passou a vida inteira ouvindo darkwave. O resultado é um instrumental downtempo, um synth sujão e uma batida minimal que dão base pro vocal cheio de suíngue mórbido. No refrão rola o som de tiros, tipo “Thug Luv”, do Bone Thugs-N-Harmony. Em “King”, o duo faz uso de batidas pesadas, sintetizadores derretidos e ambientação carregada nos vocais. “Hands 2 Hold U Down” tem um jeito pop e uma sonoridade hipnótica, com uma linha de baixo obesa e uma batida sagaz. Algo parecido com ouvir uma coletânea dos anos 80 inalando um pano com clorofórmio ou os efeitos iniciais de um "boa noite cinderela" jogado discretamente em seu copo numa balada.

“Roses” é uma das músicas mais acessíveis do álbum, mas apesar de ser dançante, conserva o aspecto narcótico e sinistro das faixas anteriores. “Faded” traz doses cavalares de ruídos e até mesmo um certo groove, mantendo a proposta do álbum. Mas a cereja do bolo é “We Rot”, com um vocal de baixa frequência, alternando entre sussurros e guturais. Se essa música fosse utilizada em um filme de terror, com certeza seria em uma cena ao estilo "garota esfaqueada no interior de uma casa noturna". Transitando entre um darkwave vindo das profundezas do inferno e a música pop de velocidade reduzida em algum programa tosco de edição de áudio, o White Ring apresenta em Black Earth That Made Me um disco delicioso, bem mais interessante do que o trabalho dos seus colegas hypados do Salem.

Thiago Miazzo

Ouça “We Rot”

Minicrônicas Discográficas #5

2012-01-06T06:26:00.003-03:00

The Rita / Bone Awl (2006; Klaxon Records; Canadá/EUA]

Lembra daquelas séries de televisão japonesas estreladas por super-heróis? Invariavelmente, eles enfrentavam monstros gigantescos em lutas que botavam Tóquio abaixo. O encontro entre o black metal primitivo do Bone Awl e a muralha harsh noise construída pelo The Rita tem um efeito igualmente devastador. As duas bandas alternam-se na ordem das músicas da fitinha, e é bem difícil conseguir distinguir uma da outra devido à sonoridade embolada da gravação, tornando a melodia e as mudanças no andamento da música praticamente imperceptíveis. O resultado é uma sonoridade hostil que combina perfeitamente com a proposta musical de ambas as bandas. Tanta sujeira resultou em uma série de críticas por parte de alguns fãs do Bone Awl, que se referem ao split como “a ovelha negra” da discografia da banda. Não se trata de um lançamento típico da carreira do Bone Awl, muito menos de um material que eu recomendaria para um fã tradicional de black metal, mas o inegável entrosamento entre as bandas e a maneira como as músicas se completam fazem desse split tão injustiçado um dos melhores da discografia de ambas as bandas.

Ouça aqui.

Horrid Cross - Demo III [2010; Irradiated Corpse, EUA]

“Bathory só existiu pro Horrid Cross existir um dia”. Foi exatamente assim que um camarada descreveu uma das bandas mais porcas da cena black metal dos ultimos anos. Exageros à parte, o Horrid Cross faz um raw black metal com os dois pés no lo-fi, e o melhor de tudo, em formato Cassette. Demo III traz duas músicas: VII/VIII e IX. Uma coisa que eu admiro no Horrid Cross é o fato de não fazer A MÍNIMA IDEIA de qual é a temática lírica da banda, já que os títulos dos álbuns e suas respectivas músicas são números, e as letras são impossíveis de encontrar. Quando a música começa, você percebe que não se fala de nada que não seja morte, dor, depressão, ódio, anti-cristianismo ou perversão sexual, e que já não se sente mais tão perdido. É uma boa pedida pra quem curte o INRI do Sarcófago, as primeiras demos do Ildjarn e essa nova geração do black metal estadunidense, fissurada em gravações de péssima qualidade, capas xerocadas de gosto duvidoso e lançamentos restritos aos formatos vinil e cassette.

Ouça aqui.

Maria Minerva – Cabaret Cixous [2011; Not Not Fun, EUA]

Depois da tape Tallinn at Dawn e do 12” Noble Savage, foi a vez de Cabaret Cixous, o aguardado debut de Maria Minerva, ter seu lançamento no mês de agosto, pelo selo Not Not Fun. Cabaret Cixous soa como a mais bela música pop, encharcada em reverb e delay, revestida com a mais grossa camada de sujeira. Ao mesmo tempo em que se utiliza de timbres agradáveis de teclado e um vocal adocicado de menina, o álbum é gravado de uma maneira propositalmente tosca, utilizando-se de referências da música eletrônica do comecinho dos anos 80 e uma estética lo-fi viajada. Comparo a música feita por Maria Minerva a limpar as orelhas com um cotonete: ao mesmo tempo em que a haste é revestida em algodão, provoca aflição e um certo desconforto quando penetra o ouvido. Resumindo, é um disco delicioso e igualmente desafiador, mais uma bela surpresa no catálogo da Not Not Fun. Se você não for aquele cara que enfia a lingua na tomada e só escuta harsh noise ou aquele mala que só gosta de álbuns com uma gravação impecável, na boa, ouça as faixas “These Days”, “Pirate's Tale”, “Luvcool”, “Honey Honey” e “Ruff Trade”. Essa é Maria Minerva, meu atual xodozinho e uma das mais gratas surpresas de 2011.

Ouça "Luvcool"

Thiago Miazzo

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Jards Macalé – Jards (2011; Biscoito Fino, Brasil)

Assim que soube da existência de um álbum novo de Jards Macalé – através do blog La Cumbuca – corri na intenção pura e simples de escutar o que o autor faria após as incursões experimentais de Macao, lançado em 2008. Encontrei um DVD com direção de Érik Rocha, e a regravação de clássicos do seu e de outros repertórios, com arranjos de Cristóvão Bastos e participação de Frejat, Luiz Melodia, Elton Medeiros, Ava Rocha, entre outros. Não tenho como negar uma ponta de decepção ao tomar conhecimento da empreitada (esperava novas composições), mas este sentimento foi devidamente dissolvido pela caixa de fósforo indefectível do grande Elton Medeiros, e pelo violão sujo e suingado de Macalé, na interpretação de “Juízo Final”, que abre o disco. “Negra Melodia” (com a participação de Luiz Melodia) e “Revendo Amigos”, transformada em um baião vigoroso, foram traduzidas para uma roupagem mais convencional, que felizmente não prejudicaram a força das canções. Mas fica a impressão de que se trata mais de um disco celebratório – como Cauby! Cauby!, como Uma Palavra – do que um disco de carreira propriamente.

Arnaldo Antunes, Edgard Scandurra, Toumani Diabaté – A Curva da Cintura (2011; Especial MTV, Brasil/Mali)

Gravado no estúdio de Toumani Diabaté, em Bamako, A Curva da Cintura é, antes de mais nada, resultado do trabalho de uma dupla de compositores. Dito isto, e liberando o disco de ter que responder pelo que ele não é – um disco de “world music” ou de música do Mali –, vale ressaltar as canções e a forma como a kora e os demais instrumentos malineses foram utilizados. Mesmo que não me apeteça a fase “lúdica” de Arnaldo Antunes, há de se convir que em seus vinte e tantos anos de carreira como compositor, ele consolidou um estilo cancioneiro peculiar, perceptível no mantra “Cara” ou no heavy metal existencial “Um Senhor”. Característica inversa se pode apontar em Scandurra, compositor cujo estilo varia conforme seus interesses sonoros, e pode ser observado no lirismo derramado de “Coração de mãe”. Os arabescos melódicos executados por Diabaté casaram perfeitamente com a guitarra de Scandurra, também dada a reviravoltas velozes e uma certa malícia rítmica, que funcionou não somente com a kora, mas também com o n’gon, o balafon, entre outros instrumentos malineses.

Felipe Cordeiro – Kitsch Pop Cult (2011, Ná Music, Brasil)

Com previsão para lançamento em 2012, o primeiro disco do cantor e compositor paraense Felipe Cordeiro promete ser uma espécie de “atualização” da pletora rítimica paraense. Porém, antes que se possa encerrar o álbum em interpretações desse tipo, a saber, que sugerem a incorporação marota dos elementos “centrais” – a música eletrônica, o new wave, o Brock dos anos 80 – aos elementos “primitivos”, representados pelos ritmos paraenses – tecnobrega, carimbó, lambada –, vale afirmar que tal ingenuidade passou longe daqui. A começar pelo título, Kitsch Pop Cult, uma junção quase alegórica de palavras que já viraram piada no léxico sulista, mas que adquirem um incontornável teor irônico com a entonação adotada por Cordeiro. Algumas canções, como o tecnobrega turbinado “Conversa Fora”, esboçam lampejos concretistas (“Não ponha rancor pra dentro/Só jogue conversa fora”), enquanto outras funcionam como auto-ironia, em “Dias quentes” (“Acho que vejo deus, acho que vi um indigente, um índio, um ciberpunk, um Gandhi indecente”) ou “Historinha” (“Que história é essa minha, que não passa, nem chega, não começa, nem termina…”). Ah sim, e a produção é do André Abujamra.

Bernardo Oliveira

(crítica - disco) El Rego Et Ses Commandos – El Rego (2011; Daptone Records/Voodoo Funk , EUA [Benin])

2012-01-05T13:26:00.003-03:00

Iniciamos a presente resenha com um tema já exaustivamente explorado na nossa contribuição ao Matéria. Resumindo: a música do beninense El Rego é exemplar da influência exercida pelo funk sobre boa parte do que se compôs e executou na costa ocidental africana dos anos 1960/70. Artista que conheceu a fama em seu país nesse período, soube como poucos assimilar a dicção rítmica criada por James Brown e o J.B.’s às batidas sincopadas do sato e da sakpata, ritmos locais que conduzem os rituais vodu. O vodu é a religião oficial do Benin, nação que conta com um contingente muito considerável de retornados – muitos deles oriundos de um Brasil imediatamente pós-abolição da escravatura. Nos percursos de ida e regresso do circuito África-Américas – mais propriamente, neste elo Brasil-Benin –, as trocas foram muitas. E, evidentemente, não deixaram de se reproduzir.

A carreira de Monsieur Theophile Do Rego, natural da capital Porto Novo, é praticamente contemporânea da transição do seu país da condição de colônia francesa, o ancestral Reino de Daomé, à República de Daomé, em 1960. E, a partir de 1975, à República Popular do Benin, que então passaria a adotar o socialismo como regime de governo. Também contemporâneo e patrício da (finalmente hoje) celebrada Tout Poussant Orchestre Poly-Rythmo de Cotonou (assim como dos legendários Gnonnas Pedro, Honoré Avolonto e Antoine Dougbé), El Rego tem boa parte da sua produção resgatada pelas prospecções realizadas tanto por selos como o alemão Analog Africa, como pelo também alemão DJ e colecionador Frank Gossner, ou Voodoo Frank, ativo na noite de Nova York e responsável pelo blog Voodoo Funk, que documenta seu périplo pelo ocidente africano (principalmente Nigéria, Gana, Togo e, claro, Benin) numa busca incessante por compactos e LPs de afrobeat e afrosoulfunky. E é nesta última seara, em boa parte, que se situa a presente coletânea, intitulada simplesmente El Rego.

“Se Na Min”, faixa que divide com “Gbeti Madjro” – clássico absoluto da Poly-Rythmo – a condição de a mais agressiva da melhor coletânea afromusical recente (e, como não é de se surpreender, também lançada pela Analog Africa), African Scream Contest: Raw & Psychedelic Afro Sounds From Benin & Togo 70s, de 2008, El Rego Et Ses Commandos (banda que o acompanhava à época), chamou muito a atenção pelos grunhidos e berros guturais à James Brown. Uma “histeria” vocal não exatamente reproduzida como uma simples e calculada emulação, mas como uma adaptação de um estilo particular à linguagem própria das tradições sonoras beninenses. E, claro, sempre como o resultado do cruzamento entre as modalidades rítmicas de ambas as culturas musicais: a “original” (africana) e a “crioula” (da diáspora negra – no caso, situada nos Estados Unidos). A provar isso, eis aqui mais um dado que salta à primeira audição de “Se Na Min”: a função rítmica do teclado, executado nervosamente, como é marca desta estética de (re) apropriação do funk. Mas não seria esta apenas a única composição de El Rego que se revelaria a um público renovado, potencialmente mais amplo, fora do contexto d’África dos 1970. Em 2009, sairia pela mesma Analog Africa, Legends of Benin, compilação fundamental que conta com quatro faixas de sua autoria, sempre secundado pelos Commandos, parceiros fiéis da empreitada funky da sua carreira. (A saber: “Se Na Min” também está na versão em vinil de El Rego como um compacto bônus em 45 RPM.)

Numa versão antiga do – outrora disponível no youtube – avant trailer do documentário em fase de produção Take Me Away Fast, que registra Frank Gossner através do Ocidente original profundo, El Rego aparecia como o depoente mais incrédulo e desesperançado dentre todos os músicos veteranos que, agora, como ele, desfrutam de certo reconhecimento tardio no exterior. Em determinado momento da sua entrevista, inclusive, não aparenta ficar muito convencido de que as músicas que compôs e gravou naquele período possam embalar tanto assim as pistas comandadas por Voodoo Frank, o referido alter ego discotecário do seu interlocutor, Frank Gossner, que o intera disso, grato.

E, como não poderia ser muito diferente, é sob a direção de Gossner que, finalmente, em outubro deste ano, a norte-americana Daptone Records decide lançar parte da produção do final dos 1960 e início dos 70 de El Rego. El Rego traz material parcialmente conhecido pelos ouvintes das outras coletâneas anteriormente mencionadas e, também, faixas “novas” cuja recepção na atualidade, fatalmente, alcança uma fatia bem mais extensa de público do que aquela da época do seu lançamento em compactos. Obviamente, refiro-me ao seu acesso franqueado pela internet.

A audição de El Rego começa com “Feeling You Got”, já presente em Legends of Benin com o seu acordeon fazendo a vez da guitarra que tradicionalmente segura a levada funky e a sua linha de baixo econômica e tensa. Trata-se da única composição em inglês do álbum (as restantes são em francês ou em fon). Nela, El Rego já apresenta o padrão das faixas seguintes: a releitura pessoal dos trejeitos vocais à Brown. “Zon Dede”, cujo reduzido set percussivo e breve uso do efeito do pedal wah wah na guitarra só a tornam ainda mais interessante. Para os ouvidos viciados em folclore, “E Nan Mian Nuku”, que também integra o repertório de Legends of Benin (sabemos que a produção de El Rego não é exatamente limitada – então, por que tanta repetição de faixas nessas coletâneas?), deve soar como um registro mais autorizado do que se reivindica como a suposta e legítima “essência” da música nacional em questão. (Não nada é gratuito perceber certo parentesco com os pontos executados nos rituais das religiões afrobrasileiras e afrocubanas.) “Djobime” e “Cholera” apresentam a mesma estrutura polirrítmica da acelerada e mencionada “Gbeti Madjro”, que, no seu “atropelo” vocal e instrumental, prova que o tempo da música africana é diferente daquele com que estamos mais familiarizados. (Mas seria necessário dizer isso aqui?) O mesmo teclado nervoso que responde pela marcação rítmica de “Se Na Min” está em “Dis-Moi Oui” e “Achuta” como testemunho dessa assimilação ímpar da gramática funk – uma personalíssima assinatura de estilo. “Hessa” é de longe a canção de maior apelo pop do disco – e me parece que isso deva ter efeito mesmo em todos os quadrantes do globo: El Rego, no seu depoimento a Frank Gossner, diz que ela foi um estrondoso hit local, em 1965. “Do Do Baya” apresenta ecos “afrolatinos”, uma tendência forte na época. Rumba e salsa eram gêneros populares em muitos países africanos e, segundo a tradição das trocas culturais, assumiram formas nativas expressivas como, por exemplo, o soukous congolês e o highlife ganês. E “Ke Amon-Gbetchea”, que fecha o álbum, é um rhythm and blues de andamento lento que não deixa dúvida quanto à versatilidade daquele que é mais lembrado como o “Benin's Godfather of Funk”.

El Rego é uma valiosa peça sonora que, mais que recortar parte da obra de um músico que desfrutou de invulgar popularidade no seu país por um certo período de tempo, promove, com o seu lançamento, a rara oportunidade de se reparar a injustiça da sua inexistência num circuito cultural mais amplo. E não é à toa que Frank Gossner tenha adotado o nome artístico que ostenta. Ao produzir esta coletânea, ele ajuda a lançar luz sobre o DNA vodu do funk.

Lucio Branco

(crítica – disco) São Paulo Underground – Três Cabeças Loucuras (2011; Cuneiform Records, EUA [Brasil])

2012-01-04T19:44:00.003-03:00

Barulho, melodias, improvisos, combinação de sonoridades, levação de som espontâneo reajustada pelo computador, mais barulho... A música do São Paulo Underground sempre transitou por esses caminhos, mas de uma forma diferente a cada álbum. Porém, diante de Três Cabeças Loucuras, se consolida a certeza de que este é um grupo que não se deixará guiar por nada que não seja o interesse em explorar sua música. E isso tanto do ponto de vista da pesquisa, quanto da inovação, do ímpeto, da minúcia na execução e da fluência, que fazem de Três Cabeças Loucuras um dos melhores discos do ano passado.

O primeiro álbum, Sauna: Um, Dois, Três, trazia o espírito de improvisação abstrata, característico da cena de Chicago dos anos 90, representado pelo trumpete versátil de Rob Mazurek, ao passo que as densas camadas de timbres acústicos e eletrônicos ficava a cargo de Maurício Takara. Com a chegada de Richard Ribeiro e Guilherme Granado, ambos oriundos do Hurtmold – o primeiro responsável pelo projeto Porto – a paleta sonora não se ampliou somente, mas abriu ainda mais espaço para a intervenção do improviso e do noise. Desta relação nasceu um dos melhores discos de 2008, The Principles of Intrusive Relationship, talvez o disco mais poderoso do quarteto.

Com Três Cabeças Loucuras ocorre o mesmo, mas há que se notar um acréscimo de interesse naquilo que podemos chamar de “música brasileira”, mais particularmente, a música instrumental brasileira. Não que as características anteriores não estejam presentes, pelo contrário. Mas o novo enfoque é nítido e significativo, sobretudo através da composição dos temas e das estruturas de arranjo, que remetem ao trabalho de Egberto, Hermeto, Moacir Santos e toda uma linhagem de artistas que elaboraram uma linguagem própria de composição e arranjo, transitando no terreno do jazz, da bossa, da música latina, do samba, do baião e dos chamados “ritmos regionais”.

Porém, ao mesmo tempo, observa-se a inserção de elementos, concentrados basicamente nas timbragens e nas texturas (sons eletrônicos, basicamente), que reposicionam este legado em uma outra esfera. Não se trata de inserções ingênuas, ou de fachada, com o intuito leviano de conferir “modernidade” ao som. Não. Trata-se de um trabalho minucioso de composição e arranjo que aposta ora em melodias tristes e evocativas – geralmente em escala menor melódica, como na abertura, “Jagoda’s Dream” ou na estridência ácida de “Rio Negro”; ora em temas robustos, como na salsa “Carambola” e na polirritmia de “Six Six Eight”.

Se a música contemporânea se guia, de fato, por uma “retromania” necessariamente positiva, que justifica a cornucópia nostálgica de John Maus e Peaking Lights, então me parece razoável supor que o São Paulo Underground (assim como Letieres Leite, Guizado e Satanique Samba Trio), não busque exatamente reviver a música daqueles autores, nem copiá-la. Assim como a música de Baden Powell e Edu Lobo revém no álbum do Metá Metá, ressoa em Três Cabeças Loucuras o interesse em retomar alguns dos argumentos menos favorecidos do jazz e da música instrumental brasileira, conferindo-lhe outras cores e um rumo tão saudável quanto incerto.

Bernardo Oliveira

Assista aos vídeos.

Ouça o "acid" candombe, “Pomboral”

(crítica – disco) Mainliner – Mellow Out (1996; Charnel Music, EUA [Japão])

2012-01-03T07:54:00.001-03:00

Rock ON / Stone IN / Freak OUT!

Confusão, exagero e indulgência.Tais seriam, não seria desarrazoado supor, os aspectos mais evidentes num primeiro contato com as walpúrgicas emanações de maximum overdrive ultimate carnage fuzz noise destruction da psicodelia hellraiser nipônica; e malgrado as propriedades supracitadas decerto façam parte da garage hermétique das Ilhas do Sol Nascente, um olhar mais atento poderá desvelar duas características deveras insuspeitas a princípio, mas igualmente importantes nesta brutal alquimia: 1) uma obsessiva demanda pela pureza formal, depurando radicalmente o rock'n'roll de seus elementos circunstanciais e/ou contingentes, no intuito de atingir seu âmago mais primevo e catártico; 2) o ostinato rigore (apud Da Vinci / Valéry) com que tal intento é perseguido.

A estréia do Mainliner, imaculado power trio da maçonaria psico-sônica japonesa, inner sanctum supino da descerebração elétrica nos confins do cosmic inferno, urdido pelos notórios Asahito Nanjo (High Rise) e Makoto Kawabata (AMT), é porventura o álbum onde os excelsos desígnios acima esboçados logram atingir sua mais consumada realização estética. Mellow Out (1995) é, portanto, o mais blasfemo grimoire, o luciferino Graal de toda uma insigne linhagem, iniciada pelos míticos Hadaka no Rallizes, e dedicada às lides da obliteração sônica via muralhas rutilantes de ruído terminal e maremotos percussivos. Há também que louvar a determinação e coragem necessárias à criação de uma obra como essa, cuja espartana, monocromática unidimensionalidade, não permite o recurso a quaisquer expedientes diversionários de aliciamento, tal como sói ocorrer mesmo com os mais temerários argonautas do delírio übber-rockist: o que temos aqui, sem disfarces, adornos ou estratégias de sedução, é toda a selvageria primordial do rock'n'roll, desde o primeiro uivo lancinante de shoutin' blues a trovejar nos algodoais do deep south, concentrada / sublimada em inolvidáveis 35 minutos de êxtase psych.

"Cockamamie", breve descarga de desvario protopunk à la Stooges, é sem dúvida um belo cartão de visita, mas funciona apenas como prelúdio aos inclementes exercícios de devastação psicodélica in extremis que completam o álbum.

"Black Sky" é, a meu ver, a mais irretocável demonstração do genial modus operandi da banda: a pulsação hipnótica instaurada por Nanjo (baixo elétrico) e Hajime Koizumi (bateria) proporciona ao ouvinte uma conveniente ilusão de continuidade rítmica, enquanto Kawabata (guitarra elétrica) paulatinamente vai conjurando suas brumas de feedback púrpura... e então, de súbito, tudo se desmancha numa inaudita tempestade de white noise sulfuroso, avalanche abstrata de ruído desenhando espirais de caos eletromagnético; o pulso rítmico adrede erigido então retorna, mas o ouvinte já não mais consegue se sentir 'amparado'... e com toda razão, diga-se de passagem, posto que os minutos finais da peça irão precipitá-lo, sem dó nem piedade, no vero báratro tonitruante de uma supernova de esmerilhação guitarrística em search & destroy full hate mode ON.

"M", por seu turno, é Albert Ayler meets High Rise in the land of sonic evisceration. Assim sendo, muito embora a estrutura forjada por Black Sky seja mantida, temos o trio num registro mais jammin', com a bateria de Koizumi abrindo os trabalhos em compasso free antes de estabilizar o compasso; em seguida, Nanjo entra em cena, novamente tentando nos mesmerizar com a densa hipnose de seu baixo e vocal reverberantes; e a Kawabata cabe, uma vez mais, dilacerar a fugaz promessa de devaneio opiáceo oferecida por seus confrades, dessa feita com rajadas e mais rajadas de wah wah's alucinados em combustão instantânea. A duras penas, Nanjo e Koizumi restabelecem o beat inicial, numa derradeira quimera de 'normalidade' musical, que será, enfim, pulverizada pela feroz motosserra lisérgica de Kawabata, implacável lança-chamas sonoro em razzias sucessivas de microfonia over the top, bem como através d’um aterrador terremoto de fuzz bass desencadeado por Nanjo.

Chapeau, meus caros confrades, e uma última observação: Mellow Out é "só para raros, só para loucos" (apud Hermann Hesse), 'teatro do Lobo da Estepe' larger than life para acidheads irrecuperáveis, vagando através dos labirintos siderais do alheamento transpsicodélico. Isto posto, sentencio: que os 'normais' mantenham distância!

Alfredo RR Sousa
Ouça "M"

(crítica - disco) Karasyozoku - Mischievous Sigyn 1923 [2008, Lust Vessel, Japão]

2012-01-02T09:10:00.002-03:00

Triste e desconfortável: essa é a melhor maneira de definir Mischievous Sigyn 1923. Pesquisando a respeito do Karasyozoku, descobri que o Cassette foi inspirado em um terremoto que devastou o Japão no tal ano, deixando cerca de 142 mil mortos na região de Kanto. Pois é, todas as músicas têm como tema central o tal terremoto e suas consequências políticas e sociais. Eis aqui o meu presente de natal atrasado, pra arruinar o ano-novo de vocês.

O trio formado por Annoying Labia, Dr. Torikabuto e Kichi faz um industrial encardido, com uma dose maciça de dark ambient e experimentalismo drone, como podemos perceber em "Sigyn Turned The Basin Over Her Husband At Last", a música que abre o cassette. O uso de orgãos Hammond, pedais e as referências à música concreta mostram a paixão dos três pela velha escola da música industrial.

A sonoridade ganha um aspecto mais bruto e sombrio em "Strayers Seek Crowd, Even Though They Don't Have The Reason", enquanto em "Balm From The Crucible Of Corpses", o trio trabalha frequências agudas, aos moldes da escola japonesa. E os caras não brincam na hora de arruinar com os agudos - é o tipo de música que te faz suar frio ao pensar em seus dez minutos de duração.

"Fact is More Horrible Than Drama" faz uso de vocais femininos e tem forte influência da música concreta. Como em todas as outras faixas, temos a sensação de incômodo, as pernas não param de balançar, a cadeira ganha um aspecto sólido e claustrofóbico, o impulso de mexer nos cabelos a cada minuto... Isso é que eu chamo de sentir a música.

"To Be Or Not To Be; Criminals As Existence" me faz duvidar se essa tape foi mesmo gravada em 2008, o som do Karasyozoku é anos 80 PURO! Whitehouse, Club Moral, Male Rape Group, são algumas das referências encontradas nesse som, feito mais de vinte anos depois.

"Die Todesfalle Und Die Dirnen" traz a mesma frequência aguda que quase me explodiu o crânio agora há pouco, acompanhada por loops de orquestra e barulhos de portas, madeira rangendo, aquele climão de filme de terror antigo, da época em que o gênero trabalhava a tensão de uma maneira mais ampla, sem se limitar ao uso exagerado de sangue e violência gratuita.

Mischievous Sigyn 1923 não é um álbum fácil de ouvir - ele pede algumas pausas. Dois minutinhos pra passear pela casa, aliviar um pouco a tensão, tomar um copo d'água. Ainda assim, é uma jóia rara no meio da maravilhosa cena noise japonesa. Intenso até as tripas, altamente recomendado para todos os interessados em música experimental. Uma pena que o Karasyozoku só tenha lançado esse material, limitado a ridíulas 150 cópias, óbviamente esgotadas.

Thiago Miazzo
Ouça "Sigyn Turned The Basin Over Her Husband At Last"

Melhores de 2011: Lista de Convidados e Lista Geral

2011-12-29T17:01:00.008-03:00

Em um ano que foi tão prazeroso quanto angustiante para os amantes da música, pedimos a cada um dos nossos convidados que elencassem suas respectivas preferências discográficas. A tarefa nunca é simples, e convém ao “listador” que ele entre naquele estado de espírito entre a euforia e a angústia que caracteriza a paranóia listóloga. Vale notar que as listas são um bom canal de diálogo e comunicação, que informa, fomenta debates e promove a circulação de artistas e trabalhos. Porém, tal prática não é vista com bons olhos. Talvez pelo caráter ambíguo de toda lista, que se equilibra precariamente entre pretensões universais e subjetivas, mas também porque encaminha uma forma de auto-afirmação, de identificação, de auto-conhecimento e recenseamento cultural… Um fetiche, em suma, do qual não se deve esperar muita coisa, mas que perdura de forma renitente como uma das obsessões do “homem moderno”. Ao final da lista de convidados, os melhores discos do ano segundo os três redatores do Matéria, Thiago Miazzo, Antonio Marcos Pereira e Bernardo Oliveira.

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Cadu Tenório (músico, Sobre a Máquina)

Discos

1 - Prurient - Bermuda Drain

2 - Tim Hecker - Ravedeath, 1972

3 - Julia Holter - Tragedy

4 - Radiohead - The King Of Limbs

5 - Tha Caretaker - An Empty Bliss Beyond This World

6 - Tape - Revelationes

7 - The Kills - Blood Pressure

8 - Jesu - Ascension

9 - SBTRKT - SBTRKT

10 - Aidan Baker - Plague of Fantasies

Faixas

1 - Prurient – “Palm Tree Corpse”

2 - Tim Hecker – “No Drums”

3 - Jesu – “Black Lies”

4 - The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble – “Celladoor”

5 - Julia Holter – “Celebration”

6 - SBTRKT – “Hold On”

7 - SBTRKT – “Trials Of The Past”

8 - The Kills – “Future Starts Slow”

9 - Julia Holter – “Try to Make Yourself a Work of Art”

10 - Panda Bear – “You Can Count On Me”

11 - Thisquietarmy – “The Pacific Theater”

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Rodrigo Brandão (músico, Mamelo Sound System/Ekundayo)

10 discos:

Beastie Boys - Hot Sauce Commitee Pt.2

Beans - End It All

Danger Mouse & Daniele Luppi - Rome

PJ Harvey - Let England Shake

Kiko Dinucci, Juçara Marçal & Thiago França - Metá-Metá

Shabazz Palaces - Black Up

Raekwon - Shaolin Vs. Wu-Tang

Matthew Shipp, High Priest, William Parker & Beans - Knives From Heaven

São Paulo Underground - Três Cabeças Loucuras

Jay-Z & Kanye West - Watch The Throne

20 músicas:

Beastie Boys – “Long Burn The Fire”

Beastie Boys + Santigold – “Don't Play No Game That I Can't Win”

Beans – “Superstar Destroyer”

Beans + Tunde Adebimpe of TV On The Radio – “Mellow You Out”

Raekwon – “Ferry Boat Killers”

Raekwon + Ghostface Killah & Jim Jones – “Rock'n'Roll”

Criolo – “Não Existe Amor Em SP”

Criolo – “Subirusdoistionzin”

Ogi – “Minha Sorte Mudou”

São Paulo Underground – “Just Lovin'”

São Paulo Underground - “Lado Leste”

Jay-Z & Kanye West – “Otis”

Jay-Z & Kanye West – “Gotta Have It”

Doncesão + Elo Da Corrente – “Cego, Surdo & Mudo”

Mike Ladd – “My Kidz”

Shabazz Palaces – “Free Press And Curl”

Shabazz Palaces – “Youlogy”

The Roots – “Tip The Scale”

Kiko Dinucci, Juçara Marçal & Thiago França – “Vias de Fato”

Kiko Dinucci, Juçara Marçal & Thiago França – “Oba Iná”

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Chris Calvet (designer, Arterial)

1) PJ Harvey – Let England Shake

2) Hype Williams – One Nation

3) Tom Waits – Bad As Me

4) Disappears – Guider

5) SBTRKT

6) Atlas Sound – Parallax

7) Nicolas Jaar – Space is Only Noise

8) Tim Hecker – Ravedeath 1972

9) Lou Reed e Metallica - Lulu

10) St. Vincent – Strange Mercy

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Joca Vidal (DJ, agitador cultural, Phunk/Digital Dubs)

Rich Robinson - Through A Crooked Sun ("It's not Easy" e "I Don't Hear the Sound of You")

James Blake - James Blake ("The Wilhelm Scream" e "Limit to Your Love")

Eddie - Veraneio ("Veraneio" e "Ela Vai Dançar")

Mundo Livre S/A - Novas Lendas ("Constelação C.A.R.I.N.H.O.C.A" e "O Velho James Brouse")

Mayer Hawthorne - How do You do ("A Long Time" e "Dreaming")

Jamiroquai - Rock Dust Light Star ("Lifeline" e "Blue Skies")

Empresarios - Sabor Tropical ("Space Selecta" e "Happy Track")

Kraak and Smaak - Electric Hustle ("Built for Love" e "Dynamite")

Ogi - Crônicas da Cidade Cinza ("Premonição" e "Porque Meu Deus?")

BiD - Bambas2 ("Brasil" e "Happiness Is All In Your hands")

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Túlio Brasil (jornalista, La Cumbuca)

Nacional

--> Discos:

1. Kassin - Sonhando Devagar

2. Bonifrate - Um Futuro Inteiro

3. Domenico - Cine Privê

4. Romulo Fróes - Um Labirinto Em Cada Pé

5. Metá Metá - Metá Metá

6. Gal Costa - Recanto

7. Wado - Samba 808

8. Amabis - Memórias Luso Africanas

9. Marcelo Camelo - Toque Dela

10. Criolo - Nó Na Orelha

11. Fabio Góes - O Destino Vestido De Noiva

12. Passo Torto - Passo Torto

13. Bixiga 70 - Bixiga 70

14. São Paulo Underground - Três Cabeças Loucuras

15. Pipo Pegoraro - Taxi Imã

* EP do Silva; Acústico Sucateiro do Apanhador Só

--> Músicas:

1. Kassin – “Potássio”

2. Bonifrate – “Antena a mirar o coração de Júpiter”

3. Domenico – “Cine Privê”

4. Metá Metá – “Vias de Fato”

5. Romulo Fróes – “O Filho de Deus”

6. Gal Costa – “Autotune Autoerótico”

7. Criolo – “Subirusdoistiozin”

8. Kassin – “Calça de Ginástica”

9. Fabio Goes – “E o Amor que Não Cabe Mais”

10. Silva – “12 de Maio”

11. Wado – “Com a Ponta dos Dedos” (ft. Marcelo Camelo e Mallu)

12. Marcelo Camelo – “Ôô”

13. Karina Buhr – “Cara Palavra”

14. Amabis – “Ao Mar”

15. Nevilton – “Por um Triz”

* “Hortência”, Dorgas (previsão de lançamento em setembro/2012)

Internacional

--> Discos:

1. Destroyer - Kaputt

2. Sondre Lerche - Sondre Lerche

3. James Blake - James Blake

4. tUnE yArDs – w h o k i l l

5. St. Vincent - Strange Mercy

6. The Caretaker – An empty bliss beyond this World

7. Metronomy - English Riviera

8. Colin Stetson - New History Warfare Vol. 2 Judges

9. Wilco - The Whole Love

10. PJ Harvey - Let England Shake

11. Frank Ocean - Nostalgia, Ultra.

12. Bill Calahan - Apocalypse

13. CANT - Dreams Come True

14. Radiohead - The King of Limbs

15. Girls – Father, Son, Holy Ghost

--> Músicas:

1. Destroyer – “Kaputt”

2. Sondre Lerche – “Ricochet”

3. tUnE-yArDs – “Powa”

4. Radiohead – “Lotus Flower”

5. St. Vincent – “Cruel”

6. James Blake – “I Never Learnt To Share”

7. Metronomy – “The Look”

8. Wilco – “Art of Almost”

9. Toro Y Moi – “Still Sound”

10. Destroyer – “Poor in Love”

11. The Throne – “Otis”

12. CANT – “She Found a Way Out”

13. PJ Harvey – “The Words That Maketh Murder”

14. The Field – “Is This Power”

15. The Caretaker – “All You Are Going To Want To Do Is Get Back There”

*’Bay of Pigs', Destroyer [2009]

–

Frederico Coelho (Escritor, professor, DJ, Phunk)

PJ Harvey – Let England Shake: um clássico instantâneo. Em um ano de turbulências e ocupações coletivas, ela sacou o clima tenso e fez um belo comentário poético para os nossos tempos. Além de estar cantando e compondo como nunca.

Nicolas Jaar – Space is only Noise: muito jovem e muito sagaz, o disco é a sequência de uma série de EPs que levam longe algumas bases tradicionais da música eletrônica. Assutadoramente talentoso. Respect total.

Criolo – Nó na Orelha: tem que entrar porque o impacto foi completo, em todos os públicos. Ascendeu debates, atiçou ressentimentos, lotou shows, virou hype, confirmou o talento de um grupo de instrumentistas de São Paulo e apresentou finalmente ao país o talento do compositor e cantor Criolo. Um disco que será falado por muito tempo.

Kassin – Sonhando Devagar: no seu segundo solo, descolado dessa vez do + 2, Kassin acerta na banda e nos arranjos, explorando o que há de melhor no instrumental carioca da atualidade em sons que nos remetem ao universo psicodélico de João Donato e Marcos Valle.

Rabotnik: petardo de 2008 lançado agora, vale registrar pela pressão e coesão da banda nas execuções dos seus temas instrumentais.

Black Keys – El Camino: rock cru e arrastado, na veia. Mesmo com todo hype da banda, o som é certeiro. Disco difícil de parar de ouvir.

Gal Costa – Recanto: falar o que? Caetano compõe onze canções que refletem sobre o horizonte dos setenta anos, a perda do tempo, a solidão no Brasil de hoje, o escuro do mundo, em um álbum em que a produção devolve à cantora seu registro de voz confortável e instigante, além de um repertório de primeira. Esqueçam as “bases do Kassin” ou as “forçações eletrônicas” (que nada mais são do que a liberdade cristiva de uma outra geração sobre o som da cantora) e ouçam a volta de uma das nossas grandes vozes cantando um grande compositor.

Radiohead – The King of Limbs: outro disco que deve ser “defendido” de alguns fãs da própria banda. Um grande trabalho da grande banda de sua geração, ouvindo os sons de seu tempo e expandindo seu som no risco do novo. Discaço.

Björk – Biophilia: beleza pura. Irretocável, como sempre.

Bixiga 70 – Bixiga 70: excelente banda de São Paulo, com músicos de vários outros trabalhos e estilos. Dub e Afrobeat brasileiros na melhor banda dessa escola que ja ouvi por aqui. Produzido por Victor Rice, outro grande disco que ouvi bastante.

Gui Amabis – Memórias Luso/Africanas: belo trabalho de Amabis, mais um na cena paulista que fez um disco com participações de diversos parceiros. Uma espécie de obra conceitual com diversos sons das matrizes culturais brasileiras. Para ouvir várias vezes.

Romulo Fróes – Um labirinto em cada pé: o disco que detonou o ano da cena paulista. Grandes canções, belos arranjos, ideias refinadas, uma banda afiada e um cavaco de Rodrigo Campos pontuando e dobrando solos de guitarra. Outro que ouvi bastante e merece estar na lista de qualquer um dos melhores do ano.

Passo torto – Passo torto: projeto dos frenéticos Romulo Fróes, Rodrigo Campos e Kiko Dinucci, um disco diferente do que costumamos ouvir por aí, baseado em arranjos de violões, cavacos, acústico, com uma pegada de samba paulista com certo ar de Gismonti, de Deodato, de Baden, de Edu Lobo... Som de primeiríssima qualidade. Vida longa ao projeto.

Adriana Calcanhoto – Micróbio do Samba: este disco foi pouco falado, não sei se pouco ouvido, mas acho ele importante para a música brasileira nesse ano. Calcanhoto faz de forma extremamente competente a esticada de corda do samba como formato tradicional. A lírica do malandro é revisitada como novos tempos e os arranjos são tensos, sem a alegria desabotoada do sambista, mantendo um clima contido e ao mesmo tempo de lirismo rasgado. Se incluí entre os melhores pelo mergulho e experimentação em um gênero que tem forte resistência para sair de seus limites clássicos.

Roots Manuva – 4erverevolution: Manuva sempre. O mesmo baile da pesada entre dubs, flows cavernosos e batidas hipnóticas para pistas de dança chapadas.

Domenico – Cine Privê: bela estréia solo de Domenico, com suas paisagens sonoras. Um disco que destoa do que se vê pela cena da música brasileira pop. E, fundamentalmente, o disco de um baterista, o que é sempre bom.

BID – Bambas dois: trabalho transnacional despretensioso que une reggae jamaicano e forró com momentos brilhantes quando a fórmula funciona lindamente. Ouvir Dominguinhos solando em um roots reggae cantado como um perfeito xote por um dos filhos de Marley (Ky-Mani) já valeria o disco. Mas há outros bons momentos em um disco que pode deixar rolar inteiro no fim de semana em casa, na merecida lombra ensolarada de todo trabalhador.

Andy Stot – Passed me by: Sinistro. Grave. Perturbador. Sensacional.

The Roots – Undun: a banda de rap que é realmente uma banda vai além em um disco conceitual – a historia de Undun – e incorpora no limite do seu som orgânico baseado na bateria de Questlove, cordas, orquestras e belos momentos cinematográficos. Para quem curte o som da banda da Filadélfia, discaço.

Gil Scott-Heron & Jamie XX – We're New Here: pode um trabalho de remix deixar o disco original melhor do que era? Pode. Esse é o caso no disco de Jamie XX remixando o póstumo de Heron. Pode ouvir inteiro, sem nem pensar em mudar a faixa ou por no shuffle. Vale cada audição.

–

Lucio Branco (DJ, produtor, Soul, Baby Soul/Makula/Soul de Santa)

Discos (10)

Orchestre Poly-Rythmo de Cotonou – The 1st Album

Orchestre Poly-Rythmo – Cotonou Club

Ebo Taylor – Life Stories (coletânea)

Nigeria 70 “Sweet Times”: Afro-Funk, Highlife & Juju from 1970’s Lagos (coletânea)

El Rego – El Rego (coletânea)

Bambara Mystic Soul – The Raw Sound of Burkina Faso 1974-79 (coletânea)

Tinariwen – Tassili

Tom Waits – Bad As Me

Bixiga 70 – Bixiga 70

Lou Reed & Metallica – Lulu

Faixas (20)

“Zon Dede” – El Rego (El Rego [coletânea])

“Dead Flowers” – Anthony Joseph & The Spasm Band (Sticky Soul Fingers – A Rolling Stones Tribute [coletânea])

“Get Lost” – Tom Waits (Bad As Me)

“Sekou Amadou” – Sorry Bamba (Sorry Bamba – Volume One 1970-1979, Kanaga Orchestra Of Mopti, Regional Orchestra Of Mopti [coletânea])

“Walla Ila” – Tinariwen (Tassili)

“Kinringjingbin” – Dr. Victor Olaiya’s International All-Stars (Nigeria 70 “Sweet Times”: Afro-Funk, Highlife & Juju from 1970’s Lagos [coletânea])

“Tribute to Don Drummond” – Rico (Jamaican Funk Experience [coletânea])

“Desengano da vista” – Bixiga 70 (Bixiga 70)

“Ou C’est Lui Ou C’est Moi” – Orchestre Poly-Rythmo de Cotonou (The 1st Album)

“Boogie On” – Rob (Funky Rob Way [coletânea])

“Hera” – Owiny Sigoma Band (Owiny Sigoma Band)

“Victory” – Ebo Taylor (Life Stories [coletânea])

“You Can Run” – Seun Kuti (From Africa With Fury: Rise)

“Oye Ka Bara Kingan” – Amadou Ballake Et Super Volta (Bambara Mystic Soul – The Raw Sound of Burkina Faso 1974-79 [coletânea])

“Iced Honey” – Lou Reed & Metallica (Lulu)

“No Time For Dreaming” – Charles Bradley (No Time For Dreaming)

“Mendel (I Don’t Know)” – Omar Souleyman (Haflat Gharbia)

“Eltsuhg Ibal Lasiti” – The Daktaris (The World Of Daptone Records [coletânea])

“More Mess On My Thing” – The Poets Of Rythm (The World Of Daptone Records [coletânea])

“Radio Kabul” – Express Brass Band (Contemporary Afrobeat [coletânea])

–

Gabriel Guerra (músico, Dorgas)

ALBUNS (ranking):

1. Cavalier – A Million Horses

2. Junior Boys – It’s All True

3. Monica Salmaso – Alma Lirica Brasileira

4. Tim Hecker – Ravedeath, 1972

5. St. Vincent - Strange Mercy

6. Kleiton & Kleidir – Par Ou Impar?

7. Battles – Gloss Drop

8. V/A – 10 Years of Secretsundaze

9. Larry Carlton – Larry Carlton Plays The Sound Of Philadelphia

10. James Blake – James Blake

MUSICAS (ordem alfabética):

Anton Zap – “Water”

Arkist – “Rendezvous”

BADBADNOTGOOD – “Rotten Decay”

Benedikt Frey – “Untitled 3”

Bill Callahan – “America!”

Cavalier – “Uzunyayla (Hallucinatory Narcosis)”

Cavalier – “Lipizzan”

Dominant Legs – “Hoop Of Love”

Future Islands – “Before The Bridge”

John Heckle – “What Once Was”

Loungetude46 – “Brasileira”

Kevin McPhee – “Sleep”

Monica Salmaso – “Noite”

Nicholas – “Talking About Love”

No Regular Play – “Serious Heat (Art Department Remix)”

Sobre A Maquina – “Progresso”

St. Vincent – “Surgeon”

Two Armadillos – “Warriors Return” (Original Mix)

White Denim – “Cat City” <<<<<< A MELHOR

Ze Renato – “Água Pra Que?”

–

Renato Godoy (músico, Chinese Cookie Poets)

1 - Mombu - Mombu

2 - Amon Tobin - ISAM

3 - Domenico - Cine prive

4 - Dorgas - Grangongon

5 - Connan Mockassin - Forever Dolphin Love

6 - Thurston moore - Demolished Thoughts

7 - Tom Waits - Bad As Me

8 - Kassin - Sonhando devagar

9 - Sobre a Máquina – Areia

10 – Ava Rocha – Diurno

–

Gabriel Mayall (músico, Do Amor/Los Hermanos)

10 discos

White Denim – D

Domenico Lancelotti – Cine Privê

Bonifrate – Um futuro inteiro

Burzum – Fallen

Karina Buhr – Longe de Onde

Thurston Moore – Demolished Thoughts

20 canções

“Cidadezinha Qualquer”....................Rubinho Jacobina

“Marco Zero”....................Nina Becker

“Benediction”....................Thurston Moore

“Marcha Lúbrica”....................Rubinho Jacobina

–

Chico Dub (DJ, Produtor, Dancing Cheetah/Novas Frequências)

20 melhores faixas

20 - Schlachthofbronx – “Carimbo”

19 - Gang Gang Dance – “Mindkilla”

18 - Nicolas Jaar – “Keep Me There”

17 - Sepalcure – “The One”

16 - Rustie – “Death Mountain”

15 - Robedoor – “Parallel Wanderer”

14 - Machinedrum – “U Don't Survive”

13 - Holy Other – “YR Love”

12 - Innergaze – “Shadow Disco”

11 - Hudson Mohawke – “Thunder Bay”

10 - Ducktails – “Killin' The Vibe” (Ft. Panda Bear)

09 - Com Truise – “Polyhurt”

08 - Sun Araw – “Impluvium”

07 - Redinho – “Power Look”

06 - Andy Stott – “Dark Details”

05 - Mark McGuire – “Another Dead End”

04 - Julio Bashmore – “Battle For Middle You”

03 - SBTRKT – “Wildfire”

02 - Africa Hitech – “Do You Wanna Fight”

01 - Peaking Lights – “Hey Sparrow”

10 melhores discos

10 - Legowelt – The Teac Life (Independente)

9 - Patten – GLAQJO XAACSSO (No Pain In Pop)

8 - Nicolas Jaar – Space Is Only Noise (Circus Company)

7 - Machinedrum – Room(s) (Planet Mu)

6 - Ducktails – III: Arcade Dynamics (Woodsist)

5 - The Caretaker – An Empty Bliss Beyond This Word (History Always

Favours The Winners)

4 - Andy Stott – Passed Me By (Modern Love)

3 - Africa Hitech – 93 Million Miles (Warp)

2 - Peaking Lights – 936 (Not Not Fun/ Weird World)

1 - Tim Hecker – Ravedeath, 1972 (Kranky)

–

Yugo (DJ, Os Ritmos Digitais/PartyBusters)

Top 12 Discos

Beyoncé - 4

SBTRKT - SBTRKT

Katy B - On A Mission

Adele - 21

Toro Y Moi - Underneath The Pine

St. Vincent - Strange Mercy

Crazy P - When We On

The Weeknd - House Of Balloons

New Look - New Look

Nicolas Jaar - Space Is Only Noise

Tiger & Woods - Through The Green

Girls - Father, Son, Holy Ghost

Top 20 Tracks

SBTRKT – “Pharoahs”

Adele – “Rolling In The Deep”

Beyoncé – “Rather Die Young”

Katy B – “Movement”

New Look – “Janet”

St. Vincent – “Cruel”

Tiger & Woods – “Curb My Heart”

Jay-Z & Kanye West – “Niggas In Paris”

James Blake – “The Wilhelm Scream”

SILVA – “Imergir”

Jessica 6 – “Prisoner Of Love”

Chris Brown (ft. Lil Wayne, Busta Rhymes) – “Look At Me Now”

Toro Y Moi – “New Beat”

Holy Ghost! ft. Michael McDonald- “Some Children”

The Weeknd – “Glass Table Girls”

Beni – “It's A Bubble”

Kelly Rowland – “Motivation”

Frank Ocean – “Novacane”

Neon Indian – “Polish Girl”

Todd Terje – “Ragysh”

–

Zé McGill (músico, DJ, escritor, Makula/SereS)

discos 2011:

Bad as Me – Tom Waits

Tassili – Tinariwen

From Africa with fury: Rise – Seun Kuti

Angles – The Strokes

Cotonou Club – Orchestre Poly-Rythmo

Nó na orelha – Criolo

Africa for Africa – Femi Kuti

In the grace of your love – The Rapture

Hot sauce committee Pt. 2 – Beastie Boys

Veraneio – Eddie

músicas 2011:

“You can run” – Seun Kuti

“Face to the highway” – Tom Waits

“Macchu Picchu” – The Strokes

“Asuf D Alwa” – Tinariwen

“Chicago” – Tom Waits

“Ne te fache pas” - Orchestre Poly-Rythmo

“Bogotá” – Criolo

“How deep is your love” – The Rapture

“Taken for a fool” – The Strokes

“Tenho que seguir” – Momo

“Neguinho” – Gal Costa

“Nobody beg you” – Femi Kuti

“Tema de Malaika” – Bixiga 70

“Veraneio” – Eddie

“Goodbye Hooray” – Red Hot Chili Peppers

“Let England shake” – PJ Harvey

“Who am I” – Gang of four

“Make some noise” – Beastie Boys

“Federal Funding” – Cake

“Lonely boy” – The Black Keys

–

Diego Albuquerque (biólogo, blog Hominis Canidae)

10 discos

São Paulo Underground – Três Cabeças Loucuras

Lupe de Lupe - Recreio

Sobre a Máquina – Areia

Constantina – Haveno

Passo Torto – Passo Torto

ruído/mm - Introdução à cortina do sótão

Kiko Dinucci, Juçara Marçal, Thiago França - Metá Metá

Satanique Samba Trio - Bad Trip Simulator #1

Ekundayo - Ekundayo

MarginalS - Disco sem nome

E 20 musicas, mas nao existe uma ordem de preferencia...

01. ruido/mm – “Valsa dos Desertores”

02. Cícero – “Tempo de Pipa”

03. Hierofante Púrpura – “Rosa Frígida”

04. Kassin – “Calça de Ginástica”

05. My Midi Valentine – “Hammer”

06. Test – “Ele Morreu Sem Saber o Porque”

07. Team.Radio – “French Doll”

08. Kiko Dinucci, Juçara Marçal, Thiago França – “Vias de Fato”

09. Sin Ayuda – “Wednesday, Thursday Lie”

10. Karina Buhr – “Não Me Ame Tanto”

11. Romulo Froes – “Muro”

12. Constantina – “Azul marinho”

13. Sobre a Maquina – “Barca”

14. Jair Naves – “Um passo por vez”

15. Criolo – “Não existe amor em SP”

16. Bixiga 70 – “Luz Vermelha”

17. Marcelo Camelo – “Acostumar”

18. Domenico – “Cine Privê”

19. SILVA – “Cansei”

20. Vanguart – “Se Tiver Que Ser Na Bala, Vai”

–

Léo Monteiro (músico, Duplexx)

01) Thurston Moore - "Demolished Thoughts" (Matador) - Músicas: "Circulations", "Space".

02) Peaking Lights - "936" (Not Fun Records) - Músicas: "Amazing and Wonderful", "All the Sun that Shines".

03) Gal Costa - "Recanto" (Universal) - Músicas: "Madre Deus", "Tudo Dói".

04) Enablers "Blow Realms and Stalled Explosions" (Lancashire and Somerset) - Músicas: "Patton", "Cliff".

05) V.A. - "Sonig Boxset Thing" (Sonig) - Artistas e Músicas: Nathan Michel - "A to B", Uské Orchestra - "Pal Pel". (essa caixa é maravilhosa!!!!!!!!)

06) Tune Yards - "Whokill" (4aD) - Músicas: "Bizness", "Killa".

07) Rabotnik - "Rabotnik" (Bolacha Discos) - Músicas: "Submarino", "Dínamo".

08) Maruosa - "Extreme!!!!!" (Renda) - Músicas: "Monsters High!!!", "ACA".

09) Dirty Beaches - "Badlands" (Zoo Music) - Músicas: "Speedway King", "Horses".

10) Ela Orleans - "Neo Pi-R" (Clandestine Records) - Músicas: "Walkingman", "Apparatus".

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Lista Geral (Bernardo Oliveira, Thiago Miazzo e Antonio Marcos)

Radiohead – The King Of Limbs

Julianna Barwick – The Magic Place

Kode9 and the Spaceape – Black Sun

Panda Bear – Tomboy

Pete Swanson – Man with potential

Ricardo Villalobos & Max Loderbauer – Re: ECM

The Caretaker – An Empty Bliss Beyond this World

Andy Stott – Passed me By

Melhores de 2011, por Antonio Marcos Pereira

2011-12-23T15:15:00.000-03:00

Eu, que tantas vezes malhei as listas de dez mais que lia, acusando seus autores de irremediáveis pecados de grotesca omissão e rematada incompetência na hora de ajuizar o que importa no presente, e tantas vezes refiz as listas alheias em mesa de bar, apresentando argumentos de toda ordem para me justificar, eu, que tudo isso já fiz, agora provo de meu próprio veneno, pois posso dizer com conhecimento de causa que dá um trabalho do cão fazer isso.

Seu editor lhe pede uma lista de melhores discos e melhores faixas, você pensa que é barbada, você ouviu disco pacas lançados esse ano, vários formidáveis: sua única preocupação é que a lista deve fazer algum sentido, deve dizer algo que seja mais que a coleção de itens, deve expor um lugar de observação. Mas isso não é fácil de fazer e, em particular, não é possível evitar o deslize, o esquecimento, a omissão. Borges disse com propriedade que em qualquer antologia o que se nota antes de mais nada é que falta nelas – e ele também observou que a organização de bibliotecas é um exercício modesto da arte da crítica. Assim, me escorando em Borges, avisando de saída que a omissão é esperada, apresento esses meus dez mais do ano aqui com a consciência tranquila, sabendo que todos são discos que achei o bicho, todos me interessaram, me perturbaram, me fizeram desejar ouvir mais. E o lucro a posteriori para o crítico foi que, depois de feita a lista, de mil tentativas e ajustes, tira esse e põe aquele, ao chegar ao resultado final vejo que não foi o que eu achava que seria – e, justamente por isso, saiu melhor que a encomenda.

–

10 Discos

Dirty Beaches, Badlands

O melhor disco que David Lynch poderia fazer, e que põe no bolso ao mesmo tempo Julee Cruise, Chris Isaak e as próprias tentativas manqué de Lynch como “músico” (sobre as quais comento mais adiante). Disco retro sem nostalgia, é Elvis, punk, e noise e mais uma pimenta cabulosa que nem sei identificar: o bicho, o china mandou bem pacas. Provavelmente o disco que mais ouvi no ano.

The Caretaker, An Empty Bliss Beyond this World

Meu favorito desse moniker do Leyland Kirby, vintage pra calar quem se diz vintage: é um episódio de Boardwalk Empire com o uso de estupefacientes de efeito moderado porém duradouro. Formidável, faz parecer que os discos anteriores são ensaios pro ajuste perfeito de propriedades desse aqui. Show de bola.

Pete Swanson, Man with potential

Resenhei, e não há mais a dizer, salvo talvez reiterar que Swanson chuta bundas.

Grouper, Alien Observer

Fiquei na dúvida entre esse e o da Barwick, que coloco no mesmo balaio. Mas, no final, Liz Harris levou a melhor: mais sinistro, menos new-agey. Logo, pra mim, melhor. Música de assombração pra quem gosta de um clima Família Addams 2.0, mas tem medo de ouvir Merzbow de noite.

The Black Keys, El Camino

Ouvi esse disco duas vezes e já estava cantando junto: quando eu vou me queixar de uma coisa dessas? Quem falou mal esperava o quê? Influências de Ligeti? Uso de afinações microtonais? A praia é essa, e o disco cumpre o que promete. Será, provavelmente, logo esquecido, e é bom que seja assim, pois não se pode lembrar de tudo. Mas não vejo a hora de ir no show e cantar junto com Tio Auerbach e mais uns cinco mil eufóricos o refrão de “Lonely Boy”

Nicolas Jaar, Space is only noise

“Filho” de Ricardo Villalobos, Jaar faz jus à dinastia, honra a dinastia mostrando a semelhança de família mas também inventando o babado dele. Que não funciona pra dançar pouco me importa: boa parte do que o Villalobos faz também não funciona, a não ser que os aditivos químicos sejam muito caprichados mesmo (mas com os devidos aditivos há quem dance até ouvindo Ivete Sangalo). O disco me dá a impressão simultânea de que já ouvi tudo antes, mas há uma aditivada geral produzida com muita tranquilidade, sem qualquer sofreguidão ou desejo de provar que faz xixi mais longe. Isso poderia ser trivial, mas esse sacana tem 21 anos? Putzgrila. Vida longa e próspera pra esse filadaputa.

Andy Stott, Passed me By

Sinistro, podraço, perturbador: em um ano sem Burial (salvo essas palhinhas que rolaram aí), foi uma dádiva. Gostei um pouco mais desse que do We stay together, mas essa comparação é irrelevante e frau: os dois são excelentes, ouça os dois.

Shabazz Palaces, Black Up

Onde se prova que na cultura também pode funcionar como na natureza, a la Lavoisier: que do monte de esterco dos Digable Planets isso possa ter surgido mais de dez anos depois é, realmente, um negócio que dá esperança. “Recollections of the wrath” é um bom exemplo, pois tem um negócio ali que é Digable Planets – mas, por essas coisas mágicas e inexplicáveis que a gente resume falando de “talento” e “arte”, é também muito mais. Show de bola.

Panda Bear, Tomboy

OOPS! HE DID IT AGAIN!

Omar S, It can be done but only I can do it

Que esse disco não tenha tido o menor ibope é prova de que, desgraçadamente, confinaram o techno a um nicho e esse nicho foi colonizado por Djs feitos de baba e com forma de smurf. Aqui talvez se apresente uma evidência de que um jeito de fazer música associado inextricavelmente à peculiaridades de Detroit ainda existe, e ainda é fértil e relevante.

–

10 Menções Honrosas:

David Lynch, Crazy Clown Time

Disco horrendo, que mostra que se pode ser muito relevante em um campo da arte e um néscio em outro, e que nos leva a celebrar mais ainda o efeito de Lynch como produtor de cenas cujo magnetismo foi fundamental para pessoas de minha geração – e que resultou em pérolas como o formidável Badlands, do Dirty Beaches.

The Field, Looping state of mind

É mais do mesmo, mas já não é mais o mesmo – e isso, nesse caso, foi bom.

Psilosamples, Homem do Rá Sound Tracks

Zé Rolê, discretamente, mas com muita alegria e nenhuma pretensão, fez o único disco brasileiro que ouvi também com alegria, e sem nenhuma justificativa a não ser que a música é bacana. Good vibes, low profile, show de bola.

Radiohead, The King of Limbs

Eu tinha esquecido que esse disco era desse ano, e fui lembrado pelas outras listas que estão rolando aí e que já li. Disco frau, mas que teve o efeito positivo de, pelo contraste, mostrar como discos anteriores da banda são o bicho mesmo. Poderia aventar que o disco marca a virada para o perigeu, mas isso só o tempo dirá.

Tim Hecker, Dropped Piano

Gostei bem mais desse que do Ravedeath 1972 – a razão é misteriosa pra mim também, mas talvez algo se esclareça se pensarmos que o disco anterior de Hecker que mais ouvi é o low profile e intimista Radio Amor.

Julianna Barwick, The Magic Place

O que me leva a gostar desse disco é exatamente o mesmo que me leva a cansar dele: é Enya, com alguma respeitabilidade adicionada. Isso não é trivial, o disco é bom pra se ouvir enquanto se faz outra coisa – ou seja, é esquecível, e isso às vezes é tudo o que se quer.

Kate Bush, 50 words for snow

Tia Kate, ainda em plena forma: faixas longuíssimas, mas porque assim deve ser; uso comedido de recursos, porque assim deve ser dessa vez; voz justíssima, porque assim deve ser. A insuportável Joanna Newson teria algo a aprender aqui.

Kanye e Jay-Z, Watch the throne

Me diverti muitíssimo com esse disco: fazer o que eles fazem com um sample de Nina Simone, por si só já merece aplauso. Mas, além disso, eles fazem bem – e devem ter se divertido fazendo. O ponto é polêmico, mas julgo esse disco melhor que os trabalhos mais recentes de cada um dos autores.

Ricardo Villalobos & Max Loderbauer, Re: ECM

Não é o caso de dizer o que se disse quando o Madlib teve carta branca no arquivo da Blue Note (algo como “Assim fica fácil”): isso aqui reinventa o catálogo da ECM, não faz a menor concessão a melodias ligeiras ou ao newageismo latente em várias produções de Eicher. É um disco que honra seu ilustre predecessor, Selected Ambient Works, Vol II, de Aphex Twin – e isso não é pouco.

Melhores de 2011, por Bernardo Oliveira

2011-12-21T04:45:00.011-03:00

Venho repetindo este pequeno diálogo que travei com um amigo. Em tom de desabafo, ele se lamentava por não conseguir acompanhar a quantidade de informação por segundo, que sobrepuja até mesmo a personalidade mais dedicada. “Não consigo acompanhar tudo o que acontece hoje”, é o que ele diz, e eu completo: “Que bom! Você é saudável”. É humanamente impossível acompanhar a produção artística contemporânea sem traçar recortes pessoais e intransferíveis, sem escolher dentre um número irremediavelmente limitado de experiências, aquelas que mais impressionaram o gosto e a consciência do ouvinte.

Assim, meu balanço de fim de ano é mais a exposição de algumas ideias e recortes a respeito da produção que emergiu em 2011 do que um recenseamento absoluto. É produto do gosto particular, mas não se esgota nele. Também não anuncio boas novas, nem crises insolúveis: apenas trago à baila algumas características de 2011 que, naturalmente, são produto do grande quiprocó que se transformou a produção, difusão e fruição da arte e, particularmente, da música.

– Sendo assim, 2011 se caracterizou pela abundância. Advindos sobretudo da Europa e dos EUA, uma pá de artistas ignorou o compasso “um-disco-por-ano”. Como exemplo, tomamos o último investimento de Leyland Kirby, o selo History Always Favours the Winners, pelo qual foram lançados os quatro volumes da série Intrigue & Stuff; os dez lançamento de Jim O’Rourke entre colaborações e compilações de faixas antigas; os habitués Merzbow, Dominick Fernow e William Parker, entre outros. Mesmo em um registro menos abundante, mas ainda assim curioso, artistas como Radiohead, FaltyDL, Zomby, lançaram, além dos tradicionais EPs, remixes, singles, lançamentos digitais. No Brasil, além do forró, do brega e do tecnobrega, pioneiros na produtividade insubmissa aos padrões do grande mercado, esta tendência se mostrou abertamente em São Paulo, através de uma turma que se produziu pelo menos meia dúzia de trabalhos relevantes. Me refiro à Romulo Fróes, Marcelo Cabral, Kiko Dinucci, entre outros, através dos discos de Metá Metá, MarginalS, Passo Torto, Criolo e do próprio Romulo Fróes.

Porém, se 2011 reafirmou a tendência de alteração do padrão de produção, difusão e formato que se delineou nos últimos anos, não foi somente por obra das condições técnicas. Parece que as condições técnicas desreprimiram o ímpero criativo, eximindo o artista da obrigação de suprir as necessidades do “público consumidor”, mas isso também se deu pela própria inclinação do autor em produzir para além de uma dinâmica que se consolidou no período de ouro da indústria fonográfica.

– 2011 se caracterizou pela diversificação da produção, tanto em relação a contextos determinados, como também no que diz respeito às interseções culturais. Observamos a volatilização radical dos gêneros, mesmo quando se trata de reiterar escolhas sonoras datadas. Por exemplo, grandes nomes da música africana acertaram, como Ebo Taylor, enquanto outros erraram feio, como o Manu Dibango de Ballad Emotion. Isto para além do fato de que alguns desses discos poderiam ter saído da década de 70 ou 80 (“retromania”?). Ao mesmo tempo, a releitura poderosa do afrobeat criada por Seun Kuti, até os novos ritmos como o shangaan, o bubu o kuduro, etc, relativzaram o mesmo cenário, criando aberturas imprevistas, como a onda afrobeat que ainda repercute pela Europa e os EUA. No Brasil não foi diferente, com a aparição de outras tinturas instrumentais com o recifense Burro Morto e o surpreendente grupo carioca Sobre a Máquina, e o enfoque glam sobre o tecnobrega empregado pela Banda Uó e a Gang do Eletro.

Esses exemplos somam-se a outros para demonstrar que os interesses se apresentam de forma descontínua. Das estranhezas cariocas, convém destacar o Dorgas, o já citado Sobre a Máquina, mas também Chinese Cookie Poets, Kassin, Domenico, a consolidação da venue Plano B, na Lapa e do Audio Rebel, como pólos de produção independente e experimental (no qual se destacam o evento Quintavant). Esse panorama demonstra que a diversificação sonora atinge até mesmo locais pouco dado a experimentações, como o Rio…

– Das diversificações externas, isto é, daquelas que nutrem um mesmo contexto com a contribuição de outros ritmos e sonoridades, um disco de “música eletrônica” chamou a atencão: Re:ECM, da dupla Ricardo Villalobos e Max Loderbauer. Propondo algo como “novas contextualizações para os espaços sonoros” criados por artistas do célebre selo de improvisação e experimentação ECM, RE:ECM indica o interesse na exploração de outras possibilidades de releitura. Ao lado de “reworks” e “revoices”, presentes nas remixagens de faixas do Radiohead e do King Midas Sound, entre outros, pudemos observar também PJ Harvey e Burro Morto utilizando samplers na íntegra sobre a estrutura de composição.

– Das diversificações internas, isto é, para além da possibilidade de “releitura” de obras pré-existentes, podemos também contar artistas que buscaram criar releituras dentro dos próprios gêneros, como o reggae/dub extremamente originais elaborados por Duppy Gun Productions (Cameron Stallones e M. Geddes Gengras, no sensacional 12” “Multiply/Earth”), Stefan Betke, mais conhecido como Pole em “Waldgeschichten” 1 e 2, e no delírio analógico rasgado criado por Ekoplekz em Memowrekz. Esta liberdade radical para com os gêneros, bem como a possibilidade de cogitarmos seu esfacelamento como uma espécie de procedimento conceitual, se ampliou consideravelmente em 2011.

– O “rap de quarto” que se consolidou em 2011 através de nomes como Clams Casino, Emicida, OFWGKTA etc., marca uma terceira característica do ano: o deslocamento do contexto de produção, e não me refiro somente em relação à grande indústria. Mesmo se considerarmos os home studios, houve um considerável redução do apetrecho técnico e consequente guinada para os “room studios” – em uma epifania desqualificada, também cogito os “bathroom studios”, onde a voz pode ser gravada com mais qualidade…

Brincadeiras à parte, vale perguntar pelo impacto de uma produção musical completamente amadora, no sentido de que não faz jus nem às condições antes consideradas mínimas para gravar e mixar, nem às exigências do grande mercado, tanto estéticas quanto logísticas (distribuição) e práticas (produção). Boa parte da relevância de um dos selos mais prolíficos do ano, o Not Not Fun, bem como do trabalho de Hype Williams e Run DMT, é tornar pop e palatável a sonoridade de ferro-velho, abafada, analógica, deteriorada, decorrente tanto da utilização de equipamentos analógicos, como também do emprego de técnicas de gravação que combinam procedimentos rudimentares com alta tecnologia.

Ressoam nessa questão, o aparecimento das tias da música eletrônica experimental, Ursula Bogner e Daphne Oram, bem como o White Noise, comandado por Delia Derbyshire. De alguma forma, a revalorização desse trabalho pioneiro evoca as condições abertas e experimentais de que gozaram essas artistas durante um período que compreende as décadas de 50 e 80, em contraste com a situação contemporânea, na qual as mais diversas configurações técnicas se tornam possíveis.

Há um cenário se delineando que manifesta nuances imprevisíveis, mas vale notar que: a) produz-se com qualidade técnica e estética no âmbito amador; b) distribui-se com eficácia no âmbito das redes; c) mas, como afirma Leyland Kirby na revista Wire de Janeiro de 2012, “encontrar um público e se conectar com ele está cada vez mais difícil.” Por outro lado, produzir no âmbito particularíssimo dos quartos ou na independência dos selos, leva à experiências sonoras igualmente imprevistas. Apesar da quantidade massacrante de arquivos comprimidos que fazem parte da nossa vida, nunca se deu tanta bola para a retomada de processos analógicos e outras sonoridades que só agora puderam emergir democraticamente.

E o samba, hein?

– Por fim, se observa a familiariade remota, que se deu de forma bastante acentuada em 2011. Explico: “Consiste no fato de contrairmos familiaridade com manifestações culturais absolutamente distantes das nossas. Evidentemente que não me refiro somente à música feita em 2011, mas a uma forma específica com a qual escutamos a música de todos os tempos e lugares, segundo as técnicas de gravação, reprodução e distribuição disponíveis na praça” (citado daqui). Em outras palavras, a difusão em rede permite a visualização e familiarização com extratos culturais que antes eram apenas identificadas sob a chancela do “outro”. Não que o suposto abismo que separa ocidente e oriente tenha se apagado, mas não me parece irrelevante o fato de que tenha se reduzido consideravelmente.

Nesse sentido, um caso interessante (e difícil) é o do Mali: como dar conta de um manancial que inclui nomes como o de Sidi Touré, Vieux Farka, Tinariwen, Boubacar Traoré, Bombino e Oumou Sangaré (que fez talvez o maior show do ano, pelo menos no Rio) sem ter um pano de fundo histórico e experiencial consistente? Pois bem, a questão da familiaridade sonora já foi resolvida pelo advento dos selos dedicados à música africana e pelo MP3, e a música do Mali está longe de ser algo alienígena, como era no início da década passada. E no entanto, como bem observou nosso colunista Lucio Branco, ainda ouvimos os gritos mal-educados de fãs da Macy Gray durante o show do sensacional Tinariwen…

Dito isto, apresento 20 discos e 40 faixas de 2011, com toda aquela dúvida pertinente de quem deseja permanecer saudável diante do turbilhão. Isso não implica, de forma alguma, em virar as costas para a grande onda, mas surfá-la na medida do possível. E do aprazível… Talvez alguns álbuns e faixas não devessem entrar, como o deslumbrante Recanto, de Gal Costa ou Três Cabeças Loucuras, a guinada espetacular do São Paulo Underground (comparável à do Æthenor), por conta das poucas audições. Mas como resistir diante de momentos tão diferentes de tudo o que se faz hoje em território nacional. Consciente de que pelo menos 50% dessa lista poderia ser substituída por outros títulos tão ou mais representativos, e que o modo "esquecimento saudável" está acionado, adiciono, pelo menos em relação aos álbuns, uma lista complementar – e incluo compilações e relançamentos.

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20 Discos (os dez primeiros, em ordem)

PJ Harvey – Let England Shake

The Caretaker – An Empty Bliss Beyond This World

Andy Stott – Passed Me By

Machinedrum – Room(s)

Patten – GLAQJO XAACSSO

Pete Swanson – Man With Potential

Pinch & Shackleton – Pinch & Shackleton

Ricardo Villalobos & Max Loderbauer Re:ECM

Eliane Radigue – Transamorem, Transmortem

Kode9 and the Spaceape – Black Sun

Æthenor – En Form For Blå

Sidi Toure – Sahel Folk

São Paulo Underground – Três Cabeças Loucuras

Radiohead – The King Of Limbs

Moritz von Oswald Trio – Horizontal Structure

Romulo Fróes – Um Labirinto Em Cada Pé

Boubacar Traoré – Mali Denhou

Domenico – Cine Privê

Akita /Gustafsson / O'Rourke – One Bird Two Bird

Gal Costa – Recanto

E mais:

King Midas Sound – Without You, Peaking Lights – 936, Micachu & The Shapes – Chopped & Screwed, Prefuse 73 – The Only She Chapters, Orchestre Poly-Rythmo – Cotonu Club, Colin Stetson – New History Warfare Vol. 2: Judges, Thruston Moore – Demolished Thoughts, Akron/Family – s/t II: The Cosmic Birth and Journey of Shinju TNT, Meredith Monk – Songs Of Ascension, Joe McPhee & Chris Corsano – Under a Double Moon, Kiko Dinucci, Juçara Marçal, Thiago França – Metá Metá, Nicolas Jaar – Space Is Only Noise, Seefeel – Seefeel, DeepChord Hash–Bar Loops, Hecker Speculative Solution, Kate Bush – 50 Words for Snow, Satanique Samba Trio – Bad Trip Simulator #1, Tom Waits – Bad as Me, Sonic Youth – Simon Werner a Disparu, Red Noise - Red Noise, FaltyDL – You Stand Uncertain, Julia Holter – Tragedy, Bombino – Agadez, Conrad Schnitzler & Borngräber & Strüver – Con–Struct, Fire! With Jim O'Rourke – Unreleased?, Shabazz Palaces – Black Up, Burro Morto – Baptista virou máquina, Death Grips – Exmilitary , Grutronic And Evan Parker – Together In Zero Space, 2562 – Fever, Vladislav delay quartet – Vladislav Delay Quartet, Leyland Kirby – Intrigue & Stuff (Vol. 1), Aube – Variable Ambit, Anne–James Chaton – Événements 09, Panda Bear – Tomboy, Andy Stott – We Stay Together, Peter Evans Quintet – Ghosts, Ekundayo, Hype Williams – One Nation, Liturgy – Aesthethica, Daniel Menche & Anla Courtis – Yaguá Ovy, Black Pus – Primordial Pus, Zomby – Dedication, Tinariwen – Tassili, Radiohead – TKOL RMX 1234567, Ekoplekz - Memowrekz, Rene Hell – The Terminal Symphony, Sobre a Máquina – Areia, Reinhold Friedl – Inside Piano, Tyler, The Creator – Goblin, Sun Araw – Ancient Romans, Soema Montenegro – Pasionaria, Africa Hitech – 93 Million Miles, Chris Watson – El Tren Fantasma, Earth – Angels of Darkness, Demons of Light 1, Prurient – Bermuda Drain, Arrington De Dionyso Suara Naga, Demdike Stare – Tryptich, Africa Hitech 93 Million Miles, Akira Sakata & Jim O'Rourke with Chikamorachi – And that's the Story of Jazz..., Nate Young – Stay Asleep, Bellows – Handcut, Cyclo. – Id, Brian Eno – Drums Between The Bells , Caldo de Piaba Volume 3, Charalambides – Exile, Chinese Cookie Poets – Dragonfly Catchers and Yellow Dog EP, Clams Casino Rainforest EP, CoH – IIRON, Fennesz – Seven Stars, Leykand Kirby – Eager to tear apart the stars, Cut Hands – Cut Hands, Gui Borato – III, Omar Souleyman – Haflat Garbia – The Western Concerts, Kassin – Sonhando Devagar, Blu – NoYork!, Four Tet – FabricLive 59.

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40 Faixas (sem ordem)

“Revolutionaires” – Pursuit Grooves

"Dito antes" – Dorgas

“Boneco de Piche” – Romulo Fróes

“Things Fall Apart” – Zomby/Panda Bear

“Otis” – Jay–Z & Kanye West

“Boracay Drift” – Pinch & Shackleton

“Slow Motion” - Panda Bear

“Far Out” – Pete Swanson (ouça "Misery Beat")

“Time’s Arrow” – Prurient

“E.F.M–M in concert” – Satanique Samba Trio (assista)

“Tudo dói” – Gal Costa

“Earth” (feat. Early One) – Duppy Gun Productions

“The Glorious Land” – PJ Harvey

“Live For The Future, Long For The Past” – Leyland Kirby

“Lin Quer” – Kassin

“Wipfel” – Pole

“Out in the Streets” – Africa Hitech

“Águas de Março” – João Brasil/Gaby Amarantos

“It’s Got Me” – Addison Groove

“Don’t cry in my bed” – Damu

“Black Ice” – Senking

“Locked” – Four Tet

“Crystalline (Omar Souleyman Version)” – Björk & Omar Souleyman Group

“Numbers in Action” – Wiley

“Little By Little” (Shed RMX) – Radiohead

“Work It” – Nico

“Summer Solstice” – Crystal Antlers

“Black Smoke” (feat. Cha Cha) – Kode9 & Spaceape

“Tar Hani” – Bombino

“Vias de Fato” – Metá Metá

“Guillotine” – Death Grips

“Barca” – Sobre a Máquina

“Street Halo” – Burial

“Cine Privê” – Domenico

“Sandwitches” – Tyler, the Creator

“Artianat” – Sidi Touré (ouça "Bon Koum")

“Hip Love” – FaltyDL

“Jah” – Hype Williams

“Staircase” – Radiohead
"Sinhá" – Chico Buarque

Uma faixa antiga, mas que só apareceu agora: "Gambari" – Sorry Bamba

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Coletâneas e Relançamentos

Sorry Bamba – Volume One 1970–1979

Orchestre Poly-Rythmo de Cotonou – The 1st Album

Rob – Funky Rob Way

El Rego – El Rego

Erkin Koray – Meçhul: Singles & Rarites

John Fahey – Your Past Comes Back to Haunt You

Vários – Bangs And Works Vol 2: The Best Of Chicago Footwork.

This Mortal Coil – This Mortal Coil (Box Set)

Theo Parrish – Ugly Edits

Spatial – Spatial

Beach Boys – The Smile Sessions

Jürgen Müller – Science of the Sea

Primal Scream – Screamadelica

Nahawa Doumbia – La Grande Cantatrice malienne

This May Be My Last Time Singing: Raw African-American Gospel on 45 RPM 1957-1982

Black Truth Rhythm Band – Ifetayo

Ursula Bogner – Sonne = Blackbox

Melhores de 2011, por Thiago Miazzo

2011-12-19T12:49:00.001-03:00

O ano de 2011 foi bom, musicalmente falando. Pode não ter sido o melhor ano para Amy Winehouse, nem para Osama Bin Laden. A mina mais porra-louca do pop morreu, e o terrorista mais procurado do mundo, também. Já era, "Washington Buries Al-Qaeda Leader at Sea", como declarou Dominick Fernow. Não foi um ano bom para as pessoas que viviam nos arredores da usina de Fukushima, nem para o Euro. O pessoal de Grécia, EUA, Espanha e Itália - além dos camaradas que tomaram as ruas na Primavera Árabe - tiveram pouco tempo pra relaxar e ouvir música. Pensando neles (e em todos que, por qualquer motivo, não tiveram tempo pra acompanhar a música ao longo do ano) tentei fazer essa lista da forma mais abrangente possível. Inclui o Post-punk intenso da molecada do Iceage, o Power Electronics truculento do Alberich e alguns daqueles discos que "não podem ficar de fora", como é o caso do Bon Iver e do The King of Limbs (com o qual muita gente só teve contato através das paródias do clipe de "Lotus Flower"). É uma lista como qualquer outra, vulnerável a uma série de críticas e apontamentos. São vinte discos e quarenta músicas. Muita gente ficou de fora, mas se você quer correr atrás do tempo perdido e garimpar os lançamentos de 2011, pode começar por aqui:

01) Prurient - Bermuda Drain

02) Julia Holter - Tragedy

03) Panda Bear - Tomboy

04) Tim Hecker - Ravedeath 1972

05) Jesu - Ascension

06) Earth - Angels of Darkness, Demons of Light I

07) James Ferraro - Far Side Virtual

08) Iceage - The New Brigade

09) Sobre a Máquina - Areia

10) Bon Iver - Bon Iver

11) Radiohead - King of Limbs

12) Six Organs of Admittance - Asleep On The Floodplainx'

13) How to Dress Well - Just Once

14) Thurston Moore - Demolished Throughts

15) Kode9 & The Spaceape - Black Sun

16) The Raveonettes – Raven in the Grave

17) Raspberry Bulbs - Nature Tries Again

18) Cold Cave - Cherish the Light Years

19) Alberich - Psychology of Love

20) Julianna Barwick - The Magic Place

E as quarenta melhores músicas do ano, em ordem alfabética:

01) Alberich - Psychology of Love

02) Ajapai - Detected

03) Battles - Futura

04) Björk - Crystalline

05) Bon Iver - Holoscene

06) Boy Friend - The False Cross

07) Burial - Stolen Dog

08) Deep Magic - Minds in Lucidity I

09) Dorgas - Loxhanxha

10) Dylan Ettinger - Endeavor

11) Earth - Descendent to the Zenith

12) Earth - Old Black

13) How to Dress Well - Suicide Dream 2

14) Iceage - Broken Bone

15) Inverness - Winter Lemonade

16) James Ferraro - Earth Minutes

17) Jennifer Lo-fi - Troffea

18) Jesu - Black Lies

19) Jesu - King of Kings

20) Julia Holter - Celebration

21) Julia Holter - Goddess Eyes

22) Julianna Barwick - White Flag

23) Kode9 & The Spaceape - Black Sun (Partial Eclipse Mix)

24) M.Geddes Gengras - Splashing Into Mine

25) Panda Bear - Tomboy

26) Panda Bear – Alsatian Darn

27) Prurient - Palm Tree Corpse

28) Prurient - Let's Make a Slave

29) Radiohead - Lotus Flower (Jacques Greene RMX)

30) Raspberry Bulbs - What it is Between us

31) SBTRKT - Hold On

32) Six Organs of Admittance - Light of the Light

33) Sobre a Máquina - Lingua Negra

34) Sobre a Máquina - Barca

35) Tim Hecker - Analog Paralysis, 1978

36) Tim Hecker - No Drums

37) Thurston Moore - Day Dreamy

38) Vatican Shadow - USS Carl Vinson Night Tide Funeral

39) Wind in Willows - Elephant Dreams

40) Xander Harris - Tanned Skin Glass

Minicrônicas Discográficas #4

2011-12-16T09:23:00.002-03:00

Esta minicrônica, a de número quatro, marca a chegada ao Matéria de dois novos colaboradores. Além dos textos de Lucio Branco (que nos brindou recentemente com o GENIAL Sorry Bamba) e de Bernardo Oliveira, esse que vos fala, o Matéria contará com os textos de Thiago Miazzo e Antonio Marcos Pereira. Miazzo é de São Paulo, estreou escrevendo sobre Just Once, o ep “acústico” do How To Dress Well, e esta semana se dedicou a um dos discos mais celebrados do ano: Bermuda Drain, do Prurient. Antonio Marcos é de Salvador, nos trouxe Man With Potential, o último rebento de Pete Swanson (ex-Yellow Swans) e uma crônica memorialista sobre Sapphie, do guitarrista britânico Richard Youngs. A julgar pela seleção de álbuns e artistas, os novos autores chegam para somar, de modo que a proposta do Matéria continua de pé: música e adjacências (siga-nos no Twitter, @MateriaBlog).

Três notas:

- Em dezembro, o Rio de Janeiro foi palco do Festival Novas Frequências, produzido pelo Chico Dub e que aconteceu no Oi Futuro Ipanema, com apoio da FACT Magazine PT. O festival trouxe à cidade um time peso pesado de música eletrônica híbrida, com enfoque em novos gêneros e tendência sonoras. Por conta do festival, tivemos a oportunidade de escutar os graves de Andy Stott ao vivo, as viagens canábicas de Sun Araw, o cubismo digital de Murcof e o surpreendente Com Truise mostrando que é mais do que um trocadilho histriônico. No lugar de Mark Mcguire, cancelado por questões de visto, duas escalações nacionais: o brasiliense Pazes e o mineiro Psilosamples. Com o envolvimento da FACT, tiver a oportunidade de entrevistar o Cameron Stallones (Sun Araw) e o Fernando Corona (Murcof), e ainda tem uma do Andy Stott na rebarba, vamos ver se rola…

- Ontem chegaram notícias sobre o racha na Abrafin, durante o congresso Fora do Eixo. Treze festivais, entre eles o Goiânia Noise Festival e o Abril Pro Rock, alegam “que não se sentem à vontade com o atual estado de coisas”, sugerindo relações problemáticas entre a entidade e o circuito/rede de trabalho Fora do Eixo. Gustavo Mini, do blog Conector, compilou parte dos artigos de uma polêmica que já se arrasta há alguns meses, mas possui raízes profundas na cultura que orienta a produção musical brasileira. Na sequência, a entrevista do China, a resposta do Bruno Kayapy, do Macaco Bong, e a polêmica Elma/Mombojó/Studio SP. Evito me posicionar nesse debate, porque percebo que ambos erram e acertam, mas um detalhe deve ser observado: a salutar, ainda que por vezes destemperada, inclinação para o debate. Que isso aconteça em âmbito nacional, com a contribuição decisiva de capitais como Cuiabá já me parece digno de nota.

- Para finalizar, textos sobre Without You, coletâneas de reworks e revoices do King Midas Sound, o último de Gui Boratto, dois dos discos mais importantes do ano, os geniais patten: GLAQJO XAACSSO e Pinch & Shackleton, a volta de Tom Waits, com Bad As Me e um álbum que já foi minicrônica, mas sobre o qual escrevi mais longamente: Omar Souleyman, Haflat Gharbia – The Western Concert. De resto, escutando o maravilhoso disco do São Paulo Underground, do Satanique Samba Trio, Anomia, mais um EP surpreendente do trio carioca Sobre A Máquina, a Kate Bush renovada de 50 words for Snow, o disco alienígena de Julia Holter, Teebs, Dimlite, Meredith Monk, a última loucura de Weasel Walter, Electric Fruit, o volume 2 da série Bangs & Works, dedicado ao juke, a impressionante (tripla!) coletânea This May Be My Last Time Singing, parceria do selo americano Tompkins Square com o colecionador Mike McGonigal, o bandcamp do trabalho solo de Nick Zammuto (do The Books), mais novidades surpreendentes do Pole, Oval novo (ainda não escutei direito, mas parece mais uma loucura), Gal reinventando-se (deixando-se reinventar) por Caetano, Kassin, Moreno Veloso, Rabotnik…

Semana que vem, hora de botar a listomania reprimida para fora: melhores do ano, lista dos críticos e convidados. Aguardem!

Rrose x Bob Ostertag – Motormouth Variations (2011; Sandwell District, Reino Unido)

“Pense Seurat e pense impressionista”: o pontilhismo é uma declaração de guerra à firmeza apolínea do traço, da linha reta. Filho dileto do impressionismo, constitui o tipo de técnica que favorece à poética por transfiguração, como Joyce, como Stravinsky… Este álbum, que combina o talento do anônimo Rrose com o veterano Bob Ostertag, parece se orientar rigorosamente pelos preceitos pontilhistas: os timbres esfarelados que Ostertag destilou em seu Motormouth, de 2011, servem como peça num quebra-cabeça rítmico dos mais intrigantes deste ano. São oito faixas, duas assinadas por Ostertag, as restantes por Rrose. O pontilhismo de Ostertag é mais radical, seco, enquanto o de Rrose é mais abstrato, e se desenvolve através de formas menos rígidas. Vale notar que Rrose lançou mais dois 12” pelo selo Sandwell District, “Merchant Of Salt” e “Primary Evidence”, infelizmente menos interessantes que Motormouth Variations.

Liturgy – Aesthethica (2011; Thrill Jockey, EUA)

Liturgy é a banda do guitarrista e compositor Hunter Hunt Hendrix, com seus chapas Tyler Dusenbury (baixo), Greg Fox (bateria) e Bernard Gann (guitarra). Segundo Hendrix, o Liturgy é uma experiência de “black metal transcendental”, expressão cujo significado ele tentou explicar no paper acadêmico homônimo (“Black Metal é o metal no modo Sacrifício”), e que em virtude de sua concepção arrojada, vem atraindo críticas negativas por parte dos especialistas do gênero. A julgar por este belo álbum que é Aesthethica, trata-se da implantação de timbres e harmonias que não são propriamente do universo do gênero, como exemplifica o Bathory e o Immortal. Para além dos ritmos velozes e texturas concentradas, o Liturgy confere uma forma mais solta às composições, incluindo viradas de bateria, convenções minimalistas, harmonias oitavadas e timbragem diferenciada – na caixa de “Generation”, por exemplo, ou na introdução intrigante de “High Gold” (aqui em ótima versão ao vivo, pois não encontrei a versão do disco com a introdução).

Erkin Koray - Meçhul: Singles & Rarities (2011; Sublime Frequencies, EUA [Turquia])

Desde a década de 50, quando fazia imitações de Fats Dominos e Elvis Presley, Erkin Koray é o grande nome do rock turco. Líder não de uma geração, mas de pelo menos quatro gerações do rock turco, Koray teve influência sobre outros expoentes relevantes da música turca, como o Mogollar e Selda Bagcan (sampleada à beça). Sua vasta contribuição compreende o psych rock dos anos 60, o rock progressivo dos anos 70, cobrindo praticamente 50 anos de atividade. Este ano, após o lançamento em 2006 de uma coletânea pelo selo World Psychedelia Ltd., a Sublime Frequencies editou uma saborisíssima compilação de singles e raridades. Faixas como “Cümbür Cemaat” e “Had Hadi Ordan” trazem melodias engenhosas e cativantes, que demonstram o talento de Koray em mesclar o cancioneiro com trejeitos ocidentais aos arabescos melódicos da música turca.

Ps.: consta que além de músico, compositor, etc., Koray criou a baglama.

S.T.A.B. Electronics – The Non Alliant I (2011; Unsound Recordings, Reino Unido)

Que a música Industrial é um gênero que trabalha o lado mais escroto do ser humano, todo mundo sabe, mas poucos são capazes de lapidar a perversão do homem e transformá-la em arte, destacando-se dos demais artistas. Junte o fascínio pela morte, presente nos trabalhos do Atrax Morgue, com a perversão sexual do Whitehouse e você vai ter uma idéia do que esperar de The Non Alliant I, um disco de Power Electronics que te dá medo de sair de casa, que te faz conferir cinco vezes se a porta está trancada antes de dormir, um disco que te deixa com receio de conhecer novas pessoas.

Vatican Shadow – Washington Buries Al-Qaeda Leader at Sea (2011; Hospital Productions, EUA)

O ano de 2011 foi produtivo para Dominick Fernow – só com o Vatican Shadow foram lançados seis álbuns, entre eles o excelente Washington Buries Al-Qaeda Leader at Sea. O álbum – dividido em três fitas cassettes - tem cara de documentário e apresenta um Minimal Synth com pitadas de Dark Ambient, apostando em sintetizadores sombrios e passagens hipnóticas, acompanhados por uma bateria minimal.

Cold Body Radiation – Deer Twilight (2011; Dusktone, Holanda)

Pouco se sabe a respeito do misterioso M., único membro do Cold Body Radiation, exceto o fato de ser originário da Holanda e fazer música com uma forte inspiração nos últimos trabalhos do Alcest, Les Discrets e toda a cena francesa envolvida com o chamado Post-Black Metal. Deer Twilight, o segundo álbum do CBR, mistura a atmosfera flutuante típica do Post-Rock, a parede de ruídos e os vocais borrados do Shoegaze, flertando sutilmente com o Black Metal ao longo das sete faixas do disco.

Bernardo Oliveira e Thiago Miazzo

(crítica - disco) Richard Youngs - Sapphie (1998; Jagjaguwar, EUA)

2011-12-14T07:52:00.001-03:00

Quando me mudei para Belo Horizonte pra fazer o mestrado passei inúmeras horas folheando discos que não tinha dinheiro pra comprar na Motor Music. Eu não tinha grana, tinha outras obrigações mais urgentes (estudar Pascal, por exemplo), mas também tinha alguma possibilidade de ócio e, dos lugares que eu conheci logo que cheguei, esse era um dos que mais me agradava. Havia lá a turminha dos conhecidos, dos habitués, e eu não pertencia a nada - era só um ninguém, um ignorável, mas os caras me deixavam em paz, e a música era boa.

Seria o caso talvez de tentar inventariar o tanto de música que descobri apenas estando nessa loja e ouvindo o que os caras punham pra tocar. Um incidente desses rolou um dia que chegou uma moça e o cara do balcão, que devia ser um dos donos, disse "Ouça isso aqui, você vai adorar isso". Era um gesto interessante, pois parecia misturar azaração e inteligência de vendas: o cara cortejava a moça ao demonstrar conhecer suas predileções estéticas; caso acertasse, ganhava pontos e, talvez, mais chance de receber um investimento afetivo por parte da moça e, quase certo, ganhava também a compra do disco, ou pelo menos a instalação do desejo de comprar na cliente. Astuto o sacana.

Então vem o disco, eu estava manipulando as camisetas e aos pouquinhos fui parando de mexer nos cabides, fui deixando aquilo de lado e me concentrando em olhar um ponto cego, um lugar qualquer pra fora da loja, as pessoas passando na rua agora com a trilha sonora da primeira faixa de Sapphie, de Richard Youngs. Claro: naquele momento eu não sabia o nome do disco, o nome do cara nunca tinha ouvido, a faixa me pareceu muito, muito longa - mas também pareceu perfeita, tão cheia de nostalgia, tão pungente e frágil, toda a força eventual das coisas frágeis ali resumida, todas as hesitações, carências e cada temor arrecadado, exposto e perdoado ao mesmo tempo. Nunca tinha ouvido aquilo, ouvi uma vez, fui fisgado e nunca me esqueci - e estou aqui escrevendo esse texto, dez anos depois, pra falar ao mesmo tempo de várias coisas, como quase sempre acontece quando você entra nesses esquemas memorialísticos para construir um argumento de apreciação estética.

Quero falar de uma música que passou no teste do tempo: estou ouvindo o disco agora, enquanto escrevo, são apenas três faixas, longas, quase que só violão e voz e vazio, letras que em certa medida estão ali para ser gentilmente inferidas e advinhadas, pois entender aqui não é sinônimo de “entender tudo”. Quero falar também de uma coisa que fazíamos não faz nem tanto tempo, que construiu tanto em meu gosto e meu entendimento de música que nem sei por onde começar: trata-se da prática moribunda de frequentar lojas de discos, passar o tempo nesses lugar de comércio de produtos musicais que terminavam fatalmente virando lugares de convivência, onde você fazia amizades, aprendia e, para alguns, como se vê no caso contado, podiam ainda ser espaço de azaração. E, por fim, quero falar também da maneira sempre enigmática, mas muitíssimo ordinária, que faz com que certas canções se inscrevam de tal maneira em sua memória, atreladas a um momento específico, revisitado por você em audições posteriores, que não dá pra separar o conhecimento dessa música de sua ideia de quem você é.

Obviamente, nesse sentido, esse texto só pode falhar: é muita coisa pra um textinho só. Mas tem algo aqui que talvez possa funcionar, que é a remissão a esse disco excepcional perdido no escolho indie, um disco que passou no teste do tempo, que honra seu antecessor mais óbvio (o Nick Drake seco e enigmático de Pink Moon) e que certamente estimulou pelo menos um sucessor à altura (o Young Prayer, do Panda Bear). Assim, imagino, talvez o texto sirva para que você ouça, ou ouça de novo, esse disco - e isso já vai estar de bom tamanho.

Antonio Marcos Pereira
Ouça "Soon It Will Be Fire".

(crítica - disco) Prurient – Bermuda Drain (2011; Hydra Head Records, EUA)

2011-12-12T10:11:00.000-03:00

Não dá pra falar em Prurient sem falar um pouquinho a respeito de Dominick Fernow, o cara que desde 1998 carrega nas costas o selo Hospital Productions e traz na bagagem quase uma centena de lançamentos, todos em edições ridiculamente limitadas. Também não podemos deixar de notar o desenvolvimento técnico do Dom, que ao longo desses treze anos conseguiu encontrar seu próprio estilo. É nítida a influência do Cold Cave (projeto Synthpop que conta com a colaboração de Dominick Fernow) em algumas músicas do Bermuda Drain, o que pode assustar os fãs mais antigos. "Many Jewels Surround the Crown" tem uma pegada Coldwave pesadíssima, enquanto "A Meal Can be Made" soa como um Minimal Synth anfetaminado. Nem de longe lembra o Noise hostil de albuns como o History of AIDS, do longínquo ano de 2002.

"Bermuda Drain" soa familiar, soa mais Prurient do que as faixas anteriores. Aquele lance mais Noise/Drone característico dos trabalhos do Dom. "Watch Silently" tem vocais muito bem colocados, em meio a uma teia de ruídos. Vertiginosamente caótica, como uma escada em formato de caracol, em que a cada degrau ultrapassado intensifica-se a ansiedade e o desconforto. "Palm Tree Corpse" tem synths delicados e uma linha de baixo derretida, que cria uma atmosfera realmente triste - a frase “if I could, I’d take a tree branch and ram it inside you", repetida diversas vezes ao longo da música, define bem o sentimento de impotência das vezes em que sentimos ódio de alguém e não podemos fazer nada a respeito. É uma mistura de tristeza e náusea que todo mundo sente, vez ou outra. A diferença é que algumas pessoas lidam com o fracasso de uma maneira totalmente estúpida, outras fazem arte. É uma linha tênue que separa o artista do psicopata.

Em "There are still secrets", o Minimal Synth volta acompanhado de um vocal alucinado, que pouco utilizou pedais de efeito. A música lembra os projetos Black Metal do qual o Dom faz parte, especialmente o Ash Pool. "Let's make a Slave" provoca tensão com seu beat persistente e vocal sussurrado, e "Myth of Sex" tem uma estrutura confusa. "Sugar Kane Chapel" fecha o disco com o som de águas correntes e sintetizadores acompanhados por um Dominick inspirado no spoken word, ganhando um aspecto mais grave e soturno ao longo do tempo, terminando com um fio de esperança: "Peace is coming". Quem sabe, né?

Thiago Miazzo

(crítica - disco) Sorry Bamba – Volume One 1970-1979 (2011; Thrill Jockey, EUA [Mali])

2011-12-08T11:10:00.001-03:00

O altissonante, uníssono e quase unânime “NÃÃÃÃÃÃOOOOOO!!!” que ecoou na gare da Leopoldina, no Rio de Janeiro, no segundo dia do festival Back2Black, à pergunta que Oumou Sangaré endereçou ao público presente: “Vocês conhecem o meu país?” (“conhecia” não na acepção turística estrita do termo, mas no que se refere mesmo a sua existência no mapa mundi), fornece a medida do grau de interesse em geral pela África, entre nós. Sangaré, responsável por um dos momentos mais elevados do festival, ao lado do “conterrâneo” Tinariwen (as aspas, aqui, lembram que seus membros nômades podem ter nascido em qualquer um dos países recortados pelo Saara, como determina o incerto e secular roteiro tuareg), pertence ao Mali, nação situada na costa ocidental africana composta, em grande parte, pela influência cultural do Islã.

Esta introdução serve para fazer as honras ao lançamento da compilação de um outro e referencial conterrâneo dessas duas atrações presentes à última edição do referido festival: Sorry Bamba.

A gravadora independente nova-iorquina Thrill Jockey – através da prospecção, produção e compilação realizada pelos dois guitarristas da banda Extra Golden (que funde rock com a benga queniana), os norte-americanos Alex Minoff e Ian Eagleson – lança o primeiro volume de um período específico da carreira de Sorry Bamba, Sorry Bamba: Kanaga Orchestra of Mopti, Regional Orchestra of Mopti (1970-79), cuja “Porry”, que integra a coletânea World Psychedelic Classics 3, Love’s a Real Thing: The Funky Fuzzy Sounds of West Africa, de 2005, decerto já não era novidade para quem realmente se interessa por música africana. Nascido em Mopti, a “Veneza do Mali”, situada na confluência fluvial e metafísica dos rios Niger e Bani, Sorry Bamba, a frente da sua L'Orchestre Kanaga De Mopti (para a Thrill Jockey, Kanaga Orchestre of Mopti), é um autêntico autor musical. Filho de um nobre fiel ao Império Mandinga de Samory Touré – o histórico líder e estrategista militar da resistência malinesa à colonização francesa –, Bamba se manteve inicialmente afastado do seu verdadeiro ofício para vê-lo praticado exclusivamente pelos griots, conforme o rigor da tradição local. Daí, só veio a abraçar finalmente o seu dom na adolescência, com a morte do pai. Em 1957, formou o Group Goumbé, logo renomeado de Bani Jazz, após a independência do Mali (ignoramos a possível relação entre ambos os eventos) e, mais tarde, ao final da década de 1960, rebatizada – até os dias atuais – de L'Orchestre Kanaga De Mopti. A trajetória de Sorry Bamba acabou por torná-lo um dos artistas mais célebres do seu país.

Mas tratemos propriamente de Sorry Bamba: Kanaga Orchestra of Mopti, Regional Orchestra of Mopti (1970-79)...

O órgão meio “mântrico” de “Yayoroba” abre o álbum apresentando a atmosfera geral das suas faixas. E atmosfera é mesmo o termo preciso, já que o repertório em geral de Sorry Bamba se apoia no prolongamento e na repetição que propiciam o transe – características de parte considerável da música elaborada e executada em território malinês. “Boro”, a faixa seguinte, além de apresentar o domínio de uma percussividade mais suave, própria a sua música, é aquela que traz mais ostensivamente o dedilhado da kora, instrumento de cordas original da costa oeste africana, muito utilizado pelos griots. “Astan Kelly”, a quarta faixa, destaca-se como a composição de maior sotaque afrocaribenho da coletânea. (Não há dúvida de que ela carregue as marcas das vias de ida e vinda do roteiro traçado pelo “Atlântico Negro”, como o “canônico” sociólogo Paul Gilroy cartografa a diáspora negra mundial. Precisamente onde e quando a sonoridade “afrocaribenha” despontou nesse roteiro é uma questão que condena, de antemão, todo e qualquer esforço de pesquisa a sondar o Mistério.) “Sekou Amadou”, que figura aqui como um registro supostamente ao vivo (tudo indica que os aplausos que ressoam em três momentos sejam enxertados), é mais abertamente afim à cultura musical muçulmana (seu canto é prova disso). Na faixa seguinte, “Sayouwe”, comparece a batida soulfunky mais ao modo de uma Orchestre Poly-Rythmo, de Benin, notória por fundi-la com o sato, ritmo usado nos rituais vodu. (É claro: esta impressão pode causar grande espanto e/ou contrariedade a um malinke.)

Mas há duas omissões imperdoáveis na coletânea. “N’Do N’Do”, do álbum de 1977 da orquestra (e cuja capa é uma peça de arte por si só), está incompreensivelmente ausente dela, com a sua síntese de guitarra funky e teclados hipnóticos com as estruturas rítmicas da etnia dogon, à qual pertence Bamba. É possível entreouvir nessas estruturas uma involuntária sugestão da sonoridade eletrônica contemporânea (e notemos o quanto as derivações do funk costumam ser pouco reconhecidas a sua fonte original), o que ajuda a desmontar as convicções de um tão acionado “darwinismo musical” que ainda teima em apontar avanços e atrasos segundo critérios culturais sempre parciais. De resto, nesta faixa em particular, há momentos (principalmente no diálogo meio falado, meio cantado do maestro com a sua orquestra) que não à toa lembram, e muito, outro conterrâneo de Sorry Bamba, mestre dessa forma específica de sincretismo musical afrodiaspórico que é – e não é – a tão recorrente aclimatação do funk às suas “origens”: o saxofonista Moussa Doumbia. (Entenda-se: é pelo ângulo panafricano, que estende a África a toda a presença negra no mundo; e não é pela sabida impossibilidade de se delimitar com exatidão as fronteiras em que se encerraria seu território cultural; afinal, alguém aí saberia precisar em que etnia o tronco familiar dos Brown da Carolina do Sul deita suas raízes? Quem o souber, favor informar...) Doumbia é, de fato, uma rara referência de visceralidade na tradição da fusão afrofunk (suas gravações dos anos 1970 fazem a agressividade rítmica do queniano Matata soar bem mais palatável, em comparação). A outra omissão, a autorreferente “Kanaga”, também do álbum de 1977, abusa da polirritmia num arranjo que inclui experimentações com ecos vocais e wah wahs que remetem, sem chance de erro, à estética psicodélica. (Evidentemente, o repertório da presente coletânea, também.)

Apesar das omissões apontadas, Sorry Bamba: Kanaga Orchestra of Mopti, Regional Orchestra of Mopti (1970-79) é uma obra-prima porque, coerentemente, compila material que faz jus a essa qualificação. Aguardamos por Sorry Bamba, no esplendor dos seus 73 anos, como a carta malinesa da vez na próxima edição do festival Back2Black. Assim desejamos...

Lucio Branco

Ouça a faixa "Astan Kelly",